Retrato de una mujer joven 1666

Temple sobre papel, aplicado sobre tableros duros. El episodio bíblico narrado en el libro del Éxodo cuenta cómo el joven Moisés, todavía en la corte del faraón de Egipto, defiende a las siete hijas del sacerdote Jetro, molestadas por unos pastores madianitas mientras sacan agua del bien. Tras esta intervención, Moisés recibirá como esposa a una de las hijas de Jetro, Sefora. Sujeto ampliamente replanteado en el arte, se presenta aquí con especial atención al componente del retrato, con una particular exacerbación de los rasgos expresivos, tanto en los rostros como en las poses, de los personajes. La escena es muy viva, con la figura de Moisés en el centro, vigorosa y combativa, que divide el campo en dos: a su izquierda las siete muchachas, cada una caracterizada por un comportamiento diferente; a la derecha los pastores importunos, que sufren la ira de Moisés. Al fondo, un paisaje típico de las producciones del siglo XVIII, con una ruina arquitectónica detrás del pozo. La obra se presenta en un marco de estilo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. El cuadro representa en primer plano a la izquierda, a la sombra de frondosos árboles, a los dos santos sentados en las rocas, compartiendo un pan; San Pablo vestido tradicionalmente con pieles de animales, San Antonio el abad con el hábito de la orden y el libro de oraciones en la mano. Los dos santos se han representado a menudo juntos porque tienen muchos rasgos en común: ambos vivieron en el siglo III, ambos egipcios, muy jóvenes dejaron todas sus propiedades para dedicarse a una vida de completa soledad, viviendo en oración y pobreza. Sant'Antonio Abate fue uno de los ermitaños más famosos de la historia de la Iglesia. San Pablo Ermitaño también vivió toda su vida en el desierto en completa soledad, según el relato hagiográfico, alimentado únicamente del pan que le traía regularmente un cuervo. A medida que se acercaba su muerte recibió la visita de Sant'Antonio Abate, con quien compartió este pan. En esta representación, el contexto del paisaje no se refiere a las tierras desérticas de Egipto, sino que se ubican en un paisaje alpino nórdico. A la derecha un paisaje ermitaño, aunque verde y con un pequeño riachuelo en la parte inferior derecha. La pintura, ya restaurada y revestida, tiene un rizado muy evidente. Se presenta en un marco elegante.

Pintura al óleo sobre lienzo. Intenso y de calidad, el cuadro representa a un monarca de la casa real de Escocia. Alrededor del retrato, en un marco ovalado pintado, hay algunas escrituras: el nombre Rober (t) aparece en la parte superior izquierda, el título Rex en la parte inferior izquierda y la abreviatura Scot a la derecha, que significa Scotorum; la escritura en la parte superior derecha no es identificable, pero parece ser un acrónimo. El hombre retratado viste un sombrero y una chaqueta adornada con piel de armiño, considerada la piel más noble reservada a la realeza. Lleva un colgante de oro alrededor del cuello, que representa dos hojas con el fruto del cardo, que en heráldica simboliza Escocia. Por tanto, la escritura y el colgante se refieren a un Roberto de Escocia, probablemente de la dinastía que reinó en el siglo XIV. El retrato también se realizó en el período romántico del siglo XIX, probablemente utilizando algunos grabados antiguos como inspiración. Restaurado y revestido, se presenta en un marco de época.

Paisaje fluvial con pastora infantil y rebaños

Pintura al óleo sobre lienzo. La pintura está acompañada por la experiencia de dos historiadores del arte, el dr. Dario Succi y la Dra. Federica Spadotto. Ambos confirman la atribución del cuadro a Giuseppe Zais, "el maestro de Belluno reconocido unánimemente como uno de los más originales y genuinos intérpretes del gran paisaje veneciano del siglo XVII". En el paisaje, bajo las ramas de un árbol que enmarca la izquierda y con el fondo de montañas azules, una pastora y su pequeño hijo destacan en primer plano, haciendo que sus animales (ovejas y vacas) rieguen del río. El Zais, tras una formación inicial en su país natal en la escuela de su compatriota Marco Ricci, que se trasladó a Venecia en 1732, pronto pasó a formar parte de las filas de los arquitectos paisajistas de lagunas, apreciados y contratados para grandes obras decorativas en los palacios de la ciudad. En la década de 1970 el Zais abandonó esta producción y optó por dedicarse solo a obras pequeñas, que reflejaban una adhesión al mundo de los humildes y una dimensión contemplativa del pasado, raramente sujetos presentes en las pinturas de importantes clientes. El trabajo que aquí se presenta se puede considerar un ejemplo de esta última fase creativa, de acuerdo con los historiadores del arte en los años 70 del siglo XVIII: el Zais propone un paisaje faldas en lugar estéril, donde la pastora seguido por su pequeño hijo jugar el su asignación, sin cualquier concesión a una belleza ideal, sino más bien con un recordatorio de una vida real precisa, dura, sencilla, hecha de esfuerzo y cariño al mismo tiempo. Incluso los colores del lienzo realzan la empatía del artista por el mundo que representa: los cálidos tonos dorados del paisaje, iluminados por el azul de los picos distantes que reverberan el del cielo, envuelven las figuras humanas y animales en primer plano, que surgen gracias a las pinceladas de materiales y colores más brillantes, pero no brillantes, especialmente en la lana de los animales y con ropa de mujer. También son peculiares de los Zais los rostros, redondos y llenos, con rasgos que se repiten siempre idénticos en las figuras campesinas de sus obras, asociadas a cuerpos torneados, vestidos con ropas que parecen papel maché. La obra muestra signos de restauración, aunque todavía en el primer lienzo. En la parte posterior hay una inscripción en alemán con el nombre del propietario anterior y la fecha "Navidad de 1977". Se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX, con pequeñas grietas y carencias.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. La representación de la Natividad se ve aquí como un momento contemplativo del Santo Niño, por María y José, acompañados de angelitos. Los caminos pictóricos retoman los de modelos ampliamente replicados, partiendo de Correggio, de Barocci, para llegar a las numerosas versiones de Gherardo delle notte, o del pintor flamenco Gerard Von Honthorst, representante del tenebrismo, corriente pictórica que jugaba con fuertes contrastes de tinieblas. y la luz, la luz y la oscuridad. También en esta obra, la luz irradiada por el Niño Jesús ilumina las figuras que lo rodean y las hace emerger de la oscuridad circundante. La obra restaurada y revestida se presenta en un marco del siglo XIX.