Wild jagen

Öl auf leinwand. Die szene spielt sich in einer waldreichen landschaft, in der ruinen-architektur, konzentriert sich auf die bewegte und reiche gruppe von figuren, jäger, kleidung der form von reiter, bewaffnet mit schwertern und speeren und mit hilfe der hunde, beschädigung der endgültige schlag zum hirsch jetzt die verwundeten und sterbenden. Das große format unterstreicht die bauherrschaft wichtig, unterstrichen auch durch die verbindung zu bild ähnlich. Der stil verweist auf die malerei der nord-west-deutsch; bilder von diesem format und dieser menschen, die oft paarweise, sie waren weit verbreitet in den kleinen burgen der region piemont und der lombardei zum beispiel im inventar von 1739 im schloss Orio Canavese nördlich von Turin) beschrieben sind, in der zentralen halle, "zwei bilder grosse bislonghi rapresentanti zwei jagd ein Hirsch, und die andere Wildschwein ohne rahmen", dann finden sich nach weiteren verkäufe, die in anderen inventaren. Restauriert und ritelato. Präsentiert in einem rahmen in der art.

Klassische Landschaft mit Figuren aus dem 17. Jahrhundert

Öl auf Leinwand. In einer großen grünen Landschaft, in der ein Fluss fließt, taucht in der Mitte ein Dorf auf; im Vordergrund rechts auf dem Weg eine Gruppe von Frauen, die in farbige Tuniken gekleidet sind. Das Gemälde greift die Bildmodalitäten von Gaspard Dughet auf, dem an der Schule von Poussin ausgebildeten römischen Maler, der sich hauptsächlich der Landschaftsmalerei widmete, mit einer neuen Freiheit und einer frischen Natürlichkeit, die darauf abzielt, ein Reales und Magisches zugleich zu entdecken, das Heide Natur, frei und wild. In Dughets Produktion waren die menschlichen Figuren nie dominant, fehlten in der frühen Produktion und wurden dann nur auf Wunsch der Kundschaft eingeführt, wobei er im Laufe seiner Karriere ohne größere Änderungen einen bestimmten Figurentyp annahm: elegante Figuren mit lockerer Haltung, gekleidet einer kurzen, vage alten Tunika, die normalerweise anonym ist und dem Volk gehört. Solche Züge finden sich in diesem Werk, auch wenn die Zuschreibung an Dughet unsicher ist und man eher glaubt, es in seinen Umkreis zu stellen. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Lombardische Schule. Es ist das stehende Porträt eines Mannes in Rüstung, in einer stolzen Haltung, fast in Bewegung, seine Hand ruht auf dem Griff seines Schwertes; oben links ein Wappen; unten rechts eine bemalte Kartusche mit einer langen lateinischen Schrift, die den Mann identifiziert. Er ist Bartolomeo III. Olevano, der zur mächtigen Familie der Olevano-Adligen gehört, Feudalherren zahlreicher Städte in Pavia und Lomellina (wo ihre Burg noch existiert), die bis zum 18. eine große Stimme in den Ereignissen von Pavia und seiner Landschaft hatten Jahrhundert. Bartolomeo III., Geboren 1512, widmete sich vierzig Jahre lang der Kriegskunst und führte zahlreiche und hoch angesehene Taten aus. Er war Präfekt von Mortara und Novara während der Herrschaft Karls V., des Soldatenmeisters und Botschafter Philipps II. Seine wichtigsten Errungenschaften sind in der Kartusche zusammengefasst: Eine Übersetzung des Textes liegt vor. Das abgebildete Wappen zeigt links den Olivenbaum, nach dem die Familie benannt wurde. Das Gemälde stammt aus einer bedeutenden lombardischen historischen Familiensammlung.

Ölgemälde auf Leinwand. Intensiv und von hoher Qualität zeigt das Gemälde einen Monarchen des königlichen Hauses von Schottland. Um das Porträt herum befinden sich in einem gemalten ovalen Rahmen einige Schriften: Oben links der Name Rober (t), unten links der Titel Rex und rechts die Abkürzung Scot, die für Scotorum steht; die Schrift rechts oben ist nicht identifizierbar, scheint aber ein Akronym zu sein. Der abgebildete Mann trägt einen Hut und eine Jacke, die mit Hermelinpelz verziert ist, der als der edelste Pelz gilt, der dem Königtum vorbehalten ist. Um den Hals trägt er einen goldenen Anhänger, der zwei Blätter mit der Frucht der Distel darstellt, die in der Heraldik Schottland symbolisiert. Die Schrift und der Anhänger beziehen sich daher auf einen Robert von Schottland, wahrscheinlich aus der Dynastie, die im 14. Jahrhundert regierte. Das Porträt wurde auch in der romantischen Periode des neunzehnten Jahrhunderts ausgeführt, wobei wahrscheinlich einige alte Stiche als Inspiration verwendet wurden. Restauriert und unterfüttert, präsentiert es sich in einem historischen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Die ganze Szene spielt sich im Chiaroscuro von Schwarz und Rot ab, wobei die hohen Flammen zwischen den Türmen und Spitzen der Stadt lodern: im Vordergrund die Figuren von Aeneas mit seinem Vater Anchises auf seiner Schulter und seinem Sohn Ascanius an seiner Seite, as sie fliehen aus der Stadt; rechts im Hintergrund das Trojanische Pferd. Obwohl das Gemälde dem gleichen Thema von Alessio De Marchis (1684-1752) nahe steht, bezieht es sich stilistisch eher auf die flämische Malerei. Restauriert und unterfüttert. Es wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Die Geschichte von Apollo und Marsyas

