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31 cm 226 cm

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Ausgewählte Kunst Abschnitt: das Beste aus unserem Katalog von Gemälden, Skulpturen und Kunstwerken.

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Gemälde von Arman 10000 Cendrillons 2003
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ARTCON0000756

Gemälde von Arman 10000 Cendrillons 2003

10000 Cendrillons

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Gemälde von Arman 10000 Cendrillons 2003

10000 Cendrillons

Mischtechnik auf Leinwand. Armand Fernandez, Künstlername Arman, wurde 1928 in Nizza geboren. Er gilt als eines der bedeutendsten und einflussreichsten Mitglieder der Kunstbewegung 'Nouveau Réalisme', der europäischen Deklination des amerikanischen New Dada. Das Nouveau Réalisme wurde 1960 in Frankreich vom Kritiker Pierre Restany gegründet. Die Mitglieder der Gruppe der Nouveaux Réalistes neigten dazu, die Welt als ein Bild zu sehen, von dem aus sie Teile in ihre Werke einbeziehen konnten, um Leben und Kunst näher zusammenzubringen. Sie erklärten, dass sie auf der Grundlage eines neuen und wirklichen Bewusstseins ihrer "kollektiven Singularität" zusammengekommen waren, was bedeutete, dass sie trotz oder vielleicht wegen ihrer Unterschiede zusammen waren. Bei aller Vielfalt ihrer plastischen Sprache sahen sie eine gemeinsame Grundlage für ihre Arbeit; Dies ist eine Methode der direkten Aneignung der Realität, die in den von Pierre Restany verwendeten Begriffen einem "poetischen Recycling der städtischen, industriellen und werblichen Realität" gleichkommt. Die Künstler des Nouveau Réalisme suchten danach, Kunst nach Maßstäben abzustreifen, nach denen Kunst etwas zu bedeuten hatte. Sie konnten jedes Objekt jenseits seiner vorgefassten Vorstellungen als sich selbst präsentieren und dachten, es könne immer noch als Kunst betrachtet werden. Viele von ihnen versuchten auch, die Glamourisierung von Künstlern, die ihr Handwerk privat produzierten, zu unterbinden, und aus diesem Grund wurden Kunststücke häufig in der Öffentlichkeit produziert. Die Arbeit stammt aus dem Atelier des Künstlers in New York und ist durch die E-Mail der Fondation A.R.M.A.N. zeigt auch die Dateinummer an. Fondation A.R.M.A.N. ist derzeit die einzige Institution, die das Recht hat, Zertifikate für Armans Werke auszustellen. Ein vom Künstler signiertes Bild des Gemäldes mit Aktenzeichen, Titel, Abmessungen und Technik ist beigefügt. Auf der Rückseite des Bildes befindet sich die Briefmarke der Kunstgalerie Dante Vecchiato, die Anfang 2000 ein Bezugspunkt für die Verbreitung von Armans Werken in Italien war.

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Allegorie der Liebe
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ARARPI0097148

Allegorie der Liebe

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Allegorie der Liebe

Ölgemälde auf Leinwand. Nordeuropäische Schule. Es ist eine lustige allegorische Szene profaner Liebe, die zeigen soll, wie alle Menschen jeder sozialen Klasse und jeden Alters in die Falle des Verliebens geraten können. Auf dem Hintergrund der Leinwand befindet sich ein riesiges Keepnet, das Korbnetz, das bei einigen Arten des Fischfangs verwendet wird und über dessen Mund ein Putto-Geiger sitzt, der spielen will. Die Falle ist voller Paare, während eine Parade anderer an ihr vorbeigeht, um ihren Eingang zu erreichen. Unter ihnen sind Paare von älteren und jungen Menschen, Paare von Arm und Reich, Adlige, Bourgeois und Proletarier: Alle haben einen glücklichen und leichten Ausdruck, schauen sich verliebt an oder schauen freundlich auf das Glück anderer. Im Topf befinden sich sogar einige Royals, die in Merkmalen und Kleidung dem Pfälzer Kurfürsten des Rheinlandes, Giovanni Guglielmo aus der Pfalz-Neuburg und seiner zweiten Frau Anna Maria Luisa de'Medici entsprechen. Auf der Rückseite des Gemäldes befindet sich ein Etikett mit einer historischen Zuschreibung an Jan Frans Douven (1656-1727): Der niederländische Künstler, der ab 1682 als offizieller Maler am Hof des Pfälzer Kurfürsten des Rheinlandes nach Düsseldorf zog und hauptsächlich schuf Szenen des täglichen Lebens des Prinzen und seiner zweiten Frau. Das Etikett würde daher den Zuschreibungsbereich eines nordeuropäischen Künstlers aus dem 17.-18. Jahrhundert bestätigen. Das Gemälde stammt aus einer historischen Mailänder Sammlung. Es hat Spuren von Restaurationen und einen Patch. In einem stilvollen Rahmen.

