Antikes Gemälde Kopie aus Jacopo Palma il Vecchio XVII Jhd - Kopie von Jacopo Palma il Vecchio

Öl auf Holz. Das Gemälde greift die Komposition von Tizians Meisterwerk (datiert 1510, heute im Louvre) auf, verlegt sie jedoch in eine völlig andere Landschaft und erweitert sie an den Seiten um eine Ziege rechts und einen Flöte spielenden Faun links. Die vier von Tizian übernommenen Figuren sind zudem spiegelverkehrt dargestellt, vermutlich weil sich der Künstler dieses Gemäldes von einem Kupferstich inspirieren ließ. Die zentrale Szene zeigt zwei junge Männer, die auf einer Wiese sitzen und musizieren. Neben ihnen steht eine junge Frau mit dem Rücken zu ihnen, während ein zweiter Mann Wasser aus einem Marmorbecken schöpft. Die beiden Frauen sind nackt, nur spärlich von ihren Mänteln bedeckt, während die beiden Männer in historischen Kostümen gekleidet sind und sich unterhalten. Das Sujet ist als Allegorie von Poesie und Musik gedacht, wobei die beiden Frauen von idealer Schönheit wie zwei unwirkliche Erscheinungen wirken, die der Fantasie und Inspiration der beiden jungen Männer entsprungen sind. Das hier präsentierte Gemälde weist Spuren früherer Restaurierungen auf. Derzeit sind Farbabplatzungen und Beschädigungen an der Holztafel vorhanden.

Anhänger von Pietro da Cortona

Öl auf Leinwand. Das Werk basiert auf dem Fresko von Pietro da Cortona an einer Wand der Sala della Stufa im Palazzo Pitti, das Teil des Zyklus der vier Lebensalter des Menschen ist und von Ovids Metamorphosen inspiriert wurde. Szenen aus der Bronze- und Eisenzeit stellen Bilder einer zivilisierten Gesellschaft den Gräueltaten der Kriegszeit gegenüber. Wie Ovid beschreibt, hielten Betrug und Täuschung in der Eisenzeit Einzug, und die Menschen verlangten nicht nur, dass die Erde Früchte trug, sondern gruben auch in ihre Tiefen. So wurden Eisen und Gold entdeckt, und der Krieg begann, der Plünderungen und gewaltsame Übergriffe mit sich brachte, selbst gegen Wehrlose wie Alte, Frauen und Kinder. Diese Szene, auch bekannt als „Gruppe von Soldaten massakriert Zivilisten“, zeigt dramatische Szenen der Gewalt und Unterdrückung, wie den Soldaten im Vordergrund, der im Begriff ist, den wehrlosen, am Boden liegenden alten Mann zu töten, oder rechts den Mann, der einer jungen Mutter trotz ihrer Bitten die Haare abschneidet, um ihren Schmuck zu rauben. Das Gemälde weist Spuren früherer, kleinerer Restaurierungen auf. Es ist gerahmt.

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule, 17. Jahrhundert. Die großflächige Szene wird von zahlreichen ineinander verschlungenen Figuren belebt: Im Zentrum, vom Lichtstrahl von oben erhellt, Maria mit dem Jesuskind im Arm, rechts bewacht vom heiligen Josef; links die Heiligen Drei Könige mit ihren Gaben in prächtigen Kästchen und ihrem gesamten Gefolge, während die Engel von oben zusehen. Ein kurioses Detail sind die beiden kleinen Engel am unteren Rand, die die Krippe für das Jesuskind vorbereiten. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und neu gerahmt. Rahmen im Stil der Zeit.

Öl auf Leinwand. Die Szene zeigt ein Gnadengesuch an den König: Ein Mann bittet ihn inständig, den jungen Mann zu begnadigen, der von zwei Dienern enthauptet werden soll; seltsamerweise liegt ein gekrönter Kopf zu Füßen des Königs. Die Szene spielt in einem Lager nahe einer Stadt, in Anwesenheit mehrerer Soldaten. Die beiden Gefangenen tragen Zivilkleidung, ebenso wie die Diener, die über dem Gefangenen Schwerter schwingen. Die Szene lässt sich nicht eindeutig auf eine bestimmte biblische Begebenheit zurückführen, doch sie verdeutlicht die Barmherzigkeit des Königs im Kontrast zur unerbittlichen Justiz. Das Gemälde wurde restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert, der neu vergoldet wurde.

