Antikes Gemälde Konzert Öl auf Holzbrett Italien des XVIII Jhs

Anhänger von Pietro da Cortona

Öl auf Leinwand. Das Werk basiert auf dem Fresko von Pietro da Cortona an einer Wand der Sala della Stufa im Palazzo Pitti, das Teil des Zyklus der vier Lebensalter des Menschen ist und von Ovids Metamorphosen inspiriert wurde. Szenen aus der Bronze- und Eisenzeit stellen Bilder einer zivilisierten Gesellschaft den Gräueltaten der Kriegszeit gegenüber. Wie Ovid beschreibt, hielten Betrug und Täuschung in der Eisenzeit Einzug, und die Menschen verlangten nicht nur, dass die Erde Früchte trug, sondern gruben auch in ihre Tiefen. So wurden Eisen und Gold entdeckt, und der Krieg begann, der Plünderungen und gewaltsame Übergriffe mit sich brachte, selbst gegen Wehrlose wie Alte, Frauen und Kinder. Diese Szene, auch bekannt als „Gruppe von Soldaten massakriert Zivilisten“, zeigt dramatische Szenen der Gewalt und Unterdrückung, wie den Soldaten im Vordergrund, der im Begriff ist, den wehrlosen, am Boden liegenden alten Mann zu töten, oder rechts den Mann, der einer jungen Mutter trotz ihrer Bitten die Haare abschneidet, um ihren Schmuck zu rauben. Das Gemälde weist Spuren früherer, kleinerer Restaurierungen auf. Es ist gerahmt.

Öl auf Leinwand. Die Szene zeigt ein Gnadengesuch an den König: Ein Mann bittet ihn inständig, den jungen Mann zu begnadigen, der von zwei Dienern enthauptet werden soll; seltsamerweise liegt ein gekrönter Kopf zu Füßen des Königs. Die Szene spielt in einem Lager nahe einer Stadt, in Anwesenheit mehrerer Soldaten. Die beiden Gefangenen tragen Zivilkleidung, ebenso wie die Diener, die über dem Gefangenen Schwerter schwingen. Die Szene lässt sich nicht eindeutig auf eine bestimmte biblische Begebenheit zurückführen, doch sie verdeutlicht die Barmherzigkeit des Königs im Kontrast zur unerbittlichen Justiz. Das Gemälde wurde restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert, der neu vergoldet wurde.

Öl auf Leinwand. Französische Schule, spätes 17. Jahrhundert. Das Gemälde ist von einem Werk Nicolas Poussins inspiriert, das um 1635 entstand und sich heute in der National Gallery in Edinburgh befindet. Im Vergleich zu diesem Werk weist unser Gemälde jedoch zahlreiche Abweichungen auf und ist wesentlich kleiner (der gesamte rechte Teil von Poussins Szene mit den zahlreichen Figuren im Vorder- und Hintergrund fehlt). Das Sujet erzählt eine biblische Episode aus dem Buch Exodus: Das Volk Ägyptens irrte in der Wüste Sinai umher und hatte kein Wasser. Da befahl Gott Mose, seinen Stab zu nehmen, die Ältesten zu versammeln und vor dem Volk an den Felsen am Horeb zu schlagen. Aus ihm entsprang eine Quelle, an der das ganze Volk seinen Durst stillen konnte. Das vorliegende Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert.

Öl auf Leinwand. Dargestellt ist eine junge Frau in Helm und Kettenhemd, die eine Hellebarde hält. Über ihr ist ihr Name angegeben. Der Beiname „Amazone“ bezeichnet im Wesentlichen eine Kriegerin, doch wird keine Figur namens Leandra erwähnt. Der Mythos der Amazonen erfreute sich großer Beliebtheit und inspirierte eine Vielzahl von Künstlern und Schriftstellern. Das Gemälde wurde restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem zeitgenössischen antiken Rahmen.

Öl auf Leinwand. Camilla ist eine Figur aus Vergils Aeneis, Königin der Volsker. Ihr ergeben, ist Camilla Jägerin und Kriegerin zugleich. Furchtlos und mutig, entfaltet sie ihre außergewöhnliche Schönheit. Sie galt als Königin der Amazonen, denn diese Figuren verkörperten Kriegerinnen schlechthin. Vergils Figur erfreute sich langer literarischer und künstlerischer Beliebtheit. Hier ist die Frau in einer Rüstung des 17. Jahrhunderts dargestellt, im Begriff, ihr Schwert zu ziehen, während Camilla der Mythologie zufolge mit Pfeil und Bogen kämpfte. Der Name der Figur ist oben angegeben. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem zeitgenössischen Antikrahmen.

Öl auf Leinwand. Niederländische Schule, 18. Jahrhundert. In dieser dramatischen Szene sind drei Segelschiffe der stürmischen See ausgeliefert; zwei von ihnen führen die niederländische Flagge, während das dritte, kleinere, fast ein Beiboot, eine andere Flagge trägt. Der graue, stürmische Himmel und das Meer bilden einen einheitlich dunklen Hintergrund, durch den rechts ein schmaler Lichtstreifen durch eine Wolkenlücke fällt. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem zeitgenössischen antiken Rahmen.

