Stilleben Öl auf Leinwand Italien XIX Jhd

Öl auf Leinwand. Lombardische Schule des neunzehnten Jahrhunderts. Die Komposition bietet einen Strauß bunter Blumen, die aus einem auf den Boden gestellten Strohhut hervortreten, während, auf einem Kapitell ruhend, eine Kaskade grüner Zweige mit roten Blumen aus einer anderen Vase hervortritt. Im Hintergrund eine karge Landschaft mit Bergen in der Ferne, während der blaue Himmel von grauen Wolken überzogen wird. Das unsignierte Werk ist sehr nah an Luigi Scrosati (1814-1869), dem Mailänder Maler, der sich für die Darstellung von Blumenstillleben auszeichnete. Das Gemälde wird in einem wunderschönen vergoldeten Rahmen aus der Zeit präsentiert, in Holz und Tafel mit Friesen modelliert.

Herde in Ruhe

Öl auf Leinwand. Unten links signiert. Salvatore Mazza wurde 1819 in Mailand geboren und absolvierte auf Geheiß seines Vaters ein Jurastudium, doch als er in Studenten- und Patriotenkreisen verkehrte, traf er auf zahlreiche Künstler, die sich an der antiösterreichischen Front engagierten, die ihn an die Malerei heranführten und ihn dazu drängten, seine Studium der Rechtswissenschaften. 1842 stellte er erstmals in Brera aus und präsentierte fünf Genrebilder; nach Domenico Induno schlug Mazza zunächst ein Gemälde mit einem realistischen und modernen Thema vor, vor allem Themen der Zeitgeschichte und populärer Kulissenszenen. In denselben Jahren nahm er aktiv an den antihabsburgischen Aufständen teil, die in den Fünf Tagen von Mailand gipfelten, die er in seinem autobiographischen Bericht erzählte, den er selbst illustrierte. Nach der revolutionären Klammer schrieb und illustrierte er einen historischen Roman (Das Denkmal von Fra 'Luca d'Avellino. Künstlerische und literarische Fantasien, 1850) und trug zur zeitgenössischen Debatte über die Bequemlichkeit der Ausstattung literarischer Texte mit einem figurativen Apparat bei. Dieser Roman wurde von Kritikern für den literarischen Teil gekürzt, erhielt jedoch die Zustimmung von Kritikern und Publikum für die etwa 800 begleitenden Illustrationen. Inzwischen wurde auch die bildnerische Produktion wieder aufgenommen, die sich wieder historischen und literarischen Themen zuwandte, aber 1856 gewann Mazza den Mylius-Preis mit dem Gemälde "Eine Herde in Ruhe" (zunächst in der Pinacoteca di Brera in Mailand aufbewahrt, aber jetzt unauffindbar), a Erkenntnis , dass zu der Entscheidung geführt , die Bildproduktion von Genreszenen zugunsten von Landschaften und Gemälden von mittleren und kleinen Tieren, der Gegenstand des wachsenden Interesses seitens der ambrosianischen Unternehmerbourgeoisie zu begrenzen. Während seiner gesamten künstlerischen Reife unterstützte Mazza die Malerei auch mit einer intensiven Tätigkeit als Zeichner und Karikaturist für satirische Zeitungen und nahm aktiv am Mailänder Künstlerleben, als Akademiker der Brera-Akademie und als Kunstkritiker teil. Salvatore Mazza starb 1886 in Mailand. Die hier präsentierte Arbeit ist Teil der pastoralen Produktion von Mazza und schlägt dasselbe Thema vor, mit dem er den Brera-Preis gewonnen hat. Die Szene spielt in einer zerklüfteten Berglandschaft unter schneebedeckten Gipfeln mit einem ausgesprochen alpinen Aussehen. Der zentrale Teil wird von einer Gruppe von Menschen und Tieren (Kühe und Ziegen) eingenommen, die sich während der Ruhepause auf dem Weg zusammendrängen, um Wärme zu suchen; hockend zündet der Hirte das Lagerfeuer an, flankiert von einem großen Jungen. In der Mitte, auf dem Pferd, eine suggestive Mutterschaft mit fast sakralem Beigeschmack: Eine Frau hält ein neugeborenes Baby im Arm, gekleidet in Kleider, die durch die Farbwahl - Rot und Blau - ganz explizit an die traditionelle Darstellung von die Madonna, und sie stehen zu Erdtönen von Braun- und Grautöne , die dann verwandelt sich in den schmutzigen weiß der Schnee und Wolken chromatisch für den Rest der Szene, dominiert wird. In einer sehr ländlichen und säkularen Genreszene herrscht daher eine religiöse Anziehungskraft. Das Gemälde, das aus einer Mailänder Privatsammlung stammt, wurde restauriert und unterfüttert. Es wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem Ende des 19. Jahrhunderts präsentiert.

