M. Cattelan Bildhauerkunst-Volumen Beton Italien 2014 - "L.O.V.E.", 2014

Studi per le "Persecuzioni" 1964

Gruppe von vier Mischtechniken auf Papier, einzeln signiert und datiert 8/10/64, sowie weitere Signatur mit Titel unter der gerahmten Komposition. Dies sind vorbereitende Skizzen für die Werke, die der Künstler auf der Ausstellung ausstellte, die er 1967-68 mit seinem Freund Amilcare Rambelli in der Galleria del Grattacielo in Mailand entworfen und geschaffen hatte. Giorgio Bellandi, geboren 1931 in Mailand, war ein sehr begabter Bühnenmaler. Schon in jungen Jahren begeisterte er sich für Kunst, besuchte die Brera Academy und wurde ein aktiver Teil des Mailänder Künstlerumfelds jener Jahre. Bellandi arbeitete als Bühnenbildner am Teatro alla Scala in Mailand und debütierte als Maler in den 1950er Jahren, indem er sich dem Existenzrealismus anschloss, einer künstlerischen Bewegung, die in der zweiten Hälfte der 1950er Jahre in Mailand sehr aktiv war, und zu einem ihrer Vertreter wurde aktuell. Der existentielle Realismus basierte ursprünglich auf der Suche nach etwas anderem, einer Alternative sowohl zur informellen Malerei als auch zu den Auswirkungen des Existentialismus, insbesondere des politischen, der sich durch die Schäden des Zweiten Weltkriegs durchgesetzt hatte. Ideologisch war diesen Künstlern die Ablehnung von Autoritarismen und von sozialen und politischen Konformismen in einem insgesamt linksorientierten Umfeld gemeinsam. Bellandi ist ein mit Talent und Kreativität begabter Künstler, ein Liebhaber von Ausdrucksfreiheit und Schönheit, und führt Werke von interessanter Lesart mit intensiven, aber harmonischen chromatischen Tönen auf. Mit Leidenschaft für den Comer See kam er oft auf der Suche nach Entspannung und Inspiration ins Lario. '64 nahm er an der Biennale in Venedig teil und '65 wurde er zur IX. Quadriennale in Rom eingeladen. Als sehr aktiver Maler realisiert er viele Ausstellungen auf nationalem und internationalem Gebiet, bis zu seiner leider tödlichen Krankheit im Jahr 1976.

Ohne Titel 1958

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. Das Werk von starker emotionaler Wirkung schlägt einen fast monochromatischen violetten Hintergrund vor, in den einige schwarze und weiße Striche eingefügt werden, um eine auf der linken Seite zusammengerollte Silhouette zu definieren, vielleicht eine menschliche Form, gesammelt und in sich geschlossen. Der 1934 in Viareggio geborene und bis heute lebende Maler und Bildhauer Mario Francesconi gilt als einer der wenigen Überlebenden des Dadaismus, der seit Ende der 1950er-Jahre auf einer ausgesprochen persönlichen Suche die Saisonen der italienischen und europäischen Kunst durchläuft Formen und Techniken. Ausgehend von seiner ersten Einzelausstellung im Jahr 1959 entwickelt er einen künstlerischen Weg, der verschiedene Phasen durchläuft, was oft auf eine Leidenschaft für schlechte und recycelte Materialien zurückzuführen ist. Seine künstlerische Tätigkeit bewegt sich zwischen den Bereichen Malerei, Skulptur, Collage und Installation und grenzt an die angrenzenden Bereiche der Poesie und Literatur, auch dank Freundschaften und beruflichen Beziehungen zu einigen der bedeutendsten Persönlichkeiten der intellektuellen Welt des Italieners der zweiten Hälfte des letzten Jahrhunderts, von Emilio Villa bis Cesare Garboli, von Leonardo Sciascia bis Mario Luzi, von Cesare Zavattini bis Pier Paolo Pasolini, von Alfonso Gatto bis Sandro Penna bis Venturino Venturi. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Tableau doré