Öl auf Leinwand. Neapolitanische Schule, 17. Jahrhundert. Das Gemälde, ehemals Scipione Compagno (1624–1680) zugeschrieben, gehört zu seinem Malstil (der zudem typisch für die narrative Bildsprache der neapolitanischen Kultur des 17. Jahrhunderts ist). Es zeigt Szenen und Ereignisse mit unzähligen Figuren, Landschaften und Ansichten in einer Palette von Braun- und Beigetönen, abgesehen von den Farbtupfern, die die Hauptfiguren hervorheben. Die Szene, voller Figuren, zeigt im Vordergrund das ägyptische Heer, das von den Wassern des Roten Meeres überwältigt wird, während am Ufer im Hintergrund die nun in Sicherheit befindlichen Israeliten mit Tänzen und Gesängen feiern. Im Zentrum, etwas weiter hinten, steht Moses, den Arm mit seinem Stab erhoben, in der Geste, die an das Wunder der Wasserteilung erinnert. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert. Es weist derzeit einen leichten Farbverlust auf der linken Seite auf. Es befindet sich in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert.

Kopie von Jacopo Palma il Vecchio

Öl auf Leinwand. Das Originalgemälde, das als Vorlage für dieses Werk diente und dessen Größe originalgetreu wiedergegeben ist, befindet sich in einer Privatsammlung und wurde 2022 in der Ausstellung des Museums Santa Caterina in Treviso gezeigt. Das Werk zeigt die Madonna mit Kind im Zentrum, rechts davon zwei Heilige, die in ein fast in sich gekehrtes spirituelles Gespräch vertieft sind. Die Figur ganz rechts ist die heilige Katharina, erkennbar an ihrem Zahnradsymbol; links ist der heilige Josef dargestellt, der jugendlich wirkt, vermutlich weil er die Gesichtszüge der Schutzpatronin aufgreift. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und befindet sich in einem vergoldeten Rahmen im Stil der Epoche.

Öl auf Leinwand. Das Gemälde zeigt das halbhohe Porträt eines jungen Mannes in Deshabillé, der seine Pfeife anzündet, indem er mit einem Stock Feuer aus der Kerze schöpft, die vor ihm auf dem Tisch steht, auf dem auch ein Schwert ruht: vielleicht handelt es sich um einen jungen Ritter in einem Moment der Ruhe. Gerade die Kerze, die einzige Lichtquelle in der Szene, deutet darauf hin, dass sich der Künstler an Georges De La Tour (1593-1652) orientierte, dem französischen Maler des Caravaggio-Stils, der sich mit seinen "nächtlichen" Szenen einen Namen gemacht hat. Diese zeichnen sich dadurch aus, dass die Figuren, bei denen es sich in der Regel um Personen von niedrigem Rang und nicht um historische Vorbilder oder hochwohlgeborene Persönlichkeiten handelt, durch das Licht einer Kerze beleuchtet werden, wodurch eine besondere Atmosphäre der Intimität entsteht. Das restaurierte und neu gerahmte Gemälde wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Nordeuropäische Schule des 19. Jahrhunderts. Das Gemälde ist eine Reproduktion eines Werkes von Jan Siberechts (1627–1703) aus dem Jahr 1662, das sich heute in den Königlichen Museen der Schönen Künste in Brüssel befindet. Der flämische Maler machte sich mit seinen Szenen aus dem ländlichen Leben einen Namen, die von Bauern bei ihren täglichen Arbeiten belebt wurden, insbesondere von kräftigen Frauen in farbenfroher Kleidung. Diese Merkmale sind auch in dieser Reproduktion erkennbar, in der auf dem Bauernhof eines Bauernhauses inmitten der Landschaft die ganze Familie mit verschiedenen Tätigkeiten beschäftigt ist: Links lädt der Mann Holzbündel vom Karren ab, die eine Frau zum Haus trägt; rechts öffnet der Junge den Stall, um die Ziegen- und Schafherde auf die Weide zu treiben; in der Mitte sind drei kräftige Frauen zu sehen, zwei von ihnen beobachten die dritte, die gerade ein kleines Mädchen entlaust. Die Farben der Kleidung der Figuren heben sich leuchtend und intensiv von den braunen und dunklen Tönen der Hintergrundelemente (Haus und Landschaft) ab, die von einem ebenfalls dunklen, dicht mit grauen Wolken besetzten Himmel dominiert werden. Das Gemälde befindet sich in einem zeitgenössischen Goldrahmen.

Ölgemälde auf Leinwand. Italienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Eine große Komposition aus bunten Blumen in geprägten Metallvasen und einigen auf dem Boden verstreuten Früchten sind nahe einer Wand mit Blick auf eine maritime Landschaft platziert: Die Helligkeit des Himmels und des Meeres auf der rechten Seite kontrastiert mit dem schattigen Bereich auf der linken Seite. auf dem die Farben der Blumen hervorstechen. Das unterfütterte und restaurierte Gemälde weist einen erheblichen Riss auf. Es wird in einem modernen lackierten und vergoldeten Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die große, in einer hügeligen Landschaft angesiedelte Szene mit einem Dorf und Ruinen im Hintergrund links wird vollständig von der kompakten Gruppe zahlreicher lebender Figuren eingenommen: In der Mitte sitzt die Familie des Hirten und beobachtet seinen Begleiter, der das kleine Kind hält in ihren Armen in Windeln; Rundherum die Tiere, vom treuen Schäferhund bis zu den Tieren der Herde, Schafen, Ziegen und Kühen, auch in Ruhe. Hervorzuheben ist der große Naturalismus der Tierfiguren, der als Bildmodalität auf die Werke der Schule von Philipp Peter Roos, bekannt als Rosa da Tivoli (1657-1706), verweist, dem deutschen Maler, der als einer der besten Tiermaler der Welt galt Italien im 17. Jahrhundert, gekennzeichnet durch die besondere Fähigkeit, an das Fell und das Aussehen von Tieren zu erinnern. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem vergoldeten Rahmen aus der Zeit präsentiert.