PINTURAS EN LINEA | GALERÍA DE ARTE ANTIGUO Y CONTEMPORÁNEO

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela española del siglo XIX. La joven, que viste una capa negra sobre un alegre vestido amarillo y blanco, tiene una rosa clavada en una oreja y luce unos elegantes pendientes colgantes con relieve; en su mano sostiene una máscara negra, alejada de su rostro, de la cual también retira la capucha con la otra mano, para revelarse sonriente y tal vez incluso un poco traviesa. Un cielo de nubes grises se abre en una mancha azul para rodear la figura, que destaca con fuerza. El cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Antigua Ciociara 1910

Pasteles sobre papel. Firmado y fechado abajo a la derecha. En el reverso hay una cartela con el título y la etiqueta de la Galería de Arte Bolzani de Milán. Antonio Mancini fue un pintor realista, formado en la escuela napolitana de Morelli y Palizzi y posteriormente en París. Se dedicó principalmente al retrato y a escenas de género de gusto popular o anecdótico, pero si en un primer periodo se acercó al naturalismo decimonónico que le llevó a retratar personajes populares impregnados de tristeza (sus pilluelos de la calle), en un periodo posterior se Comenzó a experimentar diferentes técnicas, recurriendo a vívidos destellos de luz, colocados sobre el lienzo en masas de color violento y flujos brillantes, llegando incluso al uso de materiales extrapictóricos, como vidrios coloreados, y proponiendo figuras agitadas, a veces con disfraces imaginativos. , una expresión de su fuerte angustia mental. Este dibujo, que pertenece a una producción posterior, presenta el rostro de una mujer anciana (Ciociara como título), representada de perfil y rodeada de toques de color que crean un halo lleno de matices y vida. La obra se presenta en un marco contemporáneo (con pequeños defectos).

Autorretrato Londres 1968

Técnica mixta sobre papel, aplicada a la mesa. Firmado abajo a la derecha. A la izquierda la ubicación ("London South Edwardes Square") y la fecha. En el reverso hay sellos de la Galería de Arte Cortina de Milán. En esta galería Annigoni expuso en 1968, en una muestra que tuvo mucho éxito. Retratista renacido, definido como "el pintor de las reinas", por los retratos de la realeza y de otras figuras importantes de la escena política internacional, Pietro Annigoni retrató también a personas corrientes, de las que intentó trasladar a la obra no sólo la apariencia exterior sino también la 'interioridad'. El tema del autorretrato fue para Annigoni una piedra angular de su carrera, un excelente ejercicio de técnica en la representación del rostro pero también una investigación psicológica introspectiva. Realizó varios autorretratos en distintas épocas, muy diferentes entre sí, para expresar la mirada diferente que el artista tenía sobre sí mismo. En el que aquí se propone, Annigoni se representa a sí mismo en la sombra, con los rasgos faciales mal definidos, pero frente al caballete, con el brazo convirtiéndose en uno con el lienzo que pinta; su figura está inscrita en un óvalo pintado como un marco de mármol apoyado sobre un estante, casi como si de un altar conmemorativo se tratase. La obra se presenta en un marco.

Amárico (cifras etíopes) década de 1930

Lápiz sobre papel. Firma, título y ubicación abajo a la derecha. En la segunda mitad de la década de 1930, Contardo Barbieri partió como voluntario para la campaña en África Oriental. De esta época hay algunas obras que proponen temas orientales, como estos personajes del pueblo etíope llamados amáricos por ser nativos de Amhara, región del centro-norte de Etiopía donde se encuentra la ciudad de Dessié. En el marco de.

Pintura al óleo sobre lienzo. La identificación de la santa viene dada por la presencia de la gran rueda de madera, símbolo del instrumento de su martirio. Por lo general, la santa se representa con una corona en la cabeza y vestida con ropas reales para subrayar sus orígenes principescos. En cambio aquí tenemos una representación atípica de ella, con el pelo suelto, cubierta sólo por un gran manto rojo (el color de la sangre, por tanto de la humanidad mortal) que cae de sus hombros y la obliga a cubrirse los pechos con las manos; su mirada se dirige hacia arriba, donde los cielos se abren y desciende un ángel que sostiene con una mano la palma del martirio y con la otra coloca sobre su cabeza una corona de flores, símbolo de su matrimonio místico con Cristo. Se trata, pues, de una representación que la ve en el momento del paso a la vida eterna, similar a una Magdalena penitente en adoración mística, que se ofrece a Cristo sin ningún reconocimiento humano. Destacan en el cuadro las elecciones cromáticas, que sobre un fondo oscuro y lúgubre resaltan el rojo del cielo abierto y del manto, y la blancura de la carne, tanto de la mujer como del ángel. El lienzo, ya restaurado y reforrado, se presenta en un marco trabajado de finales del siglo XIX, con algunos defectos.

