Antikes Gemälde „Die Nymphen verbrennen Telemachos Schiff '600

Öl auf Leinwand. Mittelitalienische Schule. Unten rechts die Initialen SGAV und die Jahreszahl 1747. Die Erscheinung der Madonna mit dem Jesuskind im Arm vor San Rocco ist ein wiederkehrendes Motiv in der christlichen Frömmigkeit. Der Heilige, erkennbar an seinen traditionellen Attributen – der kurzen Tunika und dem Pilgerstab, der Pestwunde an seinem Oberschenkel und dem Hund mit einem Stück Brot im Maul – kniet halb in Anbetung der beiden heiligen Gestalten, die ihm aus einem Wolkenwirbel am Himmel erscheinen. Die Erscheinung symbolisiert die himmlische Weihe seiner Mission, die Kranken (insbesondere Pestopfer) zu heilen und den Leidenden durch die Fürsprache der Jungfrau Maria und Jesu Trost zu spenden. Die Szene spielt auf einem Feldweg nahe einem Bach, hinter dem man die Stadt erkennen kann, von der der Heilige aufgrund seiner Krankheit abgeschnitten ist. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und neu doubliert. Es ist auf einem neuen Spannrahmen montiert.

Öl auf Leinwand. Diese Madonna ist ein Unikat. Sie hält ihr Kind, das friedlich auf einem Kissen schläft. Maria blickt den Betrachter an, fast als wolle sie ihren Sohn präsentieren, mit ernstem Ausdruck, sich seines Schicksals bewusst. Das Kind hingegen scheint davon nichts zu ahnen, noch ein Kind, nicht der Sohn Gottes. Auch die physiognomischen Merkmale beider Figuren sind unverwechselbar, insbesondere Marias rundes, volles Gesicht, die Stupsnase, die runden Augen und die nicht schlanke Statur, die sich deutlich von traditionellen Madonnendarstellungen unterscheiden. Oben links befinden sich einige Buchstaben einer Inschrift, die abgeschnitten zu sein scheinen. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem zeitgenössischen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Mittelitalienische Schule, 17. Jahrhundert. Die Ikonographie identifiziert diese Figur als den Einsiedlerheiligen Onuphrius, der im 4. Jahrhundert als Anachoret in der ägyptischen Wüste lebte. Er ist hier in einer felsigen, kargen Landschaft dargestellt (typisch für Gemälde, die Buße und Askese thematisieren), traditionell als alter Mann mit langem Bart und weißem Haar, fast völlig nackt (nur mit einem Lendenschurz aus Blättern bedeckt), kniend, die Hände zum Gebet oder in einer Geste tiefer Bitte gefaltet, ein Rosenkranz an seinem Arm, ein Kreuz und ein offenes Buch (eine Bibel) auf dem Felsen neben ihm – Zeichen des Gebets und der Meditation. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem angepassten antiken Rahmen.

Öl auf Holz. Nordeuropäische Schule des 18. Jahrhunderts. Die horizontal angeordnete Szene zeigt den Mythos von Orpheus, dem Sohn Apollos, der von seinem Vater eine Leier erhielt, mit der er wilde Tiere zähmte, Felsen bewegte und Bäume bog. Die Geschichte ist aus Vergils Georgica und Ovids Metamorphosen bekannt: Als Symbol für die zivilisierende Kraft der Kunst ist sie ein beliebtes Sujet der europäischen Kunst. Orpheus ist in der Mitte dargestellt, sitzend auf einem Felsen zwischen Bäumen, die Leier spielend. Zu seinen Seiten kommen ihm zahlreiche Tiere verschiedener Arten aus nahen und fernen Naturräumen entgegen, darunter exotische Tiere (ein Elf, Löwen, ein Lama usw.), und am rechten Rand ein Fabelwesen, das Einhorn. Im Hintergrund fließt ein Bach mit einer Stadt an seinem Ufer; links, auf dem Hügel, befindet sich ein kleiner Tempel, vermutlich dem Gott Apollon geweiht. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und ist in einem vergoldeten Rahmen aus der damaligen Zeit gefasst.

Öl auf Holz. Das Gemälde greift die Komposition von Tizians Meisterwerk (datiert 1510, heute im Louvre) auf, verlegt sie jedoch in eine völlig andere Landschaft und erweitert sie an den Seiten um eine Ziege rechts und einen Flöte spielenden Faun links. Die vier von Tizian übernommenen Figuren sind zudem spiegelverkehrt dargestellt, vermutlich weil sich der Künstler dieses Gemäldes von einem Kupferstich inspirieren ließ. Die zentrale Szene zeigt zwei junge Männer, die auf einer Wiese sitzen und musizieren. Neben ihnen steht eine junge Frau mit dem Rücken zu ihnen, während ein zweiter Mann Wasser aus einem Marmorbecken schöpft. Die beiden Frauen sind nackt, nur spärlich von ihren Mänteln bedeckt, während die beiden Männer in historischen Kostümen gekleidet sind und sich unterhalten. Das Sujet ist als Allegorie von Poesie und Musik gedacht, wobei die beiden Frauen von idealer Schönheit wie zwei unwirkliche Erscheinungen wirken, die der Fantasie und Inspiration der beiden jungen Männer entsprungen sind. Das hier präsentierte Gemälde weist Spuren früherer Restaurierungen auf. Derzeit sind Farbabplatzungen und Beschädigungen an der Holztafel vorhanden.