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Vier Porträts von König Condottieri
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ARARPI0100957

Vier Porträts von König Condottieri

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Vier Porträts von König Condottieri

Ölige Tempera auf Leinwand. Norditalienische Schule. Es wird angenommen, dass die vier großen Werke Teil des dekorativen Apparats eines großen Palastes waren. Die angewandte Technik - eine auf Leinwand aufgetragene fettige Tempera mit sehr leichter Vorbereitung und eine schnelle Schraffur ohne genaue Bezüge der Figuren - unterstreicht die schnelle Ausführung, die darauf abzielt, in kurzer Zeit Werke für rein dekorative Zwecke zu erhalten. Die vier großen Porträts zeigen die Figuren von Königen, erkennbar an verschiedenen königlichen Attributen (Kronen, Zepter, Königsmantel), aber als Anführer dargestellt, also mit Rüstung und/oder Waffen. Die Besonderheit besteht darin, dass die Charaktere verschiedenen Epochen und geographischen Ursprüngen angehören, als ob sie den großen königlichen Persönlichkeiten der Geschichte huldigen wollten. Die Identifizierung der Charaktere ist nicht sicher, obwohl einige Namen vermutet werden können: der König mit der Krone aus schlechtem Metall, aber mit sehr spitzen Höckern, der ein Schwert mit einem Griff in Form eines Vogelkopfes hält und mit ein Mantel aus grobem Stoff und ein einfacher Kürass, aus dem Pelzelemente sprießen, könnte Attila, der König der Hunnen, sein; die orientalische Figur mit edelsteinbesetztem Turban könnte ein osmanischer Sultan wie Suleiman sein; der Krieger mit der charakteristischen Rüstung des antiken Griechenlands mit dem von einem Drachen überragten Helm und dem reich mit Friesen verzierten Brustpanzer könnte Alexander der Große sein; schließlich der junge König in voller Plattenrüstung und mit einem gekrönten „Hut von Waffen“ Helm, aufgrund seiner physiognomischen Eigenschaften, konnte in Peter I. , der Große, Zar von Russland (1672-1725), hier in einem Porträt Jugend identifiziert werden. Die vier Gemälde, noch auf der ersten Leinwand, zeigen Restaurierungs- und Ergänzungsspuren, mit einigen kleinen Flecken auf der Rückseite. Sie stammen aus einer historischen Bologneser Sammlung. Sie werden in gestylten Rahmen präsentiert.

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Wehklage über den toten Christus
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ARARPI0094514

Wehklage über den toten Christus

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Wehklage über den toten Christus

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalien Schule. Eingebettet in eine Landschaft der Spätrenaissance ist die Komposition der Figuren nach einer aufsteigenden Diagonale nach links angeordnet und endet genauer mit den drei Kreuzen auf Golgatha in der Ferne; Im Zentrum steht der Leib Christi, der zwar auch schräg ausgestreckt ist, hinter dem drei Figuren, Johannes, Maria in der Mitte und eine fromme Frau, die einzige, die in Kleidern aus dem 17. Jahrhundert abgebildet ist und wahrscheinlich eine Person darstellt, die dem Klienten nahe steht. Das Werk kann in die lombardisch-venezianische Kulturproduktion der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts gestellt werden, genauer gesagt in die Bildaktivität, die zwischen Brescia, Garda und Verona blühte und in den manieristischen Wegen von Giovanni Demio (1500-) einen maximalen Ausdruck fand. 1570 ca). Insbesondere finden sich einige Elemente in der Arbeit, insbesondere in den Formen von Kleidung und Posen (zum Beispiel von San Giovanni), die sich auf Modelle der Raphaelesque-Form beziehen, die dank der Vermittlung von Graveuren wie Marcantonio Raimondi (1480 - 1480 -) weit verbreitet sind 1534 ca), die auf die Verbreitung der Werke des Meisters beigetragen. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wurde umfassend renoviert. Es wird in einem antiken Rahmen aus dem 17. Jahrhundert neu gestrichen.

