Großer Liberty-Spiegel

Öl auf Holz. Das Gemälde greift die Komposition von Tizians Meisterwerk (datiert 1510, heute im Louvre) auf, verlegt sie jedoch in eine völlig andere Landschaft und erweitert sie an den Seiten um eine Ziege rechts und einen Flöte spielenden Faun links. Die vier von Tizian übernommenen Figuren sind zudem spiegelverkehrt dargestellt, vermutlich weil sich der Künstler dieses Gemäldes von einem Kupferstich inspirieren ließ. Die zentrale Szene zeigt zwei junge Männer, die auf einer Wiese sitzen und musizieren. Neben ihnen steht eine junge Frau mit dem Rücken zu ihnen, während ein zweiter Mann Wasser aus einem Marmorbecken schöpft. Die beiden Frauen sind nackt, nur spärlich von ihren Mänteln bedeckt, während die beiden Männer in historischen Kostümen gekleidet sind und sich unterhalten. Das Sujet ist als Allegorie von Poesie und Musik gedacht, wobei die beiden Frauen von idealer Schönheit wie zwei unwirkliche Erscheinungen wirken, die der Fantasie und Inspiration der beiden jungen Männer entsprungen sind. Das hier präsentierte Gemälde weist Spuren früherer Restaurierungen auf. Derzeit sind Farbabplatzungen und Beschädigungen an der Holztafel vorhanden.

Öl auf Leinwand. Bologneser Schule des späten 17. Jahrhunderts. Im Vordergrund, die gesamte linke Bildhälfte einnehmend, liegt das schlafende Jesuskind, zurückgelehnt in einer Haltung vollkommener Hingabe an den Schlaf, ein heiteres Lächeln auf den Lippen. Rechts, diagonal durch das hochgezogene Tuch begrenzt, blicken zwei Gestalten, vermutlich zwei Hirten, das Kind mit tiefem und ernstem Blick an und bedecken es – eine Geste der Zärtlichkeit, die symbolisch auf das Opfer Christi (die Niederlegung seines Leichnams nach der Kreuzigung) anspielt. Die liegende Position des von Maria oder Hirten angebeteten Kindes wurde von Guido Reni eingeführt, der mehrere Werke mit diesem Motiv schuf, das später von seinen Nachfolgern und der Bologneser Schule des 17. Jahrhunderts weithin aufgegriffen wurde. Wie in Guido Renis Werken strahlt auch in diesem Gemälde das Licht direkt vom Jesuskind aus und erhellt die andächtigen Gesichter derer, die es anbeten. Das Gemälde wurde zuvor neu doubliert und weist Spuren umfangreicher Restaurierungsarbeiten auf. Es befindet sich in einem zeitgenössischen Rahmen.

Anhänger von Pietro da Cortona

Öl auf Leinwand. Das Werk basiert auf dem Fresko von Pietro da Cortona an einer Wand der Sala della Stufa im Palazzo Pitti, das Teil des Zyklus der vier Lebensalter des Menschen ist und von Ovids Metamorphosen inspiriert wurde. Szenen aus der Bronze- und Eisenzeit stellen Bilder einer zivilisierten Gesellschaft den Gräueltaten der Kriegszeit gegenüber. Wie Ovid beschreibt, hielten Betrug und Täuschung in der Eisenzeit Einzug, und die Menschen verlangten nicht nur, dass die Erde Früchte trug, sondern gruben auch in ihre Tiefen. So wurden Eisen und Gold entdeckt, und der Krieg begann, der Plünderungen und gewaltsame Übergriffe mit sich brachte, selbst gegen Wehrlose wie Alte, Frauen und Kinder. Diese Szene, auch bekannt als „Gruppe von Soldaten massakriert Zivilisten“, zeigt dramatische Szenen der Gewalt und Unterdrückung, wie den Soldaten im Vordergrund, der im Begriff ist, den wehrlosen, am Boden liegenden alten Mann zu töten, oder rechts den Mann, der einer jungen Mutter trotz ihrer Bitten die Haare abschneidet, um ihren Schmuck zu rauben. Das Gemälde weist Spuren früherer, kleinerer Restaurierungen auf. Es ist gerahmt.