Belagerungsszene

Öl auf Leinwand. Außerhalb der Befestigungsanlagen einer Stadt ist ein Anführer, umgeben von seinen Soldaten, im Begriff, den Zünder der Kanone zu entzünden. Die Armee verteidigt die Zitadelle außerhalb der Mauern und die Soldaten scannen den Horizont nach unten: Das führt uns die Szene auf den Befestigungen der Stadt zu platzieren, insbesondere solche von Genua , dass Aufstieg auf den Bergen hinter und von denen die Genuesen die Stadt verteidigt vor Angriffen aus dem Meer; Die Lage in Genua wird durch das Banner, das über die Mauern weht, das Croce di San Giorgio (rotes Kreuz auf weißem Hintergrund) der Republik Genua, bestätigt. Die Form von Rüstung, Waffen und Kleidung würde auf die Belagerung von Genua im Jahr 1522 verweisen. Es handelt sich also um die Darstellung einer historischen Episode aus dem 19. der neue historische Roman von der Literatur vorgeschlagen. Auf der Rückseite des Rahmens steht der Name G. Boni, zusammen mit einer Zahl, die auf die Teilnahme an einer offiziellen Ausstellung hinweist. Giovanni Boni war ein Schüler der Brera-Akademie, insbesondere ein Anhänger von Giuseppe Sogni, einem Künstler, der zu den ersten bevorzugten historischen Gemälden in ihren innovativen romantischen Deklinationen gehörte. Über Boni ist nicht viel bekannt, weder aus biografischer Sicht noch aus seiner Produktion. Von seiner sicheren Zuschreibung kennen wir nur den Akt des Menschen (gemalte Akademie), mit dem er 1852 den ersten Preis für die Scuola del Nudo in Brera gewann. die Charaktere im Vordergrund sind in ihren Posen, Gesichtsausdrücken, in den Details der Kleidung und Waffen sehr gut charakterisiert, während die anderen Figuren in den Hintergrund treten und die Anwesenheit einer großen Armee andeuten. Das Gemälde, noch auf der ersten Leinwand, zeigt kleine diffuse Farbtropfen. Es wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Das Scribano

Ölgemälde auf Karton. Unten rechts signiert. Wunderschönes Gemälde des Malers aus Bergamo (Italien). Romualdo Locatelli studierte an der Carrara-Akademie und reiste, angetrieben von einer starken Leidenschaft für Reisen, viel nach Italien und ins Ausland nach Afrika und in den Orient. Während des Zweiten Weltkriegs zog er nach Manila auf den Philippinen, wo er bis zu seinem Tod blieb. Seine Werke gehören zur öffentlichen und privaten Sammlung auf der ganzen Welt, besonders im Orient, wo er wahrscheinlich seine besseren Werke gemacht hat und immer noch als das "berühmte Romualdo" bekannt ist. Seine Geburtsstadt Bergamo widmete ihm viele Ausstellungen. Das Gemälde zeigt ein orientalisches Thema, eine Figur des orientalischen Volkslebens, das für die Orte typisch ist, die der Künstler besucht hat. Das Gesicht der abgebildeten Person wurde gesäubert, da es im Vergleich zu dem durch den Hut gegebenen Farbton extrem ausgeprägte Gesichtszüge aufwies. Die Merkmale waren in Anbetracht der Rasse des Mannes (vor und nach der Reinigung auf den Bildern) unangemessen. Präsentiert im Rahmen. 20. Jahrhundert.