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Die große Leinwand stammt von einem Stich aus dem Jahr 1562 des Venezianers Giulio Sanuto, der das gleichnamige Werk von Bronzino (1503-1572), das derzeit in der Eremitage aufbewahrt wird, originalgetreu reproduzierte; Im Vergleich zum Original fügte der Stich die Gruppe der Musen hinzu und modifizierte den Landschaftshintergrund, indem er Ansichten der Dörfer einführte. Das Werk ist in vier Szenen unterteilt, die von rechts nach links gelesen werden müssen. Die erste Szene zeigt den musikalischen Wettstreit zwischen Apollo und dem Silen Marsyas, der so gut Flöte spielte, dass er als dem gleichen Gott überlegen galt; die beiden Konkurrenten treten auf, der Gott mit der Leier und der Silen mit der Flöte sogar auf dem Kopf (um die Schwierigkeit des Unterfangens zu erhöhen), vor König Midas und der Göttin Minerva, erkennbar an ihren Attributen, dem Helm, dem Speer und der Schild. In der zweiten Szene will Apollo Marsyas häuten, um ihn dafür zu bestrafen, dass er den Musikwettbewerb gewonnen hat; neben ihm auf den Boden lehnen, Mantel und Leier. In der dritten Szene ist es König Midas, der vom Gott dafür bestraft wird, dass er Marsyas ihm vorgezogen hat: Apollo legt Midas die Eselsohren an, während Minerva zusieht. Schließlich ist die vierte Szene im Vordergrund links durch eine besondere Figur gekennzeichnet, die in dem treuen Diener und Barbier des Königs identifiziert wird: da Midas ihm befohlen hatte, das Geheimnis auf seinen Eselsohren zu bewahren, konnte er nicht loslassen andernfalls grub er ein Loch in die Erde und brüllte dort sein Geheimnis hinein; dort aber soll der Legende nach ein Schilfstrauch gewachsen sein, der mit dem Wind flüsterte „König Midas hat Eselsohren“ und damit das gefürchtete Geheimnis preisgab. Das Gemälde wurde zuvor restauriert und unterfüttert, benötigt jedoch derzeit keine weitere Farbwiederherstellung. Rückseitig mit Bleistift eine alte Zuschreibung an die Ferrara-Schule ("Ercole da Ferrara"). Es wird in einem Rahmen im Stil des späten 19. Jahrhunderts präsentiert.

Öl auf dem Tisch. Lombardische Schule der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Das großformatige Gemälde ist auf zwei dicken Walnussbrettern gemalt, die durch Holzkeile verbunden sind. Die Wahl der Stütze deutet darauf hin, dass die Produktion peripher ist, wahrscheinlich aus dem Tal. Die Szene zeigt den Erzengel Gabriel, der sich aus dem offenen Himmel, aus dem andere Engel hervorkommen, Maria vorstellt, während er in Meditation kniet. Besonders ist die Botschaft der Ankündigung ("Spiritus Sanctus superveniet in Te" oder "Der Heilige Geist kommt auf dich herab"), die aus dem Mund des Engels kommt, überragt von der Taube, einem Abbild des Geistes Gottes; außerdem hält der Engel in seiner Hand eine Lilie, Symbol der Reinheit, in diesem Fall der bewahrten Jungfräulichkeit Mariens. Das Gemälde zeigt Spuren früherer ungeschickter Restaurierungen, kleine Farbtropfen und Schäden an den Tafeln (weit verbreitete Wurmlochspuren). Präsentiert in einem stilvollen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Lombardische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Die große Szene zeigt in der Mitte die sitzende Madonna, die dem Jesuskind ihre Brust anbietet, das sich stattdessen ausstreckt, um zu versuchen, eine Frucht aus dem Korb zu pflücken, den der heilige Johannes ihm gibt, und unter ihnen steht; ringsherum fünf Heiligenfiguren, erkennbar an ihren ikonographischen Attributen. Von links sehen Sie: St. Paul, der das Schwert hält, St. Anna, die liebevoll über seine Tochter und seinen Enkel wacht, St. Peter, der die Schlüssel zum Königreich hält, St. Joseph mit seinem Stock und einem Zimmermannswerkzeug an seiner Taille. und schließlich, zuletzt rechts, San Carlo Borromeo, dessen Anwesenheit in der Arbeit den lombardischen Kunden unterstützt. Auch das Gemälde stammt aus der Privatsammlung einer lombardischen Familie, zu der es seit dem 19. Jahrhundert gehört. Die Arbeit befindet sich immer noch auf der ersten Leinwand und mit dem Originalrahmen; Auf der Rückseite hat es einige kleine Flecken und Anzeichen von früheren Patches. Es wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Stillleben mit Blumen, Früchten, Papagei und Wild

Öl auf Leinwand. Neapolitanische Schule des siebzehnten bis achtzehnten Jahrhunderts. Die große Komposition ist reich an zahlreichen verschiedenen Elementen: In der Mitte steht eine große Blumenkomposition aus mehreren Sorten in leuchtenden Farben; Links von den Blumen, die auf einem dorischen Kapitell ruhen, befindet sich ein Wellensittich in leuchtenden Farben, der sich von den matten Farben der toten Wachteln abhebt, die auf dem Boden darunter liegen, zusammen mit einigen Kürbissen und einer Zinnvase. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert. Es stammt aus einer bedeutenden Sammlung (Commendatore Arturo Stucchi, ein Unternehmer aus Como, wird auf der Rückseite erwähnt).