Ohne Titel

Mischtechnik auf Papier. Unten rechts signiert. Enrico Scippa, ein vielseitiger Künstler, nicht nur Maler, sondern auch Bildhauer und Goldschmied, wurde am 6. Februar 1937 in Lecce geboren. Er begann seine künstlerische Karriere bereits als Student. Der 20-jährige Student verlässt die Fakultät für Wirtschaftswissenschaften, um sich an der Freien Schule für Akt in Rom einzuschreiben, der Stadt, in der er ungefähr zehn Jahre verbringt. 1966 zog er nach Brüssel, dann nach Den Haag und schließlich nach Paris. 1969 kehrte er nach Italien zurück, wo er von 1975 bis 1977 am Liceo Artistico in Florenz unterrichtete. Er stellt in zahlreichen Einzelausstellungen, Gruppenausstellungen und Preisausstellungen aus. 1976 fertigte er eine Reihe von Multiples aus Bronze und anderen Materialien an und arbeitete gleichzeitig an der Gestaltung von Gold- und Edelsteinschmuck. All diese Arbeiten führten ihn dazu, häufig nach Europa und in die USA zu reisen. Anlässlich des Besuchs des Heiligen Vaters in Lecce fertigte er auf Einladung der Provinz ein goldenes Kreuz an, das der Papst während heiliger Veranstaltungen trug. Er arbeitet seit einigen Jahren mit zahlreichen Architektur- und Kommunikationsunternehmen zusammen. Enrico Scippa hat in Einzelausstellungen sowohl in Italien als auch in Europa und in den USA in New York ausgestellt. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Vor einer Stunde 2000

Öl auf dem Tisch. Auf der Rückseite befindet sich ein Etikett der Galleria Marescalchi in Bologna mit dem Titel, dem Datum, den technischen Daten des Werkes und der Katalognummer (Kat. 91). Der in Viareggio geborene Alessandro Tofanelli absolvierte zunächst das Kunstinstitut Lucca und zog dann von 1977 bis 1980 nach Mailand, um die Brera Academy in Mailand zu besuchen, wo er in diesen Jahren als Illustrator für mehrere von Rizzoli und Mondadori herausgegebene Zeitschriften arbeitete. Es begann sich sofort zu etablieren und gewann nationale Preise; seine bildnerischen Werke werden in bedeutenden italienischen und ausländischen Kunstgalerien ausgestellt und sind Teil bedeutender privater und öffentlicher, nationaler und internationaler Sammlungen. Tofanelli hat seine bildnerische Tätigkeit immer als professioneller Fotograf und Videodokumentarist kombiniert. Zahlreiche seiner Videoarbeiten, die von den RAI-Netzwerken ausgestrahlt werden, sowie seine fotografischen Dienste wurden in Fachzeitschriften veröffentlicht. In all seinen künstlerischen Formen drückt Tofanelli die starke Verbundenheit mit der Natur aus: Eingebettet in sie, eine freundliche Natur, lebt er sie, atmet sie, macht sie zu seinem, interpretiert sie, gibt ihr eine Stimme und malt sie, verwandelt sie in Poesie und stellt sie dar eine Welt, die imaginär erscheint, aber eher eine Welt ist, die war, eine Welt für sich, eine an Träume grenzende Realität, ein Eden, in dem das Leben einfach und vom langsamen Rhythmus der täglichen Gesten geprägt ist und sich in Gegenständen des Alltags identifiziert Leben, in dem die Anwesenheit des Menschen wahrgenommen werden kann, der sein Leben und seine Geschichte erzählt, ohne ihn jemals darzustellen. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Gesicht

Malerei aus Stein. Signiert Igor And. auf der Rückseite. Der Stein verwandelt sich in ein besonderes, lebendiges und neugieriges Gesicht; seitlich weitere Dekoration mit einer Landschaft aus Himmel, Erde und Blumen. Igor Andreev,, der in 1952 in Leningrad geboren ist, ist ein russischer Künstler, der 1972, während einer Kanadareise aus der Sowjetunion floh. Er beschloss, sich in diesem neuen Leben der Kunst zu widmen. 1981 zog er nach Paris, wo er lebt und arbeitet. In seinen als Neo-Pop-Art definierten Werken verwendet er einfache Materialien und Formen, um eine positive, fröhliche und farbenfrohe Welt zu schaffen.