Öl auf Leinwand. Französische Schule, spätes 17. Jahrhundert. Das Gemälde ist von einem Werk Nicolas Poussins inspiriert, das um 1635 entstand und sich heute in der National Gallery in Edinburgh befindet. Im Vergleich zu diesem Werk weist unser Gemälde jedoch zahlreiche Abweichungen auf und ist wesentlich kleiner (der gesamte rechte Teil von Poussins Szene mit den zahlreichen Figuren im Vorder- und Hintergrund fehlt). Das Sujet erzählt eine biblische Episode aus dem Buch Exodus: Das Volk Ägyptens irrte in der Wüste Sinai umher und hatte kein Wasser. Da befahl Gott Mose, seinen Stab zu nehmen, die Ältesten zu versammeln und vor dem Volk an den Felsen am Horeb zu schlagen. Aus ihm entsprang eine Quelle, an der das ganze Volk seinen Durst stillen konnte. Das vorliegende Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und neu doubliert. Es befindet sich in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert.

Öl auf Leinwand. Neapolitanische Schule, 17. Jahrhundert. Das Gemälde, ehemals Scipione Compagno (1624–1680) zugeschrieben, gehört zu seinem Malstil (der zudem typisch für die narrative Bildsprache der neapolitanischen Kultur des 17. Jahrhunderts ist). Es zeigt Szenen und Ereignisse mit unzähligen Figuren, Landschaften und Ansichten in einer Palette von Braun- und Beigetönen, abgesehen von den Farbtupfern, die die Hauptfiguren hervorheben. Die Szene, voller Figuren, zeigt im Vordergrund das ägyptische Heer, das von den Wassern des Roten Meeres überwältigt wird, während am Ufer im Hintergrund die nun in Sicherheit befindlichen Israeliten mit Tänzen und Gesängen feiern. Im Zentrum, etwas weiter hinten, steht Moses, den Arm mit seinem Stab erhoben, in der Geste, die an das Wunder der Wasserteilung erinnert. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert. Es weist derzeit einen leichten Farbverlust auf der linken Seite auf. Es befindet sich in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert.

Ölgemälde auf Leinwand. Neapolitanische Schule des 17. Jahrhunderts. Eine Komposition aus bunten Blumen in hellen Farbtönen steht in einer Vase, die wie der Hintergrund schwarz ist, auf einem Marmorsockel, von dem nur der Sockel zu unterscheiden ist, da er mit einem ebenfalls schwarzen Stoff überzogen ist, von dem nur der Sockel schwarz ist Die goldenen Verzierungen stechen hervor und sind bereit, ein Spiel mit Kurven zu schaffen. Auf beiden Seiten der Oberseite ruhen zwei Vögel, links eine große Taube, die im Schnabel einen aus der Komposition gestohlenen Zweig hält, und rechts ein Rotkopfspecht. Am linken Rand öffnet sich eine Landschaft mit einem hohen, gebogenen Baum unter einem dunklen Himmel und einer Stadt im Hintergrund. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Das Gemälde zeigt das halbhohe Porträt eines jungen Mannes in Deshabillé, der seine Pfeife anzündet, indem er mit einem Stock Feuer aus der Kerze schöpft, die vor ihm auf dem Tisch steht, auf dem auch ein Schwert ruht: vielleicht handelt es sich um einen jungen Ritter in einem Moment der Ruhe. Gerade die Kerze, die einzige Lichtquelle in der Szene, deutet darauf hin, dass sich der Künstler an Georges De La Tour (1593-1652) orientierte, dem französischen Maler des Caravaggio-Stils, der sich mit seinen "nächtlichen" Szenen einen Namen gemacht hat. Diese zeichnen sich dadurch aus, dass die Figuren, bei denen es sich in der Regel um Personen von niedrigem Rang und nicht um historische Vorbilder oder hochwohlgeborene Persönlichkeiten handelt, durch das Licht einer Kerze beleuchtet werden, wodurch eine besondere Atmosphäre der Intimität entsteht. Das restaurierte und neu gerahmte Gemälde wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die Szene spielt sich in der Nähe eines Militärlagers ab: Vor einem Zelt auf der linken Seite nimmt ein Heerführer, wahrscheinlich ein Grieche, Opfergaben von einer Gruppe armer und zerlumpter Männer entgegen, die sich vor dem neuen Herrn niederwerfen; der erste hält ein paar Brote hin, ein anderer holt etwas aus einem Sack, der dritte zeigt die Wunden an seinem Körper und bittet um Gnade; Hinter ihnen nähern sich weitere Bettlerfiguren, die eine vereinzelte Linie auf dem Weg bilden und rechts in der Ferne verschwinden. Im Hintergrund links ist das geschäftige Leben im Militärlager zu sehen. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert.