Anhänger von Pietro da Cortona

Öl auf Leinwand. Das Werk basiert auf dem Fresko von Pietro da Cortona an einer Wand der Sala della Stufa im Palazzo Pitti, das Teil des Zyklus der vier Lebensalter des Menschen ist und von Ovids Metamorphosen inspiriert wurde. Szenen aus der Bronze- und Eisenzeit stellen Bilder einer zivilisierten Gesellschaft den Gräueltaten der Kriegszeit gegenüber. Wie Ovid beschreibt, hielten Betrug und Täuschung in der Eisenzeit Einzug, und die Menschen verlangten nicht nur, dass die Erde Früchte trug, sondern gruben auch in ihre Tiefen. So wurden Eisen und Gold entdeckt, und der Krieg begann, der Plünderungen und gewaltsame Übergriffe mit sich brachte, selbst gegen Wehrlose wie Alte, Frauen und Kinder. Diese Szene, auch bekannt als „Gruppe von Soldaten massakriert Zivilisten“, zeigt dramatische Szenen der Gewalt und Unterdrückung, wie den Soldaten im Vordergrund, der im Begriff ist, den wehrlosen, am Boden liegenden alten Mann zu töten, oder rechts den Mann, der einer jungen Mutter trotz ihrer Bitten die Haare abschneidet, um ihren Schmuck zu rauben. Das Gemälde weist Spuren früherer, kleinerer Restaurierungen auf. Es ist gerahmt.

Öl auf Leinwand. Mitteleuropäische Schule, Mitte des 19. Jahrhunderts. Im Zentrum der Szene, vor einem Thron mit rotem Samtbaldachin und königlichen Insignien, schlichtet ein König einen Streit zwischen zwei Männergruppen, dargestellt durch mehrere Würdenträger in Zivilkleidung. Hinter ihnen erheben sich zwei verschiedene Fahnen aus der Menge; vermutlich handelt es sich um zwei politische Fraktionen derselben Stadt. Die Stadtsilhouette im Hintergrund verortet die Szene im mitteleuropäischen Kontext. Das Gemälde wurde Anfang des 20. Jahrhunderts auf Sperrholz aufgetragen. Es befindet sich in einem neu vergoldeten Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert.

Öl auf Leinwand. Französische Schule, spätes 17. Jahrhundert. Das Gemälde ist von einem Werk Nicolas Poussins inspiriert, das um 1635 entstand und sich heute in der National Gallery in Edinburgh befindet. Im Vergleich zu diesem Werk weist unser Gemälde jedoch zahlreiche Abweichungen auf und ist wesentlich kleiner (der gesamte rechte Teil von Poussins Szene mit den zahlreichen Figuren im Vorder- und Hintergrund fehlt). Das Sujet erzählt eine biblische Episode aus dem Buch Exodus: Das Volk Ägyptens irrte in der Wüste Sinai umher und hatte kein Wasser. Da befahl Gott Mose, seinen Stab zu nehmen, die Ältesten zu versammeln und vor dem Volk an den Felsen am Horeb zu schlagen. Aus ihm entsprang eine Quelle, an der das ganze Volk seinen Durst stillen konnte. Das vorliegende Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert.

Öl auf Leinwand. Dargestellt ist eine junge Frau in Helm und Kettenhemd, die eine Hellebarde hält. Über ihr ist ihr Name angegeben. Der Beiname „Amazone“ bezeichnet im Wesentlichen eine Kriegerin, doch wird keine Figur namens Leandra erwähnt. Der Mythos der Amazonen erfreute sich großer Beliebtheit und inspirierte eine Vielzahl von Künstlern und Schriftstellern. Das Gemälde wurde restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem zeitgenössischen antiken Rahmen.

Öl auf Leinwand. Camilla ist eine Figur aus Vergils Aeneis, Königin der Volsker. Ihr ergeben, ist Camilla Jägerin und Kriegerin zugleich. Furchtlos und mutig, entfaltet sie ihre außergewöhnliche Schönheit. Sie galt als Königin der Amazonen, denn diese Figuren verkörperten Kriegerinnen schlechthin. Vergils Figur erfreute sich langer literarischer und künstlerischer Beliebtheit. Hier ist die Frau in einer Rüstung des 17. Jahrhunderts dargestellt, im Begriff, ihr Schwert zu ziehen, während Camilla der Mythologie zufolge mit Pfeil und Bogen kämpfte. Der Name der Figur ist oben angegeben. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem zeitgenössischen Antikrahmen.

Öl auf Leinwand. Emilianische Schule des 17. Jahrhunderts. Maria und Jesus sind hier in einer sehr menschlichen, innigen Pose dargestellt, in einem Wechselspiel von Umarmungen und Blicken. Selbst Jesu Gesicht, das den Betrachter anblickt, vermittelt eher die Freude eines Kindes in der Umarmung seiner Mutter als die Sehnsucht Christi nach seinem Schicksal. Nur der kleine Apfel, den das Kind fast verborgen in einer Hand hält, erinnert an seine Rolle als Erlöser. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und befindet sich in einem zeitgenössischen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Nordeuropäische Schule. Eine junge Frau möchte ihre Leidenschaft, vielleicht sogar ihr Engagement für die Welt der Musik, zum Ausdruck bringen, indem sie sich mit einem Notenblatt in der Hand porträtieren lässt. Das restaurierte und neu doublierte Gemälde befindet sich in einem vergoldeten Rahmen aus der damaligen Zeit.