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6 cm 319 cm

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2 cm 180 cm

17 cm 150 cm

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Porträt von Eleonora Lampugnani
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Porträt von Eleonora Lampugnani

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Porträt von Eleonora Lampugnani

Ölgemälde auf Leinwand. Lombardische Schule. Die dargestellte reiche Dame wird von der identifizierenden Inschrift oben rechts begleitet, auf der "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478" steht. Es handelt sich also um Eleonora Lampugnani, die Frau von Bartolomeo Del Corno. Die Familie Lampugnani ist eine alte Patrizierfamilie aus Mailand (der Name leitet sich vom Bezirk Lampugnano ab) mit Wohnsitzen in Legnano und Busto Arsizio, der Filippo Maria Visconti (Herzog von Mailand) im 15. Jahrhundert das Lehen von Trecate zuwies. Der Ehemann der Adligen gehörte stattdessen zur adeligen piemontesischen Familie Corno (ursprünglich Del Corno genannt). Die Adlige wird stehend in einem prächtigen Kleid dargestellt, das reich bestickt und mit Spitze verziert ist. es ruht seine Hand auf einer kostbaren, in Elfenbein eingelegten Schachtel, wahrscheinlich einem Münzschrank, einem Symbol für Reichtum und Macht, überragt von einer Vase mit Blumen, eher einem Symbol für Eitelkeit. Das Gemälde hat eine alte Restaurierung an den Händen, die von geringerer Qualität sind als das Gesicht, die Kleidung und das Glas. Das Gemälde stammt aus einer alten lombardischen Sammlung. Das Datum 1478, das mit der Inschrift angegeben ist, stimmt nicht sehr mit der Kleidung des 16. Jahrhunderts überein: Nach der Geschichte der Herkunftsfamilie des Gemäldes war das Datum, das vor der letzten Restaurierung erschien, 1578, und daher wäre es eine Änderung versehentlich vom Restaurator.

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Luigi Cavenaghi
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Luigi Cavenaghi

Madonna beten

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Luigi Cavenaghi

Madonna beten

Öl auf Karton. Auf der Rückseite die handschriftliche Angabe "Bozzetto di Luigi Cavenaghi". Es ist wahrscheinlich eine vorbereitende Skizze für einen Fresko von dem berühmten Restaurator und Maler Luigi Cavenaghi: die betende Madonna in einem Spitzbogen eingesetzt ist, auf einem goldenen Hintergrund, flankierte von der lateinischen Inschrift „Ave Maria, gratia ..“, unvollständig , da nur skizzenhaft. Luigi Cavenaghi, ursprünglich aus Caravaggio (Bg), wurde in Mailand künstlerisch ausgebildet, zuerst als Restaurator, dann als Maler. Er gilt als einer der wichtigsten Restauratoren italienischer Gemälde und war in seiner langen und erfolgreichen Karriere an der Wiederherstellung wichtiger Wandgemälde beteiligt, die häufig mit "Entdeckungen" verbunden sind. Der Höhepunkt, sowohl aus technischer als auch aus konzeptioneller Sicht, war die Restaurierung des letzten Abendmahls von Leonardo da Vinci in S. Maria delle Grazie in Mailand, die 1908 entschädigungslos als Hommage an Leonardo durchgeführt wurde. Seine Bildproduktion war weitgehend mit der Tätigkeit des Restaurators verbunden und konfigurierte sich weniger als eine originelle Kreation, sondern als eine Rekonstruktion im Stil, eine fantasievolle Restaurierung, eine Kreuzung zwischen Restaurierung und Remaking. Das hier vorgeschlagene Gemälde könnte Teil dieser Produktion sein. Präsentiert werden die Rahmen aus dem späten 19.-frühen 20. Jahrhundert.

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Kain und Abel
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Kain und Abel

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Kain und Abel

Ölgemälde auf Leinwand. Mittelitalienische Schule. Von großer landschaftlicher Wirkung erzählt das Gemälde die Episode des Buches Genesis, in der die beiden Brüder Kain und Abel, die ersten Kinder von Adam und Eva und damit die Erstgeborenen menschlicher Lenden, als Protagonisten auftreten. Kain, ein Bauer, tötet seinen Bruder, weil Gott die Früchte seiner Ernte zugunsten der vom Hirten Abel geopferten Lämmer abgelehnt hatte. Die beiden werden somit jeweils Kain, der erste Mann, der geboren wird, Abel, der erste, der stirbt, sowie der erste Märtyrer in der heiligen Geschichte. Sie gelten auch als Archetyp des Brudermordes: Vor allem in dieser Eigenschaft ist ihre Geschichte sowohl in der Literatur als auch in der Bildkunst weit verbreitet. In dem hier vorgeschlagenen Gemälde, das den Höhepunkt und den tragischen Moment des Mordes darstellt, füllen die beiden Figuren die Szene wie zwei kontrastierende Figuren: Kain stehend, dunkel in Haut und Haaren, der grimmige Blick, der von intensiver Begeisterung belebt wird, wenn er seine erhebt Club bereit zu streiken; Abel auf dem Boden, der vergeblich versucht, sich zu schützen, blass in seinem bereits tödlichen Teint, seine Augen weit geöffnet in einem Ausdruck des Terrors. Die besondere Wirksamkeit der Gesichter, insbesondere die von Abel bei der geschickten Verkürzung, bezieht sich auf die Werke von Giuseppe Diamantini (1621-1705). Zwischen den beiden Körpern scheint das Licht des Freudenfeuers, das sich auf den hintersten Scheiterhaufen auf der linken Seite bezieht, aus dem ein intensives Feuer lodert, ein Symbol für die göttliche Gegenwart, aus der der Akt Kains nicht entkommen kann. Das Rendern der Vorhänge, die den Bewegungen der Körper folgen, ist ebenfalls effektiv. Restauriert und unterfüttert präsentiert sich das Gemälde in einem stilvollen, dekorierten Rahmen.