Mischtechnik auf Sperrholz (Malerei und Silberpapierbögen). Rückseitig authentisch mit Stempel und Unterschrift der Schwester des Künstlers. Das Werk gehört zur Serie der Tableaux dorés, Werke, die der Mailänder Künstler Remo Bianco ab den 1950er Jahren schuf. Der in Mailand geborene und ausgebildete Remo Bianco war ein Schüler von De Pisis, in dessen Atelier er die großen italienischen Künstler des 20. Jahrhunderts besuchte (Carrà, Sironi, Savinio, Soffici, Soldati, Marini, Cantatore). Nach der Kriegspause (eingezogen, mit seinem Schiff gesunken und in Tunis gefangen genommen) nahm er seine künstlerische Tätigkeit in Mailand wieder auf, beteiligte sich an der Atombewegung und dem Spatialismus und löste sich vollständig von der figurativen Malerei, um Werke aus zu schaffen Pinselstriche Kartoffelpüree. Anfang der fünfziger Jahre begann er mit unterschiedlichen Materialien malerische und skulpturale Werke zu schaffen und mit verschiedenen Themen und Techniken zu experimentieren; Zu dieser Produktion gehören die Tableaux dorés, zusammengesetzt aus versilberten oder vergoldeten Aluminiumfolien auf bemalten Sockeln. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Ohne Titel 1977

Acryl auf Leinwand. Auf der Rückseite die Unterschrift des Autors, das Datum 5.12.1977 und der Entstehungsort Mailand. Keizo Morishita wurde in Kitakyushu in Japan geboren, zog im Alter von 19 Jahren dank eines Stipendiums nach Italien, besuchte die Brera-Akademie in Mailand unter der Leitung von Marino Marini und machte 1968 seinen Abschluss in Bildhauerei. Später entschied er sich jedoch dafür, sich bildlich auszudrücken und entwickelte einen persönlichen Stil, der aus einer meditierten und hochkultivierten Begegnung zwischen östlicher Kultur und europäischem künstlerischem Ausdruck geboren wurde. Von den Archipelen der siebziger Jahre – zu denen das hier präsentierte Werk gehört – bis hin zu den neueren Erinnerungslandschaften präsentieren seine Gemälde ideale Landschaften von absoluter formaler Reinheit und großer chromatischer Intensität, geordnet nach einer perfekten Geometrie der Formen und eingetaucht in ein Kristallin hell. Er war der Protagonist einer intensiven Ausstellungstätigkeit in italienischen und ausländischen öffentlichen und privaten Galerien.

Ohne Titel 1960

Mischtechnik auf Papier. Signatur und Datum auf der Rückseite. Der Mailänder Künstler Ettore Sordini, der an der Brera Academy ausgebildet wurde, war ein Freund, Mitarbeiter und Schüler von Lucio Fontana; nach der ersten futuristischen Phase lässt Sordinis Malerei den materiellen Wert dekantieren und wird immer dünner. Sein Interesse an dem Zeichen wächst und wird definiert, ein dünnes und hageres Zeichen, primär, aber gewunden und für eine weiche und zarte Farbe, fast unfühlbar. Sordini "verwendet eine rein grafische Technik, um auf der Leinwand, in der ein einziger Farbton dominiert, spärliche und subtile Farbspuren zu schaffen, die auf Erinnerungen an fadenförmige Menschenbilder verweisen." Das Verhältnis von Zeichen-Geste und Natur erhält dadurch eine größere lyrische Räumlichkeit, begleitet von einem zarten und zarten Chromatismus Farbe als räumliche und leuchtende Funktion nutzen.“ Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Stan Diggei ohne Geld 1996

Mischtechnik auf Holz. Auf der Rückseite die Signatur, Titel und Realisierungsdatum. Paolo Barrile, ein verhaltensökologischer Künstler, zeichnet sich durch eine stark materielle Malerei aus, mit der er Botschaften mit starker ökologischer und ökologischer Wirkung vermittelt; insbesondere ist er der Künstler der Earth Message and Amplified Art, in denen er seinen "ökologischen Wahnsinn" auf planetarischer Ebene ausdrückt. Die präsentierte Arbeit gehört seiner Zeit des Schreibens und Graffitis (1993-2005) an: Barrile geht in diesen Arbeiten von den schönsten Tags aus, die er auf der Straße findet, sofort geschrieben, greift sie mit Liebe auf und ordnet sie mit seinen Farben an und sein kompositorisches Gleichgewicht, mit dem Ziel, die Grafiten, mit denen junge Leute die Stadtmauern füllen, zu retten und an die Nachwelt weiterzugeben. Auch in dieser Arbeit greift Barrile ein signiertes urbanes Graffiti auf und schlägt es nach seiner persönlichen Interpretation vor. Mit Rahmen.