Ohne Titel 1964

Mischtechnik auf Papier. Links signiert und datiert. Die Arbeit gehört zur Produktion von Amilcare Rambelli aus den 1960er Jahren, einer Zeit, in der der Mailänder Künstler, Maler, Illustrator, aber vor allem Bildhauer, seine Produktion nach außen richtet, auf der Suche nach einer Einbeziehung des Umweltraums in die Beziehung zwischen Elementen des Organischen Systeme und Strukturen mechanischer Systeme: Eine Designsequenz entsteht, die in seinen Skulpturen komplexe Polymaterial-Assemblagen einleitet, in denen Stahl, Kupfer, Bronze, Aluminium, Plexiglas, Zeichnungsfragmente und Filme ein nie dagewesenes Gleichgewicht finden. Es sind Arbeiten, die zu einer geometrischen Umgebung tendieren, technisch innovativ und suggestiv sind, die den Raum in jeder Richtung mit intensiver Dynamik angreifen und die Suche nach einer Übereinstimmung zwischen dem Künstler und seiner Zeit bezeugen. In der Malerei dieser Zeit, zu der auch das hier präsentierte Werk gehört, setzt Rambelli die gleichen Projekte, die er als Bildhauer gemacht hat, auf Papier oder Leinwand um. Das Werk ist gerahmt.

Ohne Titel 1977

Acryl auf Leinwand. Auf der Rückseite die Unterschrift des Autors, das Datum 5.12.1977 und der Entstehungsort Mailand. Keizo Morishita wurde in Kitakyushu in Japan geboren, zog im Alter von 19 Jahren dank eines Stipendiums nach Italien, besuchte die Brera-Akademie in Mailand unter der Leitung von Marino Marini und machte 1968 seinen Abschluss in Bildhauerei. Später entschied er sich jedoch dafür, sich bildlich auszudrücken und entwickelte einen persönlichen Stil, der aus einer meditierten und hochkultivierten Begegnung zwischen östlicher Kultur und europäischem künstlerischem Ausdruck geboren wurde. Von den Archipelen der siebziger Jahre – zu denen das hier präsentierte Werk gehört – bis hin zu den neueren Erinnerungslandschaften präsentieren seine Gemälde ideale Landschaften von absoluter formaler Reinheit und großer chromatischer Intensität, geordnet nach einer perfekten Geometrie der Formen und eingetaucht in ein Kristallin hell. Er war der Protagonist einer intensiven Ausstellungstätigkeit in italienischen und ausländischen öffentlichen und privaten Galerien.

Flucht nach Ägypten 1991

Acryl auf Tablett. Mit Authentifizierung auf handsigniertem Foto des Autors, mit Stempel der Galerie Verlato in Mailand. Die hier präsentierte Arbeit ist Teil der reichhaltigen Werkserie, die der Künstler Cristalli aufgrund des Verweises auf die Geometrien dieser Mineralien nennt, die er als Energie- und Lichtbehälter betrachtet. Auf einem dreidimensional geformten Brett mit asymmetrischen vorstehenden Punkten, die an die Struktur eines Kristalls erinnern, malt Jori Elemente, die aus dem Hintergrund hervortreten, mit chromatischen Entscheidungen, die sich alle auf denselben Bereich beziehen, aber mit unterschiedlichen Farbtönen, um die Reflexionen des Lichts nachzuahmen. Diese Arbeit besteht aus drei Elementen unterschiedlicher Größe und Form, die horizontal nebeneinander, jedoch ohne einander zu berühren, vorgeschlagen werden: Auf dem schwarzen Hintergrund zeichnen sich die Formen einiger geometrischer Formen ab, in zunehmend helleren Grautönen bis hin zu Weiß, architektonische Strukturen, die an Häuser entlang einer Straße erinnern, den Weg, den die Heilige Familie auf der Flucht nach Ägypten gemacht hat, um von Herodes Erlösung zu suchen. Das Werk stammt aus einer bedeutenden Mailänder Privatsammlung.

