Antikes Gemälde Die Eisenzeit Anhänger von Pietro da Cortona XVIII Jhd - Anhänger von Pietro da Cortona

Öl auf Leinwand. Italienische Schule des 17. Jahrhunderts. Ein traditionelles Motiv der Volksfrömmigkeit: Der heilige Josef, Ziehvater des Jesuskindes, ist in einer Pose großer Zärtlichkeit dargestellt. Er hält das Jesuskind im Arm, das ihm eine Lilie reicht, das ikonografische Symbol der Reinheit des Heiligen. Das Gemälde wurde restauriert und neu doubliert und befindet sich in einem zeitgenössischen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Lombardisch-Venezianische Schule, spätes 17. bis frühes 18. Jahrhundert. Im Vordergrund ist ein Bauer als Halbfigur dargestellt, der eine Hacke über der Schulter trägt. Die Figur zeichnet sich durch akribische Detailgenauigkeit aus, von den Falten im Gesicht bis zum Schmutz an den Händen, von der zerfetzten Kleidung bis zur Rauheit der Hacke. Der Stil des Gemäldes erinnert an das Werk von Pietro Bellotti, der ähnliche Figuren in seine Porträtmalerei einführte. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und neu doubliert. Es ist im Stil der Zeit gerahmt.

Öl auf Leinwand. Bologneser Schule des späten 17. Jahrhunderts. Im Vordergrund, die gesamte linke Bildhälfte einnehmend, liegt das schlafende Jesuskind, zurückgelehnt in einer Haltung vollkommener Hingabe an den Schlaf, ein heiteres Lächeln auf den Lippen. Rechts, diagonal durch das hochgezogene Tuch begrenzt, blicken zwei Gestalten, vermutlich zwei Hirten, das Kind mit tiefem und ernstem Blick an und bedecken es – eine Geste der Zärtlichkeit, die symbolisch auf das Opfer Christi (die Niederlegung seines Leichnams nach der Kreuzigung) anspielt. Die liegende Position des von Maria oder Hirten angebeteten Kindes wurde von Guido Reni eingeführt, der mehrere Werke mit diesem Motiv schuf, das später von seinen Nachfolgern und der Bologneser Schule des 17. Jahrhunderts weithin aufgegriffen wurde. Wie in Guido Renis Werken strahlt auch in diesem Gemälde das Licht direkt vom Jesuskind aus und erhellt die andächtigen Gesichter derer, die es anbeten. Das Gemälde wurde zuvor neu doubliert und weist Spuren umfangreicher Restaurierungsarbeiten auf. Es befindet sich in einem zeitgenössischen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule, 17. Jahrhundert. Die großflächige Szene wird von zahlreichen ineinander verschlungenen Figuren belebt: Im Zentrum, vom Lichtstrahl von oben erhellt, Maria mit dem Jesuskind im Arm, rechts bewacht vom heiligen Josef; links die Heiligen Drei Könige mit ihren Gaben in prächtigen Kästchen und ihrem gesamten Gefolge, während die Engel von oben zusehen. Ein kurioses Detail sind die beiden kleinen Engel am unteren Rand, die die Krippe für das Jesuskind vorbereiten. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und neu gerahmt. Rahmen im Stil der Zeit.

Öl auf Leinwand. Die Szene zeigt ein Gnadengesuch an den König: Ein Mann bittet ihn inständig, den jungen Mann zu begnadigen, der von zwei Dienern enthauptet werden soll; seltsamerweise liegt ein gekrönter Kopf zu Füßen des Königs. Die Szene spielt in einem Lager nahe einer Stadt, in Anwesenheit mehrerer Soldaten. Die beiden Gefangenen tragen Zivilkleidung, ebenso wie die Diener, die über dem Gefangenen Schwerter schwingen. Die Szene lässt sich nicht eindeutig auf eine bestimmte biblische Begebenheit zurückführen, doch sie verdeutlicht die Barmherzigkeit des Königs im Kontrast zur unerbittlichen Justiz. Das Gemälde wurde restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert, der neu vergoldet wurde.

