Antikes Gemälde mit dem Heiligen Joachim Öl auf Leinwand XVI Jhd

Kopie von Simon Vouet

Öl auf Leinwand. Dies ist eine wunderschöne Kopie des berühmten Gemäldes von Simon Vouet (1590–1649), das zwischen 1618 und 1620 entstand und sich in einer Kapelle der Kirche San Francesco a Ripa in Rom befindet. Das Werk, das Vouet während seines Aufenthalts in Rom schuf, zeigt einen deutlichen Caravaggesken Einfluss, sowohl in der Farbgebung und Lichtführung als auch in den Posen der Figuren. Diese Merkmale finden sich in dieser Kopie getreu wieder. Die Palette ist reich an Farben (Blau, Orange und natürlich Rot), die sich in den mit großem Pinselstrich gemalten Draperien manifestieren. Gleichzeitig gibt es eine Fülle weißer Tücher, die überall präsent sind, um Licht zu spenden und eine visuelle Wirkung zu erzielen. Die Details sind vielfältig: die kunstvolle Frisur der von hinten dargestellten Figur und ihr nackter Fuß im Vordergrund (jedoch nicht schmutzig wie bei Merisi); die weiße Vase auf dem Boden bildet einen Kontrast zum großen Kupferbecken; Die Spitze des Hemdes und des Turbans der Frau rechts sowie ihre linke Hand (eine typische Caravaggio-Pose), die dem Betrachter offen entgegenstreckt, verleihen der Szene Tiefe. Das Gemälde wurde Ende des 19. Jahrhunderts restauriert und neu doubliert und auf einen Keilrahmen aus dieser Zeit gespannt. Es befindet sich in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert.

Öl auf Holz. Venezianische Schule, Mitte des 16. Jahrhunderts. Der gekreuzigte Christus im Zentrum der Szene ist von vier Heiligen umgeben, die durch ihre ikonografischen Symbole identifiziert werden: links der heilige Franziskus und der heilige Hieronymus, rechts der heilige Sebastian und der heilige Rochus. Im Hintergrund ist eine Stadtansicht zu sehen, vermutlich Rom, was auf die Verbindung zur Kirche als Institution hinweist. Auf der Rückseite befindet sich ein Papieretikett mit einer Nummer (aus einer Privatsammlung des 19. Jahrhunderts). Das Gemälde ist gerahmt.

Figuren mit herbstlichem Stillleben

Ölgemälde auf Leinwand. Die H.Sanders-Signatur befindet sich unten links auf dem Lauf. Die Szene, die draußen in einer Straße einer flämischen Stadt spielt, mit dem Kanal im Hintergrund auf der linken Seite, sieht im Vordergrund eine Gemüseverkäuferin hinter ihrem Stand, der mit einer abwechslungsreichen Komposition aus Wintergemüse aufgebaut ist, ein komponiertes Stillleben aus Blumenkohl, Kohl, Karotten, Maiskolben; Neben der Frau bietet ihr ein Passant mit einer Harpune auf der Schulter einen Fisch an, offenbar die Frucht seines Fangs, den er verkaufen möchte. Die Kulisse erinnert an Amsterdam, die Stadt, in der der niederländische Maler Hercules (oder Herkules) Sanders geboren wurde und lebte, der sich hauptsächlich als Porträtist etablierte, von dem aber auch eine Genreszene im Innenbereich bekannt ist, derzeit am Detroit Institute of Arts. datiert 1647 und betitelt „Frau putzt Fische“, deren weibliche Figur der Verkäuferin des hier vorgestellten Werkes sehr ähnelt. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand, auf verstärktem Leinwandrahmen. Norditalienische Schule des 17. Jahrhunderts. Die Szene stammt aus dem biblischen Buch Numeri: Weil die Israeliten auf ihrer Flucht aus Ägypten und ihrer Wanderung durch die Wüste Gott über den Mangel an Essen und Wasser beklagten, sandte Gott giftige Schlangen, um sie auszurotten. Gleichzeitig befahl er Mose, eine eherne Schlange an einer Stange aufzurichten, damit jeder, der von ihr gebissen wurde, geheilt würde. Symbolisch bedeutete diese Geste, den Blick auf die Schlange zu richten, einen Akt der Umkehr und des Glaubens an Gott. In dieser Darstellung ist die Stange in Form eines Kreuzes gestaltet und verweist auf die Erlösung, die der Menschheit durch den gekreuzigten und auferstandenen Christus zuteilwird, der die Menschheit von der Sünde befreit, die durch die Schlange symbolisiert wird. Mose steht im Zentrum der Szene und deutet auf die Stange mit der Schlange, flankiert von seinem Bruder Aaron; um ihn herum die Männer und Frauen Israels, einige von Schlangen überwältigt, andere bereits knien als Bittsteller und bitten Gott um Vergebung. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert, der aus adaptierten Elementen des späten 19. Jahrhunderts besteht.