Augen 1995

Öluf Leinwand. Rückseitig datiert und signiert. Der in Seregno geborene Danilo Martinis wurde bei Osvaldo Minotti ausgebildet. Als Maler und Designer hat er prestigeträchtige Residenzen auf der ganzen Welt eingerichtet, seine Werke werden besonders in den Vereinigten Arabischen Emiraten und in Russland geschätzt. Er liebt es, seine Gedanken durch grafisch-figurative Bilder auszudrücken, die durch geometrische Effekte und chromatische Spiele wiedergegeben werden, wobei er hauptsächlich weibliche Figuren als Interpreten verwendet. In dieser Arbeit schlägt er eine sehr Nahaufnahme eines weiblichen Gesichts vor, insbesondere um die Augen zu umrahmen.

Paar Tuschezeichnungen

Tusche auf Papier. Einer der beiden ist rechts unten signiert. Die Werke des russischen Künstlers Vyacheslav Sawich Mikhailov werden in renommierten Museen wie der Tretjakow-Galerie oder dem Museum of Modern Art in Moskau, dem National Museum of Russian Art, dem Museum of Nonkonformist Art in St. Petersburg ausgestellt. Er gilt als expressionistischer Autor und erschafft Szenen intensiver Dramatik mit unterschiedlichen Techniken. Das hier vorgeschlagene Design ist Teil einer Reihe von Szenen voller dramatisch ineinander verschlungener Figuren mit Körperverrenkungen, mit allegorischen Elementen und Flecken von oft roter Farbe, die an Blut erinnern. Im Rahmen.

Ohne Titel 1990

Tusche auf Papier. Unten rechts signiert und datiert. Die Werke des russischen Künstlers Vyacheslav Sawich Mikhailov werden in renommierten Museen wie der Tretjakow-Galerie oder dem Museum of Modern Art in Moskau, dem National Museum of Russian Art, dem Museum of Nonkonformist Art in St. Petersburg ausgestellt. Er gilt als expressionistischer Autor und erschafft Szenen intensiver Dramatik mit unterschiedlichen Techniken. Das hier vorgeschlagene Design ist Teil einer Reihe von Szenen voller dramatisch ineinander verschlungener Figuren mit Körperverrenkungen, mit allegorischen Elementen und oft roten Flecken, die an Blut erinnern. Im Rahmen.

Achtfarbig bedrucktes Faltplakat der Ausstellung "Vanitas: Skulls and self-portraits 1976-1986", die von November 1985 bis Januar 1996 in der Anthony d'Offay Gallery in London stattfand. Auf der Vorderseite eine Komposition aus acht "Schädeln". präsentiert von Warhol, das Symbol der Vergänglichkeit des Lebens,. in schwarz und weiß, der Titel der Ausstellung, einer kritischen Überprüfung und Katalog Andy Warhols Arbeiten an den beiden Themen Schädel und Selbstporträts auf der Rückseite. Abmessungen der offenen Broschüre: 83, 8 x 53,2 cm.

Ohne Titel 1990

Tusche auf Papier. Unten rechts signiert und datiert. Die Werke des russischen Künstlers Vyacheslav Sawich Mikhailov werden in renommierten Museen wie der Tretjakow-Galerie oder dem Museum of Modern Art in Moskau, dem National Museum of Russian Art, dem Museum of Nonkonformist Art in St. Petersburg ausgestellt. Er gilt als expressionistischer Autor und erschafft Szenen intensiver Dramatik mit unterschiedlichen Techniken. Das hier vorgeschlagene Design ist Teil einer Reihe von Szenen voller dramatisch ineinander verschlungener Figuren mit Körperverrenkungen, mit allegorischen Elementen und Flecken von oft roter Farbe, die an Blut erinnern. Im Rahmen.

Ohne Titel 1990

Tusche auf Papier. Unten rechts signiert und datiert. Die Werke des russischen Künstlers Vyacheslav Sawich Mikhailov werden in renommierten Museen wie der Tretjakow-Galerie oder dem Museum of Modern Art in Moskau, dem National Museum of Russian Art, dem Museum of Nonkonformist Art in St. Petersburg ausgestellt. Er gilt als expressionistischer Autor und erschafft Szenen intensiver Dramatik mit unterschiedlichen Techniken. Das hier vorgeschlagene Design ist Teil einer Reihe von Szenen voller dramatisch ineinander verschlungener Figuren mit Körperverrenkungen, mit allegorischen Elementen und oft roten Flecken, die an Blut erinnern. Im Rahmen.

