Santos Nazario y Celso

Temple aceitosa sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. Se cree que las cuatro grandes obras formaron parte del aparato decorativo de un gran palacio. La técnica empleada - un temple untuoso aplicado sobre lienzo con una preparación muy ligera y un rayado rápido sin referencias precisas de las figuras - subraya la rapidez de ejecución, orientada a obtener obras con fines puramente decorativos en poco tiempo. Los cuatro grandes retratos muestran las figuras de reyes, reconocibles por diferentes atributos reales (coronas, cetros, mantos reales), pero representados como líderes, por lo tanto con armaduras y / o armas. La peculiaridad es que los personajes pertenecen a diferentes épocas y orígenes geográficos, como para rendir homenaje a las grandes figuras reales de la historia. La identificación de los personajes no es segura, aunque es posible hipotetizar algunos nombres: el rey con la corona de pobre metal pero con cúspides muy puntiagudas, que sostiene una espada con empuñadura en forma de cabeza de pájaro y está cubierta con un manto de tela tosca y una coraza sencilla de la que brotan elementos de piel, podría ser Atila, el rey de los hunos; la figura oriental, con un turbante adornado con piedras preciosas, podría ser un sultán otomano, como Suleiman; el guerrero con la armadura característica de la antigua Grecia, con el casco coronado por un dragón y el peto ricamente decorado con frisos, podría ser Alejandro Magno; Finalmente, el joven rey en armadura completa y coronada con un "sombrero de armas" casco, debido a sus características fisonómicas, se pudo identificar en Pedro I el Grande, zar de Rusia (1672-1725), aquí en un joven retrato. Las cuatro pinturas, aún en el primer lienzo, muestran huellas de restauraciones y adiciones, con algunos pequeños parches en el reverso. Provienen de una colección histórica boloñesa. Se presentan en marcos estilizados.

Paisaje nevado con figuras 1872

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado, fechado en 1872 y ubicado en Parma en el ángulo inferior derecho. Se trata de un gran paisaje invernal de fuerte impacto escénico, que encaja bien en el tradicionalismo escenográfico de la pintura de Mentore Silvani, artista nativo de Traversetolo (Parma), paisajista pero también conocido como escenógrafo. En la escena, salpicada por el blanco de una corta nevada que crea esa típica atmósfera invernal enrarecida y silenciosa, entre árboles desnudos y secos, un camino de terracería serpentea atravesado por un viajero; a la derecha un edificio en ruinas con un lavadero donde una mujer saca agua; en el centro una pequeña columna sobre la que está montada una imagen sagrada. Formado en su ciudad natal, Silvani participó en las exposiciones del Estímulo de Parma a partir de 1864, y es principalmente en su ciudad donde sus obras se encuentran hoy (en el Municipio de Parma, la Galería Nacional, la escuela secundaria artística Paolo Toschi) ; sin embargo, también expuso en Milán (1872) y Florencia (1875). Formado como escenógrafo en la escuela de Gerolamo Magnani, Silvani ocupó este cargo en Parma pero también en Venecia a partir de 1871. Su producción pictórica, que incluye principalmente paisajes rurales de la campiña de Parma, se caracteriza siempre por la fidelidad a la realidad. El trabajo propuesto aquí se presenta en un marco contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Mediados del siglo XIX. La gran escena narra un episodio histórico no identificado, ambientado en la época del Renacimiento, en el que un arzobispo escucha la súplica de un joven en armas, acompañado de su madre, que apoya su súplica. El escenario es el interior de la sala de recepción del alto prelado, presumiblemente en el palacio del obispo, que desde la logia del fondo se asoma a la Catedral, cuya cúpula se vislumbra; el obispo está rodeado de sus subordinados y guardias, mientras asisten diferentes personas del pueblo. Particular es la presencia del hombre sentado en primer plano a la izquierda, que mira hacia el espectador y señala la escena, como si la estuviera contando. La atmósfera se juega con los contrastes entre luces y sombras, entre los colores brillantes de los personajes dominantes frente a los tonos apagados y difusos de las figuras circundantes, que literalmente tienden a desaparecer en las sombras en los límites de la escena. La obra forma parte de esa gran producción decimonónica que se nutre del tema histórico o literario, replanteándolo en clave romántica. El cuadro, restaurado y reasentado, se presenta en un marco importante de la segunda mitad del siglo XIX, con algunas carencias.

Pintura al óleo sobre lienzo. Siglo xix. Una mirada sugerente a la laguna de Venecia, con barcos pesqueros de velas vivas en el centro, y al fondo el perfil de la ciudad sobre el que destaca a la derecha el campanario de la basílica de San Marco. El tema de los colores y las atmósferas cálidas, la nitidez y la minuciosa descripción de los detalles, recuerda algunas obras de la pintora Antonietta Brandeis (1848-1926), conocida paisajista ucraniana que estudió arte en Venecia y fue la autora de pinturas arquitectónicas con destellos detallados de ciudades italianas. No es atribuible a ella (quien suele firmar sus obras), sino que remite a una autora contemporánea igualmente eficaz. La pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Virgen con el niño

Aceite en la mesa. En el centro, en el borde del vestido rojo, está escrito en letra antigua "G.Beltrami fecit". Hermosa composición en estilo neorrenacentista, la obra se remonta al artista Giovanni Beltrami quien, a raíz de la corriente en boga en el siglo XIX que replanteó los estilos artísticos del siglo XV-XVI, incursionó en este mesa con un tema sagrado. Pintor, ilustrador y crítico de arte milanés, además de amante de la pintura sobre vidrio y el mosaico, Il Beltrami creció en el Milán de la Scapigliatura, buscando con su estilo una mediación entre las tendencias modernas y la tradición. En el campo pictórico se consagró sobre todo como paisajista, pero siempre fue considerado un artista de gran y variado talento, que incluyó en su repertorio numerosas obras de temática sagrada, especialmente como decorador de interiores e iglesias. La pintura se presenta en un bello marco coetáneo, una pequeña capilla, dorada y con una decoración superior.