Öl auf Leinwand. Das Gemälde ist von Tizians berühmtem „Hommage an die Venus“ inspiriert, das im 17. Jahrhundert vielfach kopiert und neu interpretiert wurde. In der hier präsentierten Version findet sich kein Bezug zur Venus, sondern vielmehr eine Feier des Frühlings: Eine große Schar von Amoretten bevölkert die üppige Landschaft, flechtet Kränze, füllt Körbe und Becken, streichelt Tiere (Ziegen, Schafe, Hunde) und angelt im Hintergrund im Fluss. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem speziell angefertigten antiken Rahmen.

Öl auf Leinwand. Emilianische Schule, zweite Hälfte des 17. Jahrhunderts. Die Rosa von Lima, eine peruanische Nonne (und heutige Schutzpatronin Perus) des Dritten Dominikanerordens, die im 17. und 18. Jahrhundert lebte, ist gemäß ihrer traditionellen Ikonographie in dominikanischem Habit dargestellt, während sie betet und die mystische Erscheinung des Jesuskindes empfängt, das sie der Überlieferung nach zu seiner Braut macht, indem es ihr einen Rosenkranz schenkt; hier sind die Rosen auf dem Stein vor dem Mädchen platziert. Auf der Rückseite des Werkes befindet sich eine Kartusche, die die früheren Besitzer als Familie Bezzo Guazzone, Bewohner des Castello Salabue in Ponzone Monferrato (Alessandria), ausweist. Die Kartusche dokumentiert die Leihgabe des Gemäldes für eine Ausstellung bis zum 4. Oktober 1926. Das Gemälde wurde zuvor doubliert. Es befindet sich in einem zeitgenössischen Rahmen.

Ölgemälde auf Leinwand. Römische Schule des 17. Jahrhunderts. Die große Szene stellt die berühmte Episode auf halbem Weg zwischen realer Geschichte und Legende dar, die erstmals von Tito Livio in seinen „Ab urbe condita libri“ (den Büchern der „Geschichte Roms von seiner Gründung an“) erzählt wird. Um die neu gegründete Stadt zu bevölkern, griff Romulus, Gründer und erster König der Stadt, zu einer List: Er lud die Sabiner, die in der nahegelegenen Stadt Curi lebten, zum Consualia-Fest zu Ehren des Gottes Neptun ein und entführte sie ihre Frauen. Das Gemälde stellt den Moment dar, in dem die Römer die Sabinerinnen entführten und sie gewaltsam ihren Gefährtinnen entzogen, unter den Augen des Königs, der hinter den Säulen des Tempels der Gottheit, des Gottes Neptun, erkennbar am Dreizack, verborgen blieb . In der Mitte auf der Rückseite befindet sich der Obelisk, der für die Römer als Kriegsbeute und Zeugnis kaiserlicher Stärke eine symbolische Bedeutung erlangte. Die vielen Figuren verflechten sich, jagen einander, überlappen sich und erzeugen Körperspiele und Farbeffekte. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Landschaft mit Figuren

Ölgemälde auf Leinwand. Die große Komposition stellt eine Landschaft mit einem großen Baum in der Mitte dar. Mit seinen spärlichen Ästen die darunter liegende Landschaft zu überragen, die von einem Bach durchzogen und von verschiedenen Gestalten geschäftiger oder ruhender Bürger belebt wird; Oben rechts steht eine Festung, die das Tal dominiert. Das bereits Peruzzini aus den Marken zugeschriebene Gemälde lässt sich aufgrund der schnellen und schlecht aggregierten Bildstriche durchaus auf dessen Umfeld zurückführen. Antonio Francesco spezialisierte sich auf die Landschaftsmalerei und stand unter dem Einfluss von Salvator Rosa und Landschaftsmalern wie Pietro Montanini und Pandolfo Reschi. Weitere Einflüsse erhielt er auch von in Italien tätigen nordischen Malern, vor allem von Pieter Mulier, bekannt als il Tempesta. Schon in seinen ersten Werken erkennt man die Originalität seiner Malerei durch eine schnelle Zeichnung und ein intensives und brillantes chromatisches Timbre. Die lange künstlerische Verbindung zwischen Antonio Francesco Peruzzini und Alessandro Magnasco begann Anfang der 1990er Jahre nach ihrer Begegnung in Mailand, wo Peruzzini sich niedergelassen hatte; Von dieser Zeit an scheint seine Malerei auseinanderzufallen, durch Formen, die dynamischer und leichter werden, fast phantastisch, um schließlich zu einem Stil zu gelangen, der durch eine immer stärkere Auflösung der Formen der Natur und ihrer Bewegung gekennzeichnet ist. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Winterlandschaft mit Figuren