Carlo Cignanis Bereich

Öl auf Leinwand. Das Gemälde ist eine detailgetreue Nachbildung des Werkes von Carlo Cignani aus den Jahren 1702/1704 und stammt daher von einem seiner Schüler oder zumindest aus seiner Werkstatt oder seinem Umkreis. Die Szene zeigt den Säugling Jupiter, der von der Ziege Amalthea gesäugt wird, umgeben von musizierenden Nymphen und Faunen. Der Legende nach versteckte seine Mutter Rhea ihn auf der Insel Kreta, um ihn vor seinem Vater Saturn zu retten, der seine Kinder verschlungen hatte. Dort wurde er von Waldnymphen aufgezogen. Das Gemälde wurde restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem antiken, vergoldeten Holzrahmen.

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule, 17. Jahrhundert. Die großflächige Szene wird von zahlreichen ineinander verschlungenen Figuren belebt: Im Zentrum, vom Lichtstrahl von oben erhellt, Maria mit dem Jesuskind im Arm, rechts bewacht vom heiligen Josef; links die Heiligen Drei Könige mit ihren Gaben in prächtigen Kästchen und ihrem gesamten Gefolge, während die Engel von oben zusehen. Ein kurioses Detail sind die beiden kleinen Engel am unteren Rand, die die Krippe für das Jesuskind vorbereiten. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und neu gerahmt. Rahmen im Stil der Zeit.

Öl auf Leinwand. Die Szene zeigt ein Gnadengesuch an den König: Ein Mann bittet ihn inständig, den jungen Mann zu begnadigen, der von zwei Dienern enthauptet werden soll; seltsamerweise liegt ein gekrönter Kopf zu Füßen des Königs. Die Szene spielt in einem Lager nahe einer Stadt, in Anwesenheit mehrerer Soldaten. Die beiden Gefangenen tragen Zivilkleidung, ebenso wie die Diener, die über dem Gefangenen Schwerter schwingen. Die Szene lässt sich nicht eindeutig auf eine bestimmte biblische Begebenheit zurückführen, doch sie verdeutlicht die Barmherzigkeit des Königs im Kontrast zur unerbittlichen Justiz. Das Gemälde wurde restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert, der neu vergoldet wurde.

Der Morgen der Rosen

Öl auf Leinwand. Dies ist eine Kopie des berühmten Gemäldes von Giovanni Giani, das sich heute im Quirinalspalast in Rom befindet (1906 von Königin Margherita erworben), mit geringfügigen Abweichungen. Das Werk zeigt eine junge Frau in Weiß, die in einem Moment der Erwartung auf einer Fensterbank im Garten sitzt, umgeben von blühenden Rosensträuchern. Die Figur strahlt eine zarte und melancholische Atmosphäre aus und symbolisiert Hoffnung, Reinheit und Jugend. Das Gemälde ist ein Beispiel für den Verismus-Jugendstil des piemontesischen Künstlers Giani. Unser großformatiges Gemälde gibt die starke dekorative Wirkung des Originals wieder. Es befindet sich in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert.

Öl auf Leinwand. Mitteleuropäische Schule, Mitte des 19. Jahrhunderts. Im Zentrum der Szene, vor einem Thron mit rotem Samtbaldachin und königlichen Insignien, schlichtet ein König einen Streit zwischen zwei Männergruppen, dargestellt durch mehrere Würdenträger in Zivilkleidung. Hinter ihnen erheben sich zwei verschiedene Fahnen aus der Menge; vermutlich handelt es sich um zwei politische Fraktionen derselben Stadt. Die Stadtsilhouette im Hintergrund verortet die Szene im mitteleuropäischen Kontext. Das Gemälde wurde Anfang des 20. Jahrhunderts auf Sperrholz aufgetragen. Es befindet sich in einem neu vergoldeten Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert.

