Bucólico paisaje con Ruinas

Aceite sobre la mesa. Escuela del norte de Europa del siglo XVII. La escena representa un episodio de la vida de Escipión narrado por Tito Livio y Valerio Massimo. Publius Cornelius Scipio, más tarde conocido como Scipio the African, en 209 a. durante la campaña española, tras la toma de Cartagena recibió como regalo personal una hermosa virgen, que estaba en el grupo de rehenes. Pero él, escuchando las súplicas de su familia, la respetó enviándola de regreso con sus padres y prometido, con la única recomendación de que su prometido trabajara por la paz entre Roma y Cartago. En la representación Escipión está en el centro, sentado en su trono, y se vuelve hacia la izquierda, hacia los suplicantes padres de la niña, mientras con un gesto misericordioso les indica que retomen a su hija, de pie a la derecha, flanqueada por su novio. A su alrededor, soldados y seguidores del rey. La escena está llena de figuras, luminosas y coloridas, y subraya la positividad del rey, un personaje central y poderoso, pero capaz de mansedumbre y clemencia. El cuadro restaurado ha sido reforzado en el reverso con listones de madera. Se presenta en un elegante marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la bella composición se puede ver, descansando sobre un aparador de madera con incrustaciones, una cesta llena de cerezas, algunas de las cuales están esparcidas por encima, y un plato lleno de grosellas rojas, mezcladas con hojas y algunas flores de cerezo. Un jilguero descansa sobre el asa de la cesta; para enmarcar la composición, a la derecha un gran ramo de flores multicolores en un jarrón, a la izquierda una cortina roja. Destacan los colores vivos de las frutas, las flores y la cortina, mientras que el armario de apoyo se funde con el fondo oscuro, al igual que el pajarito, distinguible del fondo oscuro sólo por el plumaje blanco de las alas y el contorno rojo de la ojos. La obra forma parte de la gran producción emiliana del siglo XVII de este tipo de tema altamente decorativo. El cuadro, restaurado y reasentado, presenta una marcada fisura y gotas de color en los bordes.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. La representación de la Natividad se ve aquí como un momento contemplativo del Santo Niño, por María y José, acompañados de angelitos. Los caminos pictóricos retoman los de modelos ampliamente replicados, partiendo de Correggio, de Barocci, para llegar a las numerosas versiones de Gherardo delle notte, o del pintor flamenco Gerard Von Honthorst, representante del tenebrismo, corriente pictórica que jugaba con fuertes contrastes de tinieblas. y la luz, la luz y la oscuridad. También en esta obra, la luz irradiada por el Niño Jesús ilumina las figuras que lo rodean y las hace emerger de la oscuridad circundante. La obra restaurada y revestida se presenta en un marco del siglo XIX.

El almuerzo de Fraticelli

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela genovesa del siglo XVIII. Dentro de una gran sala con ventanas arqueadas que dan a la calle, un grupo de frailes sentados en el suelo comparten una comida sencilla, colocada sobre un paño blanco. La escena hace referencia a la esfera de Alessandro Magnasco conocido como Lissandrino (1667-1749), artista genovés considerado uno de los pintores más originales del siglo XVIII italiano, que se distinguió en la pintura de género popular y, en particular, en la producción de escenas de la vida de capuchino o frailes Camaldolese participan en las actividades más variadas, desde el estudio en la biblioteca a la confesión, a partir del trabajo de los sacapuntas o carpinteros en los talleres convento para el recuerdo simple en torno al fuego: en estas obras se puede apreciar todo la libertad expresiva del pincel del artista. se desplaza sobre el lienzo con toques rápidos para describir las llamas, chimeneas, gatos, libros, perros, cuencos pobres, lentes, libros, pobres ropas remendadas, sillas y taburetes, en definitiva, un mundo al día toda la gestos y cosas construidas con una técnica muy especial e inconfundible, constituidos por una mezcla de colores vivos y casi todos jugados en blanco y negro, en el que unos pocos trazos, hábiles de descenso de luz para dar forma y consis tencia a las huesudas figuras de los monjes. El autor de la obra aquí propuesta ciertamente se formó en el contexto de Magnasco y se inspiró en su estilo, aunque más sosegado, sin los destellos y la libertad interpretativa, muchas veces irreverentes o irónicas, hacia las figuras de los frailes; supo retomar el juego de claroscuro, luces y sombras, que fluyen de un monocromo en tonos marrones, creando aún una obra de excelente calidad pictórica. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Temple sobre papel, aplicado sobre tableros duros. El episodio bíblico narrado en el libro del Éxodo cuenta cómo el joven Moisés, todavía en la corte del faraón de Egipto, defiende a las siete hijas del sacerdote Jetro, molestadas por unos pastores madianitas mientras sacan agua del bien. Tras esta intervención, Moisés recibirá como esposa a una de las hijas de Jetro, Sefora. Sujeto ampliamente replanteado en el arte, se presenta aquí con especial atención al componente del retrato, con una particular exacerbación de los rasgos expresivos, tanto en los rostros como en las poses, de los personajes. La escena es muy viva, con la figura de Moisés en el centro, vigorosa y combativa, que divide el campo en dos: a su izquierda las siete muchachas, cada una caracterizada por un comportamiento diferente; a la derecha los pastores importunos, que sufren la ira de Moisés. Al fondo, un paisaje típico de las producciones del siglo XVIII, con una ruina arquitectónica detrás del pozo. La obra se presenta en un marco de estilo.