Öl auf Leinwand. In einer winterlichen, schneebedeckten Landschaft, in der kahlen, dunklen und trockenen Natur, schlängelt sich ein Weg durch völlig kahle Bäume, der zum Dorf führt, und einige Wanderer gehen auf ihm vorbei, während am Rand einige Holzfäller bei der Arbeit sind. Über allem schwebt ein Himmel voller dunkler Wolken, obwohl auf der linken Seite ein Fleck Blau zu sehen ist. Der Stil geht auf die Werke von Marco Ricci zurück, einem Maler aus Belluno, der für sein unbestrittenes Talent zur naturalistischen und architektonischen Darstellung berühmt wurde. Seine Landschaften, die noch immer einen deutlichen Geschmack des 17. Jahrhunderts aufweisen, werden bereits von kraftvollen und emotionalen Lichtern erhellt, von trockenen und verdrehten Bäumen, Felsen und Türmen, von Kumuluswolken, die plötzlich in vagen blauen Blitzen zerreißen, ein komplexes Repertoire, das die Natur in eine dramatische und ruhelose Darstellung verwandelt. Er wurde zu einem Bezugspunkt für mehrere andere Künstler seiner Zeit, die seinen Stil aufgriffen, wie in diesem Werk. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Liebe und Psyche

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17. Jahrhunderts. Die Szene bezieht sich, mit einigen Variationen, aber sehr nahe an der Größe, auf einen Teil des großen Freskos mit dem Titel "Banchetto degli dei" in der Amorkammer (oder Amor- und Psychekammer) des Palazzo Té in Mantua, einer großen Darstellung von über neun Meter von Giulio Romano mit seiner Werkstatt im 16. Jahrhundert. Die vorgeschlagene Szene (die sich in Mantua rechts vom großen Bankett befindet) sieht Amor und Psyche auf einem Triklinium liegen, während eine kleine geflügelte Figur sie mit Lorbeer krönt und zwei Nymphen Amors Hand waschen; rechts im Hintergrund opfert eine Gruppe Satyrn dem Altar einer Gottheit eine Ziege, während in der Mitte in der Ferne eine Stadt brennt. Das Bankett der Götter ist der letzte Moment des Mythos der zwei Liebenden, die nach vielen Prüfungen und Wechselfällen die Erlaubnis der Venus zur Eheschließung erhalten. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die große Szene ist außerhalb einer Felsenfestung angesiedelt und stellt eine Garnison von Soldaten dar, die sich auf den Kampf vorbereitet: Im Vordergrund links, in der Nähe eines Baumes, beobachtet die Gruppe von Kommandanten zu Pferd die Arbeit und gibt Befehle, während die Truppen die Kanonen scharf machen die Terrassen, bereiten rudimentäre Speere vor und schärfen ihre Seitenwaffen. Die Farben sind klar und matt, mit Grautönen, die vom klaren Himmel mit Wolken bis zur felsigen Festung reichen, um sich im Boden zu verlieren und in ein sandiges Beige überzugehen; Nur einige der Uniformen der Offiziere stechen hervor und durchbrechen die chromatische Einheitlichkeit. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die in der Szene dargestellte Frau lässt sich auf Portia zurückführen, die römische Adlige und Ehefrau von Brutus, die im 1. Jahrhundert v. Chr. lebte: Der Legende nach beging sie Selbstmord, indem sie eine brennende Kohle verschluckte, und in diesem schicksalhaften Moment befindet sie sich hier abgebildet. Das Gemälde steht den malerischen Methoden des gleichnamigen Gemäldes aus der Cignani-Schule sehr nahe, das seinem Schüler Marcantonio Franceschini zugeschrieben wird und im Palazzo Tozzoni in Imola aufbewahrt wird. Die Figur der Portia, die in einem Innenraum mit klassischen Elementen platziert ist, nimmt das gesamte Bildfeld ein und wird vor dem brennenden Kohlenbecken sitzend dargestellt, während sie gerade dabei ist, Kohle in den Mund zu stecken; Ihr Gesichtsausdruck verrät das Leiden der Geste, die sie macht, aber auch ihre Entschlossenheit, der Blick, der in die Ferne blickt, bringt sie bereits weit weg von dem Leben, das sie verlässt. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert. Es wird in einem antiken Rahmen aus dem 18. Jahrhundert präsentiert.