"L.O.V.E.", 2014

Mehrfach in Beton. Seletti Limited Edition, datiert 2014, präsentiert in originaler Holzschatulle. Es ist eine Reproduktion im Maßstab 1:28 der berühmten Installation von Maurizio Cattelan auf der Piazza Affari in Mailand. Die ursprünglich 2010 entstandene Installation, die eine obszöne Geste darzustellen scheint, hat eine genaue Bedeutung: Das Akronym, das sie betitelt, bedeutet Freiheit, Hass, Rache, Ewigkeit und zeigt tatsächlich eine zum Faschistengruß ausgestreckte Hand mit vier abgetrennten Fingern, daher als Geste der Respektlosigkeit gegenüber dem faschistischen Symbol verstanden. Maurizio Cattelan ist der derzeit bestbewertete lebende italienische Künstler; Seine Werke werden in allen Museen der Welt gezeigt. Ausgehend von der Avantgarde des 20. Jahrhunderts verbindet Cattelan in seinen Werken mit einem kritischen Ansatz Leben und Kunst, Realität und Fantasie; Im Laufe der Zeit werden seine Aktionen immer sensationeller und massenmedialer, mit dem Ziel, die Avantgarde zu "sagen", aber ihre Unmöglichkeit zu "zeigen", wodurch die Avantgarde auf Nihilismus trifft. Seine Werke erwecken auf den ersten Blick ein Lächeln, verstören aber gleichzeitig den Betrachter und regen ihn zum Nachdenken an. Die in den Werken der Künstlerin verborgenen Themen sind ernst und tiefgründig: Tod, Liebe, Sinn des Lebens, Scheitern. In mehreren Arbeiten verwendet er ausgestopfte oder gefälschte Tiere, Mannequins und Wachsplastikstatuen. In einigen seiner Werke hat sich der Künstler auch selbst vertreten. L

Zitadelle 2001

Skulptur in Mischtechnik: Eisen, Holz und Fotografien. Ein international renommierter Designer, Pierluigi Rolando, studierter Textilingenieur und im Familienunternehmen vor allem in der Kaschmir-Textilindustrie etabliert, kreiert Kleidungsstücke, die er selbst als „Kaschmirskulpturen nach dem Vorbild des menschlichen Körpers“ definiert. Anfang der 1970er Jahre wechselte er mit Kollektionen für den aktiven Sport zum Design und trug zur Geburt der Fila bei. In seiner Freizeit wechselt er bildhauerische mit bildnerischen Interessen ab; er erfindet Figuren aus Styropor und Collagen aus Holz, Pappe und verschiedenen Materialien. Aber Skulptur ist seine große Leidenschaft immer: für 40 Jahre Kunst wurde „lebte hysterisch in der Freizeit“, aber seit 1993 hat Rolando gewählt , sich ihr zu widmen verschiedenen Materialien wie Terrakotta, Recycling - Eisen, Holz schlägt. verschiedene Themen, mit Fratzen mit angespannt und Leiden Ausdrücke, stark und karikiert Hände, Symbole der alten und Heldentaten einer fernen Epoche, Zeichen der Religionen und Mythologie. Seine visionäre Universum von Krieger, Führer und Kaiser bevölkert, Pferde Totems und . imaginäre Wesen seine Kunst ist suggestiv, märchen, verzaubert die Zitadelle hier vorgestellt, die auch diese Leidenschaft zum Ausdruck bringen sehr unterschiedliche Materialien zum Mischen, wurden nach dem tragischen Einsturz des Twin Towers von New York, im September 2001 erstellt: die beiden Türme, Symbole der Moderne, stehen noch intakt in einer verdrehten Metallplatte des Verfalls und des Verfalls, geschaffen durch eine verdrehte Metallplatte. Die Skulptur wird in einem Plexiglaskasten präsentiert.