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Porträt von Eleonora Lampugnani
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Porträt von Eleonora Lampugnani

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Porträt von Eleonora Lampugnani

Ölgemälde auf Leinwand. Lombardische Schule. Die dargestellte reiche Dame wird von der identifizierenden Inschrift oben rechts begleitet, auf der "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478" steht. Es handelt sich also um Eleonora Lampugnani, die Frau von Bartolomeo Del Corno. Die Familie Lampugnani ist eine alte Patrizierfamilie aus Mailand (der Name leitet sich vom Bezirk Lampugnano ab) mit Wohnsitzen in Legnano und Busto Arsizio, der Filippo Maria Visconti (Herzog von Mailand) im 15. Jahrhundert das Lehen von Trecate zuwies. Der Ehemann der Adligen gehörte stattdessen zur adeligen piemontesischen Familie Corno (ursprünglich Del Corno genannt). Die Adlige wird stehend in einem prächtigen Kleid dargestellt, das reich bestickt und mit Spitze verziert ist. es ruht seine Hand auf einer kostbaren, in Elfenbein eingelegten Schachtel, wahrscheinlich einem Münzschrank, einem Symbol für Reichtum und Macht, überragt von einer Vase mit Blumen, eher einem Symbol für Eitelkeit. Das Gemälde hat eine alte Restaurierung an den Händen, die von geringerer Qualität sind als das Gesicht, die Kleidung und das Glas. Das Gemälde stammt aus einer alten lombardischen Sammlung. Das Datum 1478, das mit der Inschrift angegeben ist, stimmt nicht sehr mit der Kleidung des 16. Jahrhunderts überein: Nach der Geschichte der Herkunftsfamilie des Gemäldes war das Datum, das vor der letzten Restaurierung erschien, 1578, und daher wäre es eine Änderung versehentlich vom Restaurator.

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Luigi Cavenaghi
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Luigi Cavenaghi

Madonna beten

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Luigi Cavenaghi

Madonna beten

Öl auf Karton. Auf der Rückseite die handschriftliche Angabe "Bozzetto di Luigi Cavenaghi". Es ist wahrscheinlich eine vorbereitende Skizze für einen Fresko von dem berühmten Restaurator und Maler Luigi Cavenaghi: die betende Madonna in einem Spitzbogen eingesetzt ist, auf einem goldenen Hintergrund, flankierte von der lateinischen Inschrift „Ave Maria, gratia ..“, unvollständig , da nur skizzenhaft. Luigi Cavenaghi, ursprünglich aus Caravaggio (Bg), wurde in Mailand künstlerisch ausgebildet, zuerst als Restaurator, dann als Maler. Er gilt als einer der wichtigsten Restauratoren italienischer Gemälde und war in seiner langen und erfolgreichen Karriere an der Wiederherstellung wichtiger Wandgemälde beteiligt, die häufig mit "Entdeckungen" verbunden sind. Der Höhepunkt, sowohl aus technischer als auch aus konzeptioneller Sicht, war die Restaurierung des letzten Abendmahls von Leonardo da Vinci in S. Maria delle Grazie in Mailand, die 1908 entschädigungslos als Hommage an Leonardo durchgeführt wurde. Seine Bildproduktion war weitgehend mit der Tätigkeit des Restaurators verbunden und konfigurierte sich weniger als eine originelle Kreation, sondern als eine Rekonstruktion im Stil, eine fantasievolle Restaurierung, eine Kreuzung zwischen Restaurierung und Remaking. Das hier vorgeschlagene Gemälde könnte Teil dieser Produktion sein. Präsentiert werden die Rahmen aus dem späten 19.-frühen 20. Jahrhundert.