Pintura al óleo sobre lienzo. Las figuras sagradas están representadas en gloria, es decir, sentadas en el cielo y rodeadas de ángeles. María, coronada de estrellas, sostiene sobre sus rodillas al Niño Jesús, quien extiende su manita hacia el Santo arrodillado frente a ellos; Catalina, vestida con hábito dominicano y con la corona de espinas en la cabeza, extiende a su vez su mano sosteniendo el Rosario hacia Jesús, para unirse a Él en un matrimonio místico, que la Virgen sanciona con la corona de flores que quiere colocar. en la cabeza de la novia. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Las nueve musas

Jugo de hierba. La palabra Euterp aparece en la parte inferior derecha. El enorme jugo de hierba representa a las nueve Musas, divinidades femeninas griegas, todas hermanas, como hijas de Zeus y Mnemosyne, y teniendo como guía al dios Apolo. Representaban el ideal supremo del Arte, entendido como la verdad del "Todo" o la "eterna magnificencia de lo divino". Inicialmente consideradas de forma genérica como divinidades del canto y de las danzas alegres, encargadas de poner en música y en verso historias como el origen del mundo, el nacimiento de los dioses y de los hombres, las hazañas de Zeus, y frecuentemente representadas acompañadas de diversos instrumentos musicales. , a partir de la época helenística se les asociaron todas las expresiones cantosas y musicales, incluidas las tristes y funerarias, y otras artes como el teatro, y cada una de ellas se asoció a un género artístico específico, de modo que podían ser invocadas individualmente. para ejercer su inspiración y protección. La palabra "Euterp" hace referencia al nombre de uno de ellos, Euterpe, musa de la poesía lírica y de la música, representada tradicionalmente con una flauta; pero el nombre Euterpe significa etimológicamente "La que alegra", la que trae alegría, por lo que se puede pensar que la elección de este nombre para titular el tapiz se refiere a la función más antigua de las Musas, la de traer alegría a través del arte. En esta presentación, las musas aparecen bailando, ataviadas con velos y ramas floridas; en sus manos o colocados junto a ellas, aparecen instrumentos u otros objetos que simbolizan el arte que inspiran (máscaras teatrales tanto trágicas como cómicas, la paleta pictórica, instrumentos musicales diversos...). El cuadro de gran tamaño tiene signos de desgaste y manchas de humedad.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. La escena alegórica presenta a una mujer ligera de ropa sentada en el regazo de un hombre, cerca de una mesa dispuesta con una jarra, un cáliz, una tabaquera y un cigarro encendido. Los dos personajes adoptan una actitud de complicidad lúdica, ambos decididos a fumar en una larga pipa. El fondo ofrece un paisaje frondoso. Las figuras y objetos hacen referencia a los placeres materiales y carnales de la vida, fumar, beber, la compañía femenina; Los personajes sonrosados ​​y regordetes recuerdan también el placer de la buena comida. Estos temas fueron recurrentes en la pintura flamenca o, más generalmente, nórdica, que los propuso de una manera irónica y seductora. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Bordado sobre tela de algodón. Japón, período Meiji (1868 -1912). El gran panel de tela de algodón bordado ofrece un tema naturalista: águilas y otras aves aparecen representadas entre montañas estilizadas y ramas de pino y glicina. El bordado se presenta en marco estilo.

Desnudo femenino 1912

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. Preciosa composición con una figura femenina desnuda sobre la cama, mirando una rosa colocada frente a ella, un pequeño espejo en la mano, un bonito jarrón sobre la mesita de al lado. Es obra del pintor húngaro Papp Bertalan, que se dedicó principalmente a retratos y naturalezas muertas, y que murió joven después de haber alcanzado ya un buen éxito. El cuadro se presenta en un marco dorado de mediados del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. La pintura representa el rostro de un santo anciano, sosteniendo un lirio, símbolo de pureza, mientras lee un libro grande, presumiblemente un texto sagrado. Se supone que se trata de una representación de San José: si la tradición suele tenerlo representado con el Niño Jesús en brazos, a partir del Renacimiento se empezó a representar también a José absorto en la lectura de un libro, bajo la apariencia de un "filósofo", o de un hombre. quien obtuvo la sabiduría de saber tomar decisiones correctas y sabias al leer los textos sagrados. La obra se presenta en un marco contemporáneo.

