GEMÄLDE ONLINE | GALERIE FÜR ALTE UND ZEITGENÖSSISCHE KUNST

Frau, die arbeitet

Bleistift auf Papier. Unten rechts signiert. Auf der Rückseite befindet sich ein Etikett der Cairola Art Gallery in Mailand, das den Titel des Werkes zeigt. Marussig, ein aus Triest stammender Künstler, der lange Zeit in Mailand lebte, bevorzugte im Rahmen der postimpressionistischen Forschung und in der Nähe der Mailänder Novecento-Gruppe soziale Bildthemen mit Szenen aus dem bürgerlichen Leben oder Porträts von Familienfiguren. Die Zeichnung wird in einem Rahmen präsentiert.

Amharisch (äthiopische Figuren) 1930er Jahre

Bleistift auf Papier. Signatur, Titel und Standort unten rechts. In der zweiten Hälfte der 1930er Jahre reiste Contardo Barbieri als Freiwilliger zum Feldzug nach Ostafrika. Aus dieser Zeit gibt es einige Werke, die orientalische Themen vorschlagen, wie zum Beispiel diese Charaktere des äthiopischen Volkes, die Amharisch genannt werden, weil sie aus Amhara stammen, einer Region im zentralen Norden Äthiopiens, in der sich die Stadt Dessié befindet. Im Rahmen.

Ölgemälde auf Leinwand. Die Identifizierung der Heiligen erfolgt durch das Vorhandensein des großen Holzrads, Symbol des Instruments ihres Martyriums. Normalerweise wird die Heilige mit einer Krone auf dem Kopf und in königlicher Kleidung dargestellt, um ihre fürstliche Herkunft zu unterstreichen. Stattdessen haben wir hier eine untypische Darstellung von ihr, mit offenem Haar, nur bedeckt von einem großen roten Umhang (der die Farbe des Blutes und damit der sterblichen Menschheit hat), der von ihren Schultern fällt und sie zwingt, ihre Brüste mit den Händen zu bedecken; Ihr Blick ist nach oben gerichtet, wo sich der Himmel öffnet und ein Engel herabsteigt, der mit einer Hand die Palme des Märtyrertums hält und mit der anderen einen Blumenkranz auf ihren Kopf setzt, Symbol ihrer mystischen Hochzeit mit Christus. Es handelt sich also um eine Darstellung, die sie im Moment des Übergangs zum ewigen Leben sieht, ähnlich einer reuigen Magdalena in mystischer Anbetung, die sich Christus ohne menschliche Anerkennung opfert. Auf dem Gemälde stechen die Farbwahlen hervor, die vor einem dunklen und düsteren Hintergrund das Rot des offenen Himmels und des Mantels sowie das Weiß des Fleisches sowohl der Frau als auch des Engels hervorheben. Die bereits restaurierte und unterfütterte Leinwand wird in einem bearbeiteten Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert, der einige Mängel aufweist.

Ölgemälde auf Leinwand. Die Heiligenfiguren werden in Herrlichkeit dargestellt, das heißt, sie sitzen im Himmel und sind von Engeln umgeben. Maria, mit Sternen gekrönt, hält auf ihren Knien das Jesuskind, das seine kleine Hand nach dem vor ihnen knienden Heiligen ausstreckt; Katharina, gekleidet in das Dominikanergewand und mit der Dornenkrone auf dem Kopf, streckt ihrerseits ihre Hand mit dem Rosenkranz nach Jesus aus, um mit ihm eine mystische Hochzeit einzugehen, die die Madonna mit der Blumenkrone sanktioniert, die sie aufsetzen möchte auf dem Kopf der Braut. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Die Neun Musen