Vom Idealismus 1966

Gemischte technik auf leinwand. Signiert oben rechts. Unten rechts dieser widmung und datum 1966. An der rückseite der titel. Einzelnachweise ↑ webseite zu aldini Fieschi, italienischer maler von edler herkunft geboren in Val Brembana, aber gebildet, künstlerisch in Genua, schiffte er sich, während seiner langen aufenthalte im ausland (Paris, Barcelona, New York), studium der semantik grafik. Nach einem beginn informell-räumliche erholte sich das bildelement im vorgriff auf tendenzen der pop-art. In seinen kompositionen führt starke eindrücke surreal zeichen dekadent und poetisch eschatologisch-symbolischen verständnisses für themen reichen von gewalt, zur kenntnis und eros. Sie ist besetzt von jeder form von kunst , einschließlich der mail art, kalligraphie, ist autor von büchern, zeichnungen und essays über zeitgenössische religiöse kunst und auf ethischen werten der wandmalerei: sie betrachtet das geistige in der kunst. Das werk stammt aus einer großen sammlung von brescia. Und' präsentiert in dem rahmen.

Zwangsjacke

Skulptur aus Bonbons. Nausicaa Berbenni, geboren 1983 in Trescore Balneario (Bg), lebt und arbeitet in Mailand. An der Akademie Brera künstlerisch ausgebildet, übernahm sie die Konditorei ihres Vaters und verband ihre beiden Leidenschaften, die Konditorkunst mit der der figurativen Kunst, und schuf Gemälde und Skulpturen aus Bonbons und Zuckerpaste. Die vorgeschlagene Arbeit, eine lebensgroße Zwangsjacke auf einem Mannequin Büste präsentiert, ist mit runden Bonbons mit einem Loch gemacht, „genäht“ zusammen: leider im Laufe der Zeit haben sie die Bonbons ihre ursprünglichen Farben verloren (die eindeutig authentisch im foto Anzeige zu sehen ist ), der von einem Pastellmuster zu einem fast monochromatischen Braun übergeht, was dem Werk einen viel strengeren und dramatischeren Aspekt verleiht.

Schiff und Wal

Öl auf Holz. Signiert IgorAnd in der unteren rechten Ecke. Die Holzsilhouette zeigt ein großes Meerestier mit vermenschlichtem Kopf und resigniertem Blick, das auf dem Deck eines Schiffes liegt, erkennbar an den Luken: Sie kontrastiert die potenzielle Dramatik der Szene mit den hellen und fröhlichen Farben: Igor Andreev, russischer Künstler 1952 in Leningrad geboren, flüchtete er aus der Sowjetunion im Jahr 1972 während einer Reise nach Kanada, in diesem neuen Leben entscheiden , sich der Kunst zu widmen. 1981 zog er nach Paris, wo er lebt und arbeitet. In seinen als Neo-Pop-Art definierten Werken verwendet er einfache Materialien und Formen, um eine positive, fröhliche und farbenfrohe Welt zu schaffen.

Porträt eines Kindes

Öl auf Leinwand. Rechts unten signiert. Der palermitanische Maler Francesco Camarda zeichnete sich für die Figurenmalerei aus, die sich Porträts und Akten widmete, und vor allem für die animalische Malerei im Gefolge der realistischen Produktion der Brüder Palizzi. Er konnte ein Gemälde mit einer lebendigen und frischen Farbe ausdrücken. Auf dieser kleinen Leinwand wird das Porträt eines Kindes vorgeschlagen, das auf einem Stuhl sitzt und eine Kapuze trägt, um das rundliche und lächelnde Gesicht, den direkten Blick und die rundlichen kleinen Hände einzurahmen, die in einer stolzen und entschlossenen Haltung auf den Knien ruhen. Die Arbeit wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Akt einer Frau

Öl auf Leinwand. Rechts unten signiert. Istvan Mero war ein ungarischer impressionistischer Maler, der zuerst in Budapest, dann in Paris und München ausgebildet wurde. Seine Bildproduktion schlägt oft beliebte figurative Themen vor, wie dieses Frauenporträt, das eine junge nackte Frau darstellt, die zwischen den Laken gefangen ist, ... während sie eine Zeitung liest und dabei jede erotische Bedeutung verliert, um einen Moment häuslicher Intimität zu betonen. Restauriert und doubliert präsentiert sich das Gemälde in einem zeitgenössischen Rahmen mit kleinen Fehlstellen.

Mageres Öl auf alter Leinwand. Unten rechts signiert G. Boni. Die beiden Werke zeigen zwei ländliche Landschaften mit Gebäuden und klassischen architektonischen Überresten und Figuren von Bürgerlichen, auf einer Leinwand, die sich mit täglichen Aktivitäten befassen (Wäscherinnen und Wanderer), auf der anderen mit einem Liebespaar im Vordergrund. Altmodische Gemälde, die die Landschaftsproduktion des 19. Jahrhunderts imitieren wollen: Sie wurden auf alten Leinwänden gemalt, mit gefälschten Flecken auf der Rückseite. In Rahmen mit Stil.