Anhänger von Carlo Cignani

Öl auf Leinwand. Dieses Werk ist eine von mehreren zeitgenössischen Versionen und Repliken eines Gemäldes von Carlo Cignani und zeugt von dessen Erfolg. Es lässt sich seiner Werkstatt oder einem seiner Schüler zuordnen. Die Allegorie der Nächstenliebe war eines von Carlo Cignanis Lieblingsthemen, das er mehrfach malte. Sie wird stets als stillende Frau dargestellt, oft umgeben von zahlreichen Kindern – ein Symbol ihrer bedingungslosen Liebe. In dieser Darstellung stillt die Frau zwei ältere Kinder, während sie das in Windeln gewickelte Neugeborene in der Wiege zudeckt. Die Szene wirkt lebendig und heiter, geprägt von natürlichen, schlichten und doch zärtlichen Gesten; eines der Kinder hält zwei Kirschen, Symbole der Liebe und Zärtlichkeit. Das Gemälde weist Spuren von Restaurierungen und einer Doublierung aus dem späten 19. Jahrhundert auf. Auch der vergoldete, mit Friesen verzierte Rahmen stammt aus dieser Zeit.

Kopie von Jacopo Palma il Vecchio

Öl auf Leinwand. Das Originalgemälde, das als Vorlage für dieses Werk diente und dessen Größe originalgetreu wiedergegeben ist, befindet sich in einer Privatsammlung und wurde 2022 in der Ausstellung des Museums Santa Caterina in Treviso gezeigt. Das Werk zeigt die Madonna mit Kind im Zentrum, rechts davon zwei Heilige, die in ein fast in sich gekehrtes spirituelles Gespräch vertieft sind. Die Figur ganz rechts ist die heilige Katharina, erkennbar an ihrem Zahnradsymbol; links ist der heilige Josef dargestellt, der jugendlich wirkt, vermutlich weil er die Gesichtszüge der Schutzpatronin aufgreift. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und befindet sich in einem vergoldeten Rahmen im Stil der Epoche.

Öl auf Leinwand. Mittelitalienische Schule, 17. Jahrhundert. Das Gemälde zeigt die Jungfrau Maria mit dem Jesuskind auf ihrem Schoß, beide gekrönt. Das Kind segnet den Betrachter und hält in der anderen Hand eine Blume. Die Ikonographie der gekrönten Madonna mit Kind verbreitete sich erst ab dem 16. Jahrhundert, obwohl das Thema der thronenden Madonna und ihrer Krönung bereits früher weit verbreitet war. Das Gemälde wurde restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem Holzrahmen aus dem 18. Jahrhundert.

Öl auf Leinwand. Die Szene ist dicht mit Figuren bevölkert, die im Vordergrund als Halbfiguren dargestellt sind: Die Heiligen Drei Könige, die die gesamte rechte Seite einnehmen, überreichen dem Jesuskind in Marias Armen links ihre Gaben, während Josef im Hintergrund wie ein Schatten erscheint, der über die Familie wacht und ihr beisteht. Das Gemälde weist Spuren früherer Restaurierungen auf. Es befindet sich in einem Rahmen aus der Zeit um 1900.