Wandteppich. Unten rechts erscheint das Wort Euterp. Der riesige Grassaft stellt die neun Musen dar, weibliche griechische Gottheiten, allesamt Schwestern, als Töchter von Zeus und Mnemosyne und mit dem Gott Apollo als Führer. Sie stellten das höchste Ideal der Kunst dar, verstanden als die Wahrheit des „Alles“ oder die „ewige Herrlichkeit des Göttlichen“. Ursprünglich wurden sie allgemein als Gottheiten des Gesangs und fröhlicher Tänze betrachtet, die für die musikalische Umsetzung von Geschichten wie dem Ursprung der Welt, der Geburt von Göttern und Menschen und den Heldentaten des Zeus in Versen verantwortlich sind und oft in Begleitung verschiedener Musikinstrumente dargestellt werden Ab der hellenistischen Ära waren alle gesanglichen und musikalischen Ausdrucksformen damit verbunden, darunter auch traurige und beerdigende Künste, sowie andere Künste wie das Theater, und jede von ihnen war mit einer bestimmten Kunstgattung verbunden, so dass sie einzeln aufgerufen werden konnten um ihre Inspiration und ihren Schutz auszuüben. Das Wort „Euterp“ bezieht sich auf den Namen einer von ihnen, Euterpe, Muse der Lyrik und Musik, die traditionell mit einer Flöte dargestellt wird; Aber der Name Euterpe bedeutet etymologisch „Die Jubelnde“, die Freude bringt, und man kann daher denken, dass sich die Wahl dieses Namens für den Titel des Wandteppichs auf die älteste Funktion der Musen bezieht, die Freudenbringer durch die Kunst. In dieser Darstellung erscheinen die Musen tanzend, gekleidet in Schleier und blühende Zweige; In ihren Händen oder daneben platziert erscheinen Instrumente oder andere Gegenstände, die die Kunst symbolisieren, die sie inspirieren (sowohl tragische als auch komische Theatermasken, die Bildpalette, verschiedene Musikinstrumente ...). Das große Gemälde weist Gebrauchsspuren und Feuchtigkeitsflecken auf.

Ölgemälde auf Leinwand. Nordeuropäische Schule des 18. Jahrhunderts. Die allegorische Szene zeigt eine spärlich bekleidete Frau, die auf dem Schoß eines Mannes sitzt, neben einem Tisch, auf dem ein Krug, ein Kelch, eine Schnupftabakdose und eine brennende Zigarre stehen. Die beiden Charaktere befinden sich in einer Haltung spielerischer Komplizenschaft und sind beide darauf bedacht, eine lange Pfeife zu rauchen. Der Hintergrund bietet eine grüne Landschaft. Die Figuren und Objekte verweisen auf die materiellen und fleischlichen Freuden des Lebens, Rauchen, Trinken, weibliche Gesellschaft; Auch die rosigen und prallen Charaktere erinnern an den Genuss guten Essens. Diese Themen tauchten immer wieder in der flämischen oder allgemeiner nordischen Malerei auf, die sie auf ironische und verführerische Weise darlegte. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Stickerei auf Baumwollstoff. Japan, Meiji-Zeit (1868 -1912). Das große Panel aus besticktem Baumwollstoff bietet ein naturalistisches Motiv: Adler und andere Vögel sind zwischen stilisierten Bergen sowie Kiefern- und Glyzinienzweigen abgebildet. Die Stickerei wird im Stilrahmen präsentiert.

Weiblicher Akt 1912

Ölgemälde auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. Wunderschöne Komposition mit einer nackten weiblichen Figur auf dem Bett, die auf eine vor ihr platzierte Rose blickt, einen kleinen Spiegel in der Hand und eine schöne Vase auf dem kleinen Tisch daneben. Es ist das Werk des ungarischen Malers Papp Bertalan, der sich vor allem Porträts und Stillleben widmete und früh verstarb, nachdem er bereits große Erfolge erzielt hatte. Das Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus der Mitte des 20. Jahrhunderts präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Dies ist eine kleine Kopie von Tizians gleichnamigem Werk, entstanden um 1532 und heute im Louvre-Museum aufbewahrt. Ursprünglich ging man davon aus, dass das Werk Alfonso d'Avalos, Marquis von Vasto, darstellte, wie er sich von seiner Frau verabschiedete, bevor er in den Kampf gegen die Türken zog. Vielmehr handelt es sich eher um den Prototyp einer ehelichen Allegorie, die in Venedig großen Erfolg hatte. Die Ehegatten werden in der Gestalt von Mars (in Rüstung) und Venus dargestellt und werden von Amor, dem Schutzgott der Liebe, der ein Bündel Pfeile hält, und von Vesta, der Göttin des häuslichen Herdes, begleitet, die mit Myrte, dem Symbol der Ehe, gekrönt ist Treue, und von Hymenäus, Gottheit der Hochzeiten, der einen Korb mit Früchten und Blumen anbietet. Die Frau hält eine Kristallkugel in der Hand, als wolle sie in die Zukunft blicken. Die melancholischen Gesichtsausdrücke der Protagonisten wurden als Hinweis auf den möglichen Tod oder Weggang eines der beiden Ehepartner gelesen. Das Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Das Gemälde zeigt das Gesicht eines älteren Heiligen, der eine Lilie, ein Symbol der Reinheit, in der Hand hält, während er ein großes Buch, vermutlich einen heiligen Text, liest. Es handelt sich vermutlich um eine Darstellung des Heiligen Josef: Während er in der Tradition normalerweise mit dem Jesuskind auf dem Arm dargestellt wird, wird seit der Renaissance auch Josef in der Gestalt eines „Philosophen“ oder eines Mannes dargestellt, der in die Lektüre eines Buches vertieft ist der aus der Lektüre heiliger Texte die Weisheit schöpfte, richtige und weise Entscheidungen zu treffen. Das Werk wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Holzbrett. Der kleine Blick stellt einen bewaldeten Blick dar, belaubt und schattig, in dem verschiedene Figuren spazieren gehen und sich amüsieren. Unten in der Mitte erscheint die Signatur AJ Garnier, die auf den französischen Künstler Alfred Jean Garnier (1848–1908), Emaillierer, Maler und Graveur, verweist. Das Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Die beiden Stillleben bieten Kompositionen aus Objekten, die auf mit Damaststoffen bedeckten Holztischen platziert und von drapierten Vorhängen überragt sind. Zu den in beiden Szenen dargestellten Objekten gehören Partituren, in einem Fall auch eine Flöte und mit Wein gefüllte Gläser besonderer Form, flankiert von geprägten Metallkrügen. Auf einem Gemälde sind auch einige Bücher, ein Granatapfel und eine Kristallvase mit Blumen zu sehen; ein Teller mit Kirschen mit einer Keramiktasse, einer Zitrone und einem Himbeerzweig auf der anderen Leinwand. Die beiden Werke werden in vergoldeten Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Kinderporträts 1930