Öl auf Schiefer. Auf eine dicke Schieferplatte gemalt, stellt die Szene den dramatischen Moment dar, in dem Maria, umgeben von einer Gruppe frommer Frauen, über den vom Kreuz abgenommenen Leichnam ihres Sohnes weint: Sie gibt sich dramatisch in den Armen der beiden Frauen hin hinter ihr, während an ihrem Schoß der leblose Körper des Sohnes ruht, an dessen Hand eine dritte Frau weint; oben nimmt eine Gruppe von Engeln, die aus dem offenen Himmel herausblicken, aus dem das göttliche Licht entspringt, an der Klage teil. Maria ist die einzige Figur, die bunte Kleidung trägt, die sich von der Wachsfarbe des auf ihrem Schoß ruhenden Leibes Christi abhebt, während die anderen Frauen Kleidung in matten Farben tragen, ebenso neutral sind die Körper der kleinen Engel. Die Figuren sind auf einem dunklen Hintergrund platziert, in dem die Öffnung des Grabes kaum zu erkennen ist: Die Farbwirkung wird auch durch den verwendeten Bildträger, den Schiefer, ein Stein, der auch als "Tafel" bekannt ist, am stärksten wiedergegeben Bedeutende Schieferbrüche befinden sich in der Nähe der Stadt Lavagna in Ligurien. Die Bildmodalität erinnert an die Werke des als Flamen bekannten Pietro Mera, eines ursprünglich aus Brüssel stammenden Malers, der zwischen dem 16. und 17. Jahrhundert lebte: lange Zeit in Venedig tätig, von 1570 bis 1603 im Dienst des Kardinals d'Este tätig, Mera verwendete Schiefer in großem Umfang als Bildträger für einige seiner Werke. Das Material mit seiner charakteristischen dunklen Farbe ermöglichte es dem Künstler, intensive Lichtkontraste zu schaffen und die Figuren hervorzuheben, die mit einer hellen Farbpalette dargestellt und von brillanten Lichtakzenten beleuchtet werden. In gutem Zustand wird das Gemälde in einem antiken Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. In einer großen, eher kahlen Hügellandschaft, die sich nach rechts verbreitert und verblasst, befindet sich ein hoher Felsen in Form eines Bogens, unter dem der heilige Hieronymus, der Büßer, im Akt des Gebets und der Anbetung des Kreuzes dargestellt ist. In Übereinstimmung mit den Kanons der Malerei des 17.-18. Jahrhunderts wird die Figur des Heiligen, in Kleidung und Haltung der Ikonographie angepasst, jedoch in eine widersprüchliche Landschaft eingefügt, die der des Malers nahe kommt, der sich auf die bekannte Landschaftsrealität stützte ihn. . Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Lombardische Schule des späten 17. bis frühen 18. Jahrhunderts. Die reichhaltige Komposition bietet einen großen Strauß bunter Blumen in einer geprägten Vase neben zwei großen Kürbissen und gemischten Früchten (Trauben und Pfirsiche): Mit unterschiedlichen Farbintensitäten treten die verschiedenen naturalistischen Elemente aus dem völlig dunklen Hintergrund hervor und erzeugen Lichteffekte und Schatten. Restauriert und unterfüttert präsentiert sich das Gemälde in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert.

Öl auf Leinwand. Lombardische Schule des späten 17. bis frühen 18. Jahrhunderts. Die reichhaltige Komposition bietet einen großen Strauß bunter Blumen in einer geprägten Vase neben einer Schale voller Steinpilze und einer Weintraube: Mit unterschiedlichen Farbintensitäten treten die verschiedenen naturalistischen Elemente aus dem völlig dunklen Hintergrund hervor und erzeugen Lichteffekte und Schatten. Restauriert und unterfüttert präsentiert sich das Gemälde in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert.