Óleo sobre tabla. El pequeño vistazo representa un paisaje boscoso, frondoso y sombreado, en el que varias figuras pasean y se divierten. En la parte inferior central aparece la firma AJ Garnier, que hace referencia al artista francés Alfred Jean Garnier (1848 -1908), esmaltador, pintor y grabador. La pintura se presenta en un marco de época.

Retratos de niños 1930

Fotografías retocadas con pasteles. Firmado abajo a la derecha. En el reverso de tres de ellos figura la fecha 11 de noviembre de 1930. Se muestra una secuencia fotográfica del retrato de tres niños, que cambian ligeramente de pose o expresión. Son obra de la fotógrafa británica Eva Barrett quien, tras una primera experiencia como pintora, decidió dedicarse a la fotografía pensando que "era mejor ser una fotógrafa de primera que una [pintora] de segunda". Tras trasladarse a Roma en 1913, instaló aquí su laboratorio. Pictorialista, con una pequeña cámara, Eva Barrett creó un método fotográfico propio que recordaba al dibujo: aplicaba unos trazos de lápiz muy ligeros, consiguiendo crear imágenes tenues pero con negros especialmente densos, manteniendo así las características de la fotografía y el retrato. De esta manera tuvo mucho éxito y su carrera despegó. Eva Barrett fotografió a la familia real italiana, a las esposas y a los hijos de embajadores extranjeros, y también recibió numerosos encargos de la realeza europea en Bélgica, Suecia y Grecia. Los cuatro retratos se presentan en marcos de estilo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Retrato de una mujer de mediana edad, vestida enteramente de negro, quizás de luto. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela francesa. En la parte inferior izquierda están la firma y la fecha escritas al revés; la firma se puede leer como H. Faillade. En la parte inferior derecha está la escritura en latín "¡¡¡Quando ex exilio redibit!!!" (¡Cuando regrese del exilio!). Este escrito subraya el vínculo del hombre retratado con el joven general representado en el pequeño cuadro que sostiene en la mano, probablemente pariente suyo y vinculado a la monarquía de Carlos, último soberano de la dinastía Borbón-Francia, absolutista y antiliberal. monarca, derrocado del trono y huido al exilio en 1830 durante la Revolución de Julio, conocida como Segunda Revolución Francesa. La pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena se desarrolla cerca de un campamento militar: frente a una tienda de campaña, a la izquierda, un líder del ejército, probablemente griego, recibe ofrendas de un grupo de hombres, pobres y harapientos, que se postran ante el nuevo maestro; el primero extiende unas hogazas de pan, otro saca algo de un costal, el tercero muestra las heridas de su cuerpo para pedir misericordia; detrás de ellos se acercan otras figuras de mendigos, formando una línea dispersa en el camino que se pierde en la distancia a la derecha. Al fondo, a la izquierda, la vida en el campamento militar es muy animada. La pintura ha sido restaurada y revestida.

Paisaje fluvial con figuras 1878

Acuarela y lápiz sobre papel. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Conocemos varias vistas de paisajes de la campiña inglesa del pintor inglés Henry Clifford Warren, en su mayoría pintadas en acuarela. Aquí hay una vista de un campo boscoso atravesado por un ancho río, con un pastor llevando a sus vacas a pastar en la colina en primer plano. Presentado en un marco.

Naturaleza muerta con juego

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Al reverso, cartela de galería con los datos de la obra. Alfio Paolo Graziani optó por la fiel transposición de la realidad a sus lienzos, creando composiciones casi hiperrealistas debido a la precisión en la reproducción de los distintos materiales y superficies, así como a los efectos de la luz que incide sobre ellos. Apodado "Príncipe de las Flores" por la abundante producción de composiciones florales, también creó paisajes, retratos y naturalezas muertas, como la obra que aquí presentamos, que presenta un rincón del cazador, donde se añaden las presas cazadas, esparcidas desordenadamente sobre una superficie de apoyo. , los restos de la salida de caza (el rifle, el cuerno, algunos casquillos, restos de algunos pertrechos). La obra se presenta en un marco contemporáneo.