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Xavier Bueno
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ARARCO0093033

Xavier Bueno

Junge, 1966

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Xavier Bueno

Junge, 1966

Öl auf Leinwandkarton. Unten links signiert. Weitere Signatur, Datum und Titel auf der Rückseite. Nach seiner Kindheit in Spanien verbracht, sein Heimatland, Genf und Paris, im Jahre 1940 zog Xavier Bueno nach Italien, in Fiesole, wo er die Gruppe der „Moderne Maler der Wirklichkeit“ trat mit seinem Bruder Antonio, Pietro Annigoni und Gregorio Sciltian., deren Manifest eine "objektive" Beobachtung der Wahrheit, der Natur und ihrer möglichst getreuen Wiedergabe vorschlug. Die Erfahrungen des spanischen Bürgerkriegs zuerst und dann des italienischen führten den Künstler zunehmend zu einem Realismus, der mit starken sozialen Inhalten verbunden ist. 1953 stellte einen wichtigen Wendepunkt für Xaviers Karriere dar: Es war das Jahr seines ausdrücklichen Festhaltens an der Poetik des sozialistischen Realismus, ein Anschluss an eine persönliche Reiseroute, auf der er seit der Vorkriegszeit "engagierte" Malerei praktizierte, mit einer deutlichen Fortschritt auf die Kunst der italienischen linken. Eine weitere grundlegende Etappe in Xaviers Karriere war die Reise nach Brasilien 1954: Von dieser Erfahrung kehrte der Künstler voller Enthusiasmus und mit einer Reihe von Tinten zurück, deren Hauptfiguren Kinder, Jugendliche, Arbeiter sind. Von diesem Moment an wurde das Thema Kindheit immer wiederkehrender, nach und nach wurden die Figuren bewegungslos, in einer Art unwirklichen Nebels, ohne gleichmäßige Tiefe, ohne perspektivische Strenge dargestellt, in dem sie wie evoziert auftauchen. Die hier präsentierte Arbeit gehört zu dieser Produktion. Zwischen 1959 und 1964 schuf Xavier den Zyklus "Kinder", Leidensbilder und melancholische Symbolwerke einer gedemütigten und unterdrückten Menschheit, die der Künstler in der Ausstellung "España libre" präsentierte. Auch seine Technik durchlief eine Entwicklung, die ihn dazu brachte, eine Verdickung des Materials zu suchen, die durch Zugabe von Sand zur Farbe verdickt wurde; auch im figurativ-portraitischen Bereich wurde der von ihm bereits in Stillleben experimentierte Einsatz von Collagen auffällig. Das Material seiner Gemälde wurde so, dass es "Fresko auf Leinwand" definierte. Arbeit im Rahmen präsentiert.

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S. Paolo Eremita und S. Antonio Abate
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ARARPI0057281

S. Paolo Eremita und S. Antonio Abate

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S. Paolo Eremita und S. Antonio Abate

Ölgemälde auf Leinwand. Lombardische Schule. Das Gemälde zeigt im Vordergrund links im Schatten von Laubbäumen die beiden Heiligen auf Felsen sitzend, die sich ein Brot teilen; St. Paulus traditionell in Tierfelle gekleidet, St. Antonius der Abt mit dem Ordensgewand und dem Gebetbuch in der Hand. Die beiden Heiligen wurden oft zusammen dargestellt, weil sie viele Gemeinsamkeiten haben: Beide lebten im dritten Jahrhundert, beide Ägypter, sehr jung, ließen all ihren Besitz zurück, um sich einem Leben in völliger Einsamkeit, einem Leben in Gebet und Armut zu widmen. Sant'Antonio Abate war einer der berühmtesten Einsiedler in der Geschichte der Kirche. Auch der heilige Paulus der Einsiedler lebte sein ganzes Leben in der Wüste in völliger Einsamkeit, so die hagiographische Erzählung, nur von dem Brot gespeist, das ihm regelmäßig eine Krähe brachte. Als sich sein Tod näherte, besuchte ihn Sant'Antonio Abate, mit dem er dieses Brot teilte. Der Landschaftskontext bezieht sich in dieser Darstellung nicht auf die Wüstengebiete Ägyptens, sondern sie sind in eine nordische, alpine Landschaft eingebettet. Rechts eine Einsiedlerlandschaft, wenn auch grün und mit einem kleinen Bach unten rechts. Das bereits restaurierte und unterfütterte Gemälde weist eine sehr deutliche Kräuselung auf. Es wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

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