Ölgemälde auf Leinwand. Mittelitalienische Schule des 17. Jahrhunderts. In seinem Bildstil erinnert das Gemälde an das Schaffen von Angelo Caroselli (1585-1652), einem römischen Barockkünstler, der Maler, Kopist, Restaurator, aber auch Pasticheur und Kunstkenner, also Schöpfer von Gemälden „in der Art von“ war " - in „Technik“ und im „Stil“ einer bestimmten künstlerischen Epoche oder eines bestimmten Autors, sogar durch Zusammenfügen von „Teilen“ aus verschiedenen Gemälden. Zunächst caravaggesk, entwickelte Il Caroselli später seine ganz persönliche künstlerische Sprache, die von vielen kleineren Künstlern kopiert wurde. In diesem Werk sticht die starre und fast verärgerte Ausdruckskraft der Figur hervor, deren Eleganz der Kleidung aus dem 17. Jahrhundert und die fast weiblichen Züge des Gesichts mit seinem rosigen Teint im Kontrast zur Grobheit von Goliaths blutigem Kopf mit der großen Stichwunde stehen das sich von der sterblichen Blässe abhebt. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert, wobei der ursprüngliche Holzrahmen erhalten blieb. Es wird in einem modernen Holzrahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Nordeuropäische Schule des 19. Jahrhunderts. Das Gemälde ist eine Reproduktion eines Werkes von Jan Siberechts (1627–1703) aus dem Jahr 1662, das sich heute in den Königlichen Museen der Schönen Künste in Brüssel befindet. Der flämische Maler machte sich mit seinen Szenen aus dem ländlichen Leben einen Namen, die von Bauern bei ihren täglichen Arbeiten belebt wurden, insbesondere von kräftigen Frauen in farbenfroher Kleidung. Diese Merkmale sind auch in dieser Reproduktion erkennbar, in der auf dem Bauernhof eines Bauernhauses inmitten der Landschaft die ganze Familie mit verschiedenen Tätigkeiten beschäftigt ist: Links lädt der Mann Holzbündel vom Karren ab, die eine Frau zum Haus trägt; rechts öffnet der Junge den Stall, um die Ziegen- und Schafherde auf die Weide zu treiben; in der Mitte sind drei kräftige Frauen zu sehen, zwei von ihnen beobachten die dritte, die gerade ein kleines Mädchen entlaust. Die Farben der Kleidung der Figuren heben sich leuchtend und intensiv von den braunen und dunklen Tönen der Hintergrundelemente (Haus und Landschaft) ab, die von einem ebenfalls dunklen, dicht mit grauen Wolken besetzten Himmel dominiert werden. Das Gemälde befindet sich in einem zeitgenössischen Goldrahmen.

Ölgemälde auf Leinwand. Italienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Eine große Komposition aus bunten Blumen in geprägten Metallvasen und einigen auf dem Boden verstreuten Früchten sind nahe einer Wand mit Blick auf eine maritime Landschaft platziert: Die Helligkeit des Himmels und des Meeres auf der rechten Seite kontrastiert mit dem schattigen Bereich auf der linken Seite. auf dem die Farben der Blumen hervorstechen. Das unterfütterte und restaurierte Gemälde weist einen erheblichen Riss auf. Es wird in einem modernen lackierten und vergoldeten Rahmen präsentiert.