Studie für Fresko 1965

Mischtechnik auf Papier. Unten sind die Unterschrift, das Datum und der Titel. Es ist eine Hommage an die große polnische Unternehmerin, Gründerin des gleichnamigen Kosmetikhauses Helena Rubinstein, die in ihrem Todesjahr angefertigt wurde. Giorgio Bellandi, geboren 1931 in Mailand, war ein sehr begabter Bühnenmaler. Schon in jungen Jahren begeisterte er sich für Kunst, besuchte die Brera Academy und wurde ein aktiver Teil des Mailänder Künstlerumfelds jener Jahre. Bellandi arbeitete als Bühnenbildner am Teatro alla Scala in Mailand und debütierte als Maler in den 1950er Jahren, indem er sich dem existentiellen Realismus anschloss, einer in der zweiten Hälfte der 1950er Jahre in Mailand sehr aktiven künstlerischen Bewegung, die zu einem der Exponenten wurde dieser Strom. Der existentielle Realismus basierte ursprünglich auf der Suche nach etwas anderem, einer Alternative sowohl zur informellen Malerei als auch zu den Auswirkungen des Existentialismus, insbesondere des politischen, der sich durch die Schäden des Zweiten Weltkriegs durchgesetzt hatte. Ideologisch war diesen Künstlern die Ablehnung von Autoritarismen und von sozialen und politischen Konformismen in einem insgesamt linksorientierten Umfeld gemeinsam. Bellandi ist ein mit Talent und Kreativität begabter Künstler, ein Liebhaber von Ausdrucksfreiheit und Schönheit, und führt Werke von interessanter Lesart mit intensiven, aber harmonischen chromatischen Tönen auf. Mit Leidenschaft für den Comer See kam er oft auf der Suche nach Entspannung und Inspiration ins Lario. '64 nahm er an der Biennale in Venedig teil und '65 wurde er zur IX. Quadriennale in Rom eingeladen. Als sehr aktiver Maler realisiert er viele Ausstellungen auf nationalem und internationalem Gebiet, bis zu seiner Krankheit, die ihm leider im Jahr 1976 zum Verhängnis wurde. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Ohne Titel

Mischtechnik auf Stoffresten, mit hinzugefügten Elementen aus verschiedenen Materialien. Die in Öl gezeichnete quadratische Leinwand zeigt die Figur einer Frau zu Pferd; der oben anzubringende Pferdeschwanz ist aus Kunsthaar dann begleitend zu dem daneben vorgeschlagenen Gemälde eine kleine rechteckige Leinwand, auf der ein Text in englischer Sprache wie ein Briefauszug geschrieben ist, und ein Keramikaschenbecher in Form eines Pferdes. Jenny Watson ist eine australische Künstlerin (geboren und ausgebildet in Melbourne), die unterschiedliche stilistische Herangehensweisen an ihre Malerei hat, indem sie eine Reihe verschiedener Materialien und Stoffe wie Samtelemente und Collagen verwendet und oft Bilder und Worte kombiniert. Die von ihr vorgeschlagenen Themen waren schon immer autobiografisch: Ausgehend von Punk- und feministischen Inspirationen erstellt Jenny Watson ein intimes Tagebuch, in dem sich Figuren und Worte zu kurzen täglichen Erzählungen verflechten. Ihre persönliche Ikonografie besteht aus Selbstporträts (die rothaarige Frau ist keine andere als die Künstlerin selbst), Pferden, Katzen, häuslichen Interieurs und Schriftzügen, die mit sehr frischen Pinselstrichen wiedergegeben werden, die sogar der Fantasie viel Raum lassen wenn die Zahlen wiedergegeben werden. in eine sehr steifen und festen Art und Weise, als ob , um das Fehlen sozialer Bewegung zu kündigen, vor allem gegenüber Frauen. Seine Arbeiten werden oft von kleinen farbigen Leinwänden begleitet, die poetische Beschreibungen seiner Arbeit zurückbringen und den Identifikationsprozess des Betrachters unmittelbar machen. Die hier vorgeschlagene Arbeit wurde im Rahmen einer Einzelausstellung von Jenny Watson 2018 in Trient im Raffaelli Art Studio mit dem Titel "Jenny around the world" präsentiert. Begleitet werden sie von Fotos, die zeigen, wie ihre Präsentation bei dieser Ausstellung durchgeführt wurde, und die Einladungskarte zur Ausstellung der Käufer der Arbeit ist ebenfalls beigefügt. Anbei ein kleiner Katalog zur Ausstellung des Künstlers, die 1993 in Como stattfand.

Ohne Titel, 1990

Gemaltes Glas auf Foto. Unterschrift und Datum auf der Rückseite. Mit Authentifizierung auf Bild mit Stempel des Ateliers, Unterschrift des Künstlers und Datum. Marco Nereo Rotelli ist ein Maler und Bildhauer aus Venedig, der seine Werke durch Einbeziehung von Philosophen, Fotografen und der Interaktion mit Poesie schafft. Im Laufe der Zeit wurde die Dichtung zu einem festen Bezugspunkt in seinen Werken. Tatsächlich beschäftigte er sich hauptsächlich mit Licht und der poetischen Dimension. Er realisierte oder nahm an der Realisierung großer Installationen in Italien und im Ausland teil. 1955.