Mit Pastell retuschierte Fotos. Unten rechts signiert. Auf der Rückseite von drei davon steht das Datum 11. November 1930. Zu sehen ist eine Fotosequenz des Porträts von drei Kindern, die ihre Pose oder ihren Gesichtsausdruck leicht verändern. Sie sind das Werk der britischen Fotografin Eva Barrett, die nach ersten Erfahrungen als Malerin beschloss, sich der Fotografie zu widmen, weil sie der Meinung war, dass „es besser ist, eine erstklassige Fotografin zu sein als eine zweitklassige [Malerin]. Nachdem sie 1913 nach Rom gezogen war, richtete sie hier ihr Labor ein. Die mit einer kleinen Kamera arbeitende Pictorialistin Eva Barrett entwickelte ihre eigene fotografische Methode, die an das Zeichnen von Skizzen erinnerte: Sie trug einige sehr leichte Bleistiftstriche auf und schaffte es so, gedämpfte Bilder mit besonders dichten Schwarztönen zu erzeugen und so die Eigenschaften von Fotografie und Porträts beizubehalten. Auf diese Weise war er sehr erfolgreich und seine Karriere nahm Fahrt auf. Eva Barrett fotografierte die italienische Königsfamilie, die Frauen und Kinder ausländischer Botschafter und erhielt zahlreiche Aufträge von europäischen Königshäusern in Belgien, Schweden und Griechenland. Die vier Porträts werden in Stilrahmen präsentiert.

Bice und Ottorino Visconti

Ölgemälde auf Leinwand. Unten links signiert. Der Titel auf der Rückseite auf dem Rahmen. Der Mailänder Maler Filippo Carcano, der ein Schüler von Hayez an der Brera-Akademie war, widmete sich vor allem zu Beginn seiner Karriere der Produktion historischer und historisch-literarischer Themen, wandte sich dann den Genreszenen und Szenen von gesellschaftlichem Interesse zu zur Landschaft. Hier schlägt er die Pferdeporträts zweier Charaktere aus dem Roman Marco Visconti von Tommaso Grossi vor, der von der unmöglichen Liebe zwischen Bice del Balzo und Ottorino Visconti vor dem Hintergrund der Lombardei des 14. Jahrhunderts zwischen Limonta am Comer See, Mailand und Mailand erzählt das Schloss von Rosate. Das Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Gemälde auf Papier. Asien, erste Hälfte des 20. Jahrhunderts. Die Miniaturen zeigen sechs männliche Charaktere, die verschiedenen Aktivitäten nachgehen und in Anlehnung an den Stil von Reza Abbasi, einem persischen Miniaturisten, Maler und Kalligraphen (1565 – 1635), gemalt sind. Die Figuren sind in einen aufgesetzten Papierrahmen eingraviert und von einfarbigen Blatt- und Blumendekorationen umgeben. Sie werden in stilvollen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Porträt einer Frau mittleren Alters, ganz in Schwarz gekleidet, vielleicht zur Trauer. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem zeitgenössischen vergoldeten Rahmen präsentiert.