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Francesco Mantovano
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Francesco Mantovano

Blumengirlande mit Ankündigung an die Hirten

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Francesco Mantovano

Blumengirlande mit Ankündigung an die Hirten

Ölgemälde auf Leinwand. Das Gemälde ist von raffinierter Qualität und in ausgezeichnetem Zustand und zeigt eine Girlande aus bunten Blumen, die die Evangeliums-Szene der Verkündigung an die Hirten umrahmt. Die Arbeit wird begleitet von der Expertise von Dr. Gianluca Bocchi, der es der Produktion von Francesco Caldei zuschreibt, bekannt als Mantovano aus seiner Heimatstadt. Mantovano wurde künstlerisch in Rom gegründet, wo er von 1613 bis 1625 blieb und eine blühende Ausbildung erhielt. Tatsächlich besteht seine Produktion hauptsächlich aus Vasen mit Blumen. Nach seinem Umzug nach Venedig, wo er bis zu seinem Tod blieb, importierte Il Mantovano die von ihm erworbenen römischen Bildkanone in die Stadt, insbesondere das Versagen der botanischen Darstellungen, aber auch die Typologie der Girlande, aus der die römischen Künstler gezogen hatten die flämische Tradition. Die Herstellung von Girlanden beinhaltete die Aufnahme von Figurenszenen mit einem mythologischen oder heiligen Thema, die oft in Zusammenarbeit mit Figurenmalern hergestellt wurden, auf die selbst die Mantuaner nicht verachteten. Die Szene der Ankündigung an die Hirten in diesem Gemälde bezieht sich ganz genau auf das gleichnamige Werk von Jacopo da Bassano (1515-1592), dessen bukolische Produktion so erfolgreich war, dass sie von den Söhnen desselben Künstlers in zahlreichen Exemplaren erneut vorgeschlagen wurde und in zahlreichen Stichen in ganz Europa zirkulierenden, die mehrere andere Künstler erlaubt Inspiration daraus zu ziehen, wie wahrscheinlich die Mantovano tat. Es kann daher der Schluss gezogen werden, dass es sich bei der hier vorgestellten Arbeit um ein Gemälde von Francesco Mantovano handelt, das zwischen 1640 und 1650 in Venedig entstanden ist. Das Gemälde wurde in der Antike unterfüttert. Es wird in einem Rahmen aus dem 18. Jahrhundert präsentiert, der angepasst und überarbeitet wurde. Auf der Rückseite befinden sich Etiketten, die den Übergang der Arbeiten auf dem französischen Markt des 19. Jahrhunderts dokumentieren.

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Xavier Bueno
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Xavier Bueno

Junge, 1966

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Xavier Bueno

Junge, 1966

Öl auf Leinwandkarton. Unten links signiert. Weitere Unterschrift, Datum und Titel auf der Rückseite. Nach seiner Kindheit in Spanien, seiner Heimat Genf und Paris, zog Xavier Bueno 1940 nach Italien in Fiesole, wo er sich mit seinem Bruder Antonio, Pietro Annigoni und Gregorio Sciltian zusammenschloss. an die Gruppe der "Modern Painters of Reality", deren Manifest eine "objektive" Beobachtung der Wahrheit, der Natur und ihrer möglichst getreuen Reproduktion vorschlug. Die Erfahrung des spanischen und des italienischen Bürgerkriegs führte den Künstler zunehmend zu einem Realismus, der mit Gründen starken sozialen Inhalts verbunden war. 1953 war ein wichtiger Wendepunkt für Xaviers Karriere: Es war das Jahr seiner ausdrücklichen Einhaltung der Poetik des sozialistischen Realismus, eine Anhaftung, die nach einer persönlichen Reiseroute erfolgte, bei der er seit der Vorkriegszeit "engagierte" Malerei praktizierte, mit einem deutlichen Fortschritt auf die Kunst der italienischen linken. Eine weitere grundlegende Etappe in Xaviers Karriere war die Reise nach Brasilien im Jahr 1954: Der Künstler kehrte von dieser Erfahrung voller Begeisterung und mit einer Reihe von Tinten zurück, deren Hauptakteure Kinder, Jugendliche und Arbeiter sind. Von diesem Moment an wurde das Thema Kindheit immer wiederkehrender, nach und nach wurden die Figuren bewegungslos dargestellt, in einer Art unwirklichem Nebel, ohne gleichmäßige Tiefe, ohne perspektivische Strenge, in dem sie als evoziert auftauchen. Die hier vorgestellte Arbeit gehört zu dieser Produktion. Zwischen 1959 und 1964 schuf Xavier den Zyklus "Kinder", der Bilder und melancholische symbolische Werke einer gedemütigten und unterdrückten Menschheit erleidet, den der Künstler auf der Ausstellung "España libre" präsentierte. Seine Technik erfuhr auch eine Entwicklung, die ihn dazu veranlasste, eine Verdickung des Materials anzustreben, die durch Zugabe von Sand zur Farbe verdickt wurde. Die Verwendung von Collagen, die er bereits in Stillleben experimentiert hatte, wurde auch im Bereich der figurativen Porträtmalerei auffällig. Das Material seiner Bilder wurde so, dass sie als "Fresko auf Leinwand" definiert wurden. Arbeit im Rahmen präsentiert.

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