Ohne Titel 1958

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. Das Werk von starker emotionaler Wirkung schlägt einen fast monochromatischen violetten Hintergrund vor, in den einige schwarze und weiße Striche eingefügt werden, um eine auf der linken Seite zusammengerollte Silhouette zu definieren, vielleicht eine menschliche Form, gesammelt und in sich geschlossen. Der 1934 in Viareggio geborene und bis heute lebende Maler und Bildhauer Mario Francesconi gilt als einer der wenigen Überlebenden des Dadaismus, der seit Ende der 1950er-Jahre auf einer ausgesprochen persönlichen Suche die Saisonen der italienischen und europäischen Kunst durchläuft Formen und Techniken. Ausgehend von seiner ersten Einzelausstellung im Jahr 1959 entwickelt er einen künstlerischen Weg, der verschiedene Phasen durchläuft, was oft auf eine Leidenschaft für schlechte und recycelte Materialien zurückzuführen ist. Seine künstlerische Tätigkeit bewegt sich zwischen den Bereichen Malerei, Skulptur, Collage und Installation und grenzt an die angrenzenden Bereiche der Poesie und Literatur, auch dank Freundschaften und beruflichen Beziehungen zu einigen der bedeutendsten Persönlichkeiten der intellektuellen Welt des Italieners der zweiten Hälfte des letzten Jahrhunderts, von Emilio Villa bis Cesare Garboli, von Leonardo Sciascia bis Mario Luzi, von Cesare Zavattini bis Pier Paolo Pasolini, von Alfonso Gatto bis Sandro Penna bis Venturino Venturi. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Quadrat der Malerei, 1990

Acryl an Bord. Rückseitig signiert und datiert. Mit Authentifizierung auf handsigniertem Foto des Autors, mit Stempel der Galerie Verlato in Mailand. Die hier präsentierte Arbeit ist Teil der reichhaltigen Werkserie, die der Künstler Cristalli aufgrund des Verweises auf die Geometrien dieser Mineralien nennt, die er als Energie- und Lichtbehälter betrachtet. Auf einem dreidimensional geformten Brett mit asymmetrischen vorstehenden Punkten, die an die Struktur eines Kristalls erinnern, malt Jori Elemente, die aus dem Hintergrund hervortreten, mit chromatischen Entscheidungen, die sich alle auf denselben Bereich beziehen, aber mit unterschiedlichen Farbtönen, um die Reflexionen des Lichts nachzuahmen. Das Werk stammt aus einer bedeutenden Mailänder Privatsammlung.

'Si fanno in 4 per Paolo' 2010

Dünnes Aluminiumlaminat mit Acrylfarben besprüht. Auf der Rückseite befindet sich das Selbstauskunftsformular der Arbeit, mit der Unterschrift und allen Daten (Titel, Größe, Technik, Datum und Widmung). Der Titel wird auch auf der Rückseite durch Stanzen in der Mitte ausgedrückt. "Eugenio Sgaravatti wurde in Rom geboren. Er besuchte Schulen in Italien, der Schweiz, Holland und England. Die Leidenschaft für das Reisen führte ihn in hundert verschiedene Länder und vertiefte seine humanistischen Kenntnisse. Die vielen Botschaften, die er auf seinen Reisen erhielt, beflügeln seine Berufung und drücken Sie den Künstler selbst ausschließlich widmen zu malen. Er arbeitet in seinem Atelier in der Hauptstadt in der Villa Iris in der Via Appia Antica 107. Er malt abstrakte Kompositionen und Landschaften mit einigen figürlichen Rucke. seine Werke Elemente repetitiveness enthalten, die die obsessive reflektieren und Serien Charakter des modernen Lebens Er in Ölen malt aber auch Experimente mit Acrylfarben, Polyurethanharze und Pulverpigmenten Aufgrund seiner Vielseitigkeit, die Träger variieren... Leinwand, Karton, Holz und Metall - Laminate " (Biographie von der Website des Künstlers). Arbeit im Rahmen präsentiert.