Kopie aus Francesco Guardi

Öl auf Leinwand. Das Originalgemälde, 1746 von Francesco Guardi geschaffen und 1830 aus der Sammlung von Abt Teodoro Correr den Stadtmuseen von Venedig geschenkt, befindet sich seit 1936 in der Ca’ Rezzonico. Es zeigt eine Innenansicht, in der der Maler den Besucherraum des Klosters San Zaccaria sorgfältig und detailreich darstellt. Die Töchter der bedeutendsten venezianischen Familien waren Nonnen in diesem Kloster: Im Salon konnten Verwandte und Freunde mit den Nonnen plaudern, und für die Kinder wurden während dieser Zusammenkünfte Puppentheater aufgeführt, wie rechts zu sehen ist. Guardis Werk zeichnet sich durch die Darstellung all der vertrauten Elemente des Venedigs des 18. Jahrhunderts aus, mit seiner galanten und weltgewandten Atmosphäre, die auch die Klöster durchdrang. Die hier präsentierte Kopie ist dem Original weitgehend treu, obwohl rechts, hinter dem kleinen Theater, ein Teil fehlt. Da das Gemälde bereits restauriert und doubliert wurde, benötigt es derzeit eine Reinigung. Es wird in einem periodischen Bezugsrahmen dargestellt.

Porträt einer Dame

Öl auf Leinwand. Signiert unten links. Celada malte mit Vorliebe Frauen, sowohl in Porträts als auch in Aktstudien. Er schuf einen festen, klassisch-weiblichen Körper, sowohl in seiner Form als auch in seinen Anklängen an die Malerei der Vergangenheit. Seine Gemälde, unabhängig vom Sujet – Stillleben, Porträts, Figuren –, vermochten die Realität in Zeit und Raum einzufangen, auf eine Weise, die distanziert, analytisch und wissenschaftlich präzise erscheint (Farben, Spiegelungen, Transparenzen), und doch – statt völliger Unwirklichkeit – ein großes erzählerisches Pathos vermittelt. Das hier gezeigte Frauenporträt offenbart Celadas Fähigkeit, das Sujet mit beinahe fotografischem Realismus darzustellen und es gleichzeitig mit einer Aura des Surrealismus zu umgeben, dank des monochromen Hintergrunds, der jeglichen Bezug zur umgebenden Realität vermissen lässt. Das Gemälde weist Spuren einer früheren Restaurierung durch leichte Risse auf. Originalrahmen.

Porträt eines Offiziers

Öl auf Leinwand. Signiert unten rechts. Giuseppe Amisani etablierte sich als Porträtist berühmter und hochrangiger Persönlichkeiten. Als Vertreter des späten Impressionismus war sein Malstil von der Belle Époque beeinflusst, was ihn dazu veranlasste, leuchtende Farben und einen dynamischen Pinselstrich zu verwenden, stets jedoch mit einem Blick für Eleganz. Das Porträtierte ist ein hochrangiger Offizier, der in einem luxuriös eingerichteten Wohnzimmer sitzt, wenn auch mit sehr gerader und militärischer Haltung. Das Werk ist im Stil der Epoche gerahmt.

Öl auf Leinwand. Französische Schule, Mitte des 19. Jahrhunderts. Die Szene, die am Eingang eines Villengeländes während eines romantischen Sonnenuntergangs spielt, zeigt die erste Begegnung einer schönen jungen Frau in Begleitung ihres Vaters mit einem Verehrer, der von der schwarz gekleideten Gestalt in der Mitte, dem Heiratsvermittler, vorgestellt wird. Das Gemälde gehört zur historisch-literarischen Malerei des 19. Jahrhunderts, die literarische Episoden in romantischer Manier darstellte. Die Figuren in dieser Szene tragen Kleidung des 16. und 17. Jahrhunderts und könnten Charaktere aus einem berühmten Roman sein. So erinnert beispielsweise die Kleidung des alten Vaters an Pantalone, die Figur der Commedia dell’Arte, der seine schöne Tochter Rosaura zu einer Vernunftehe zwingen will – ein in der Literatur weit verbreitetes Motiv. Das Gemälde wurde geringfügig restauriert und befindet sich in einem zeitgenössischen Rahmen.