Kopie von Simon Vouet

Öl auf Leinwand. Dies ist eine wunderschöne Kopie des berühmten Gemäldes von Simon Vouet (1590–1649), das zwischen 1618 und 1620 entstand und sich in einer Kapelle der Kirche San Francesco a Ripa in Rom befindet. Das Werk, das Vouet während seines Aufenthalts in Rom schuf, zeigt einen deutlichen Caravaggesken Einfluss, sowohl in der Farbgebung und Lichtführung als auch in den Posen der Figuren. Diese Merkmale finden sich in dieser Kopie getreu wieder. Die Palette ist reich an Farben (Blau, Orange und natürlich Rot), die sich in den mit großem Pinselstrich gemalten Draperien manifestieren. Gleichzeitig gibt es eine Fülle weißer Tücher, die überall präsent sind, um Licht zu spenden und eine visuelle Wirkung zu erzielen. Die Details sind vielfältig: die kunstvolle Frisur der von hinten dargestellten Figur und ihr nackter Fuß im Vordergrund (jedoch nicht schmutzig wie bei Merisi); die weiße Vase auf dem Boden bildet einen Kontrast zum großen Kupferbecken; Die Spitze des Hemdes und des Turbans der Frau rechts sowie ihre linke Hand (eine typische Caravaggio-Pose), die dem Betrachter offen entgegenstreckt, verleihen der Szene Tiefe. Das Gemälde wurde Ende des 19. Jahrhunderts restauriert und neu doubliert und auf einen Keilrahmen aus dieser Zeit gespannt. Es befindet sich in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert.

Öl auf Kupfer. Flämische Schule des 17. Jahrhunderts. Das Gemälde, das mündlich Frans Francken dem Jüngeren (1581–1642) zugeschrieben wird, zeigt eine von Jesus vollbrachte wundersame Heilung: Während er mit seinen Jüngern geht, trifft er auf seinem Weg auf einen kranken Mann, der wahrscheinlich an Lepra leidet, einer Krankheit, die damit verbunden ist Isolation und Vertreibung aus der Stadt; Der Mann ruft Christus an, der das Wunder vollbringt und ihn heilt. Das Gemälde platziert das Ereignis am linken Rand der Szene im Vordergrund, wo die im typischen Stil der Zeit Christi gekleideten Figuren durch ihre leuchtenden Farben hervorstechen; Darüber hinaus ist die Landschaft, die den Rest der Szene ausfüllt, eindeutig nordisch, mit einem Fluss voller Wasser, der in einer Landschaft voller Vegetation fließt, und einer Stadt im Hintergrund unter Berggipfeln. Die bildliche Beschreibung der Vegetation ist akribisch und präzise, ​​reichhaltig und detailliert im Detail: der gebrochene Stamm im Vordergrund, die Wedel des großen Baumes hinter den Figuren, die hoch am Himmel fliegenden Vögel, die kleinen Blumen am Ufer Die Nuancen des Wassers, in dem sich Pflanzen und Wolken spiegeln, sind mit einer für die flämische Malerei typischen malerischen Raffinesse gemalt, die im Stil dem des großen Antwerpener Künstlers ähnelt. Das Gemälde wird in einem umfunktionierten antiken Rahmen präsentiert.

Figuren mit herbstlichem Stillleben

Ölgemälde auf Leinwand. Die H.Sanders-Signatur befindet sich unten links auf dem Lauf. Die Szene, die draußen in einer Straße einer flämischen Stadt spielt, mit dem Kanal im Hintergrund auf der linken Seite, sieht im Vordergrund eine Gemüseverkäuferin hinter ihrem Stand, der mit einer abwechslungsreichen Komposition aus Wintergemüse aufgebaut ist, ein komponiertes Stillleben aus Blumenkohl, Kohl, Karotten, Maiskolben; Neben der Frau bietet ihr ein Passant mit einer Harpune auf der Schulter einen Fisch an, offenbar die Frucht seines Fangs, den er verkaufen möchte. Die Kulisse erinnert an Amsterdam, die Stadt, in der der niederländische Maler Hercules (oder Herkules) Sanders geboren wurde und lebte, der sich hauptsächlich als Porträtist etablierte, von dem aber auch eine Genreszene im Innenbereich bekannt ist, derzeit am Detroit Institute of Arts. datiert 1647 und betitelt „Frau putzt Fische“, deren weibliche Figur der Verkäuferin des hier vorgestellten Werkes sehr ähnelt. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.