Öl auf Leinwand. Venezianische Schule des siebzehnten bis achtzehnten Jahrhunderts. Auf der Rückseite befindet sich ein Etikett der Di Rosa Art Gallery, das das Werk der „Venezianischen Schule von 1600“ zuordnet. Die große, figurenreiche und in der Verflechtung und Überlagerung der Körper sehr belebte Szene erzählt die Episode des Johannesevangeliums, in der eine beim Ehebruch ertappte Frau von Schriftgelehrten und Pharisäern vor Jesus gebracht wird, um seine Meinung über die Seinen zu erfahren Satz gesteinigt werden. Während er mit dem Finger auf den Boden schreibt, fordert Jesus seine Gesprächspartner auf, mit dem Satz „Wer ohne Sünde ist, werfe den ersten Stein“ barmherzig zu sein und rettet so die Frau vor dem Todesurteil und lässt sie frei, mit dem zu gehen Ermahnung, nicht mehr zu sündigen. Das Thema wurde in der Kunst ausgiebig neu vorgeschlagen, mit unterschiedlichen Ansichten zu den Charakteren. In diesem Gemälde steht die Frau in einer zentralen Position, aber alle anderen Figuren um sie herum lenken den Blick nach unten, auf die Hand, mit der Jesus in der Hocke auf den Boden schreibt; Sowohl das Gesicht als auch der rechte Arm der Frau sind praktisch parallel zu denen von Christus, als ob sie der Richtung folgten und sich ihr anpassten, die Jesus ihr zeigte. In den anderen zahlreichen Figuren dominiert die Neugier, die Absicht zu verstehen, die Frage, die Jesus mit seiner Frage aufwirft, dargestellt in mehreren Ausdrucksvarianten von Gesichtern und Körpern; kurios ist das Detail der Linsen - die Brille des Priesters, dessen Kopf hinter der Frau hervortritt, und das Vergrößerungsglas der kauernden Figur links im Hintergrund -, die zwei Figuren verwenden, um "besser zu sehen", was passiert. Die malerischen und interpretativen Modalitäten der Malerei erinnern an die venezianische Produktion in der Nähe von Girolamo Brusaferro (1677 - 1745), dem venezianischen Künstler, dessen Malerei den Mittelweg zwischen der großen Tradition der spätbarocken Malerei ähnlich Luca Giordano und der für ihn typischen innovativen koloristischen Sensibilität darstellt Gnade des achtzehnten Jahrhunderts. Restauriert und doubliert, präsentiert sich das Gemälde in einem zeitgenössischen Rahmen aus geschnitztem, stuckverziertem und lackiertem Holz.

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Auf der Rückseite dieses Etikett der Art Gallery mit der Angabe "Venezianische Schule von 1600". Dargestellt ist die Evangelienepisode der Kreuzabnahme Christi. Der Körper Jesu, der sich durch die Blässe des Todes, aber auch als Symbol seiner Reinheit weiß abhebt, hebt sich in der Mitte zwischen den anderen Figuren ab, der einzige, der unter den anderen Figuren reglos ist. Seine noch geöffneten Arme, während er vom Kreuz losgelöst ist, bilden eine Verbindung zwischen den beiden Figuren von Maria und Johannes, die unter ihm stehen, und dem Himmel. Um mehrere Figuren, die im Chor Bewegung, Verflechtungen, Formen und Farben erzeugen. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem zeitgenössischen Rahmen aus geschnitztem, stuckverziertem und lackiertem Holz präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die beiden großen Leinwände zeigen die Figuren zweier griechischer Gottheiten, Venus und Merkur, gemalt in der Art von Statuen, die in eine Loggia eingefügt sind, in fast monochromen Tönen, um an Marmor zu erinnern, und auf dunklem Hintergrund. Merkur ist an dem Stab mit der aufgerollten Schlange zu erkennen, der Stab des Asklepios, eines der Symbole des Gottes; Venus wird traditionell in einer Pose dargestellt, die ihre Nacktheit, dh ihre Schönheit, zur Schau stellt. Die beiden Paneele sind als komplementäre Teile einer Innenarchitektur konzipiert. Restauriert und unterfüttert, sind sie in schlichte Holzleisten eingefasst.

Öl auf Leinwand. Italienische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Die große Szene zeigt die Drei Schicksale oder die drei Gottheiten der römischen Mythologie, in der griechischen Mythologie Moiré genannt, die über das Schicksal des Menschen herrschten: Die erste spann den Lebensfaden, die zweite verteilte Schicksale, indem sie jedem Einzelnen eines zuordnete und begründete ihnen selbst die Dauer, die dritte, die Unerbittlichkeit, schnitt im bestimmten Augenblick den Lebensfaden ab. Ihre Entscheidungen waren unveränderlich: Nicht einmal die Götter konnten sie ändern. Mal als drei ältere, mal als junge Frauen dargestellt, erscheinen sie auf diesem Gemälde mit weiblichen Zügen verschiedener Lebensabschnitte: In der Mitte die sich drehende Göttin im Erwachsenenalter, rechts eine junge Göttin, die über die Länge entscheidet der faden, oder die dauer des lebens, links eine alte frau, die sich anschickt, den faden mit einer zange zu durchtrennen. In Wirklichkeit wird aus dieser Arbeit klar, wie die drei Gottheiten in Symbiose arbeiteten und wie die drei Aufgaben tatsächlich geteilt wurden, denn alle drei zusammen repräsentierten das Schicksal, die Bestimmung des Menschen. Die zuvor restaurierte und doublierte Leinwand bedarf aufgrund kleiner diffuser Farbtropfen und einer Schmutzpatina einer weiteren Restaurierung. Es wird in einem zeitgenössischen, neu lackierten Rahmen präsentiert.