Carlos Antonio Crespi - Bodegón con flores Plato de frutas con salami...

bodegón con flores frutas un loro y juego

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran composición es rica en numerosos elementos diferentes: en el centro destaca una gran composición floral, de múltiples variedades en vivos colores; a la izquierda de las flores, descansando sobre un capitel dórico, hay un periquito de vivos colores que contrastan con los apagados de los pájaros que yacen en el suelo, junto a unas calabazas y un jarrón de peltre. Según el experto en arte dr. Gianluca Bocchi (cuya experiencia se adjunta), la obra se remonta a la producción de Carlo Antonio Crespi, pintor activo en Como a mediados del siglo XVIII, de la misma familia Crespi a la que también pertenece el homónimo boloñés. A Crespi de Como le encantaba crear composiciones con los productos de la fértil tierra de Po, en compañía de pequeños animales, cerámica o cestas de mimbre, floreros, todo en el contexto de elementos arquitectónicos barrocos o clásicos. Sus lienzos, a menudo de gran tamaño, remiten al mundo de las villas y palacios de la campiña lombarda del siglo XVIII. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época. Procede de una importante colección (en el reverso se menciona al Commendatore Arturo Stucchi, empresario de Como).

El almuerzo de Fraticelli

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela genovesa del siglo XVIII. Dentro de una gran sala con ventanas arqueadas que dan a la calle, un grupo de frailes sentados en el suelo comparten una comida sencilla, colocada sobre un paño blanco. La escena hace referencia a la esfera de Alessandro Magnasco conocido como Lissandrino (1667-1749), artista genovés considerado uno de los pintores más originales del siglo XVIII italiano, que se distinguió en la pintura de género popular y, en particular, en la producción de escenas de la vida de capuchino o frailes Camaldolese participan en las actividades más variadas, desde el estudio en la biblioteca a la confesión, a partir del trabajo de los sacapuntas o carpinteros en los talleres convento para el recuerdo simple en torno al fuego: en estas obras se puede apreciar todo la libertad expresiva del pincel del artista. se desplaza sobre el lienzo con toques rápidos para describir las llamas, chimeneas, gatos, libros, perros, cuencos pobres, lentes, libros, pobres ropas remendadas, sillas y taburetes, en definitiva, un mundo al día toda la gestos y cosas construidas con una técnica muy especial e inconfundible, constituidos por una mezcla de colores vivos y casi todos jugados en blanco y negro, en el que unos pocos trazos, hábiles de descenso de luz para dar forma y consis tencia a las huesudas figuras de los monjes. El autor de la obra aquí propuesta ciertamente se formó en el contexto de Magnasco y se inspiró en su estilo, aunque más sosegado, sin los destellos y la libertad interpretativa, muchas veces irreverentes o irónicas, hacia las figuras de los frailes; supo retomar el juego de claroscuro, luces y sombras, que fluyen de un monocromo en tonos marrones, creando aún una obra de excelente calidad pictórica. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Se trata de una copia de época del grabado del mismo nombre realizado por Annibale Carracci (1560-1609), que tuvo un éxito inmediato y dio lugar a una serie de réplicas impresas y copias pintadas. Presenta el momento de la Pasión en el que Cristo es coronado con la corona de espinas, objeto de tortura, símbolo denigrante de su proclamación como Rey de Reyes.El acto está protagonizado por dos figuras, el soldado romano y el judío, que representan las dos personas que tomaron parte en la sentencia de muerte de Cristo. Las figuras, vigorosas y sanguíneas, las de los dos verdugos más pálidas e inertes que la víctima, crean una composición de cuerpos entrelazados, uniendo a los otros dos el del Jesús central, uniéndolos en la corresponsabilidad de lo que hacen; colocado de lado, Jesús tiene la cabeza inclinada a la fuerza hacia la izquierda por el soldado que le impone la corona de espinas, mientras que el judío de la derecha coloca la caña de bambú en su mano, reemplazando el cetro. La escena está dominada por colores lúgubres y oscuros, entre los que destaca únicamente el rojo vivo del manto de Cristo, símbolo de su humanidad doliente. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un bello marco coetáneo, con carencias.

Óleo sobre pizarra. Pintada sobre una gruesa losa de pizarra, la escena presenta el momento dramático en el que María, rodeada de un grupo de piadosas mujeres, llora sobre el cuerpo de su Hijo bajado de la Cruz: se abandona dramáticamente en los brazos de las dos mujeres. detrás de ella, mientras en su vientre descansa el cuerpo inerte del Hijo, en cuya mano llora una tercera mujer; arriba, un grupo de ángeles que asoman desde el cielo abierto, de donde brota la Luz divina, participan del lamento. María es la única figura que viste ropas de colores vivos, que contrastan con el color ceroso del cuerpo de Cristo que descansa sobre su regazo, mientras que las demás mujeres visten ropas de colores apagados, igual de neutros son los cuerpos de los angelitos. Las figuras se sitúan sobre un fondo oscuro, en el que apenas se aprecia la abertura del sepulcro: el efecto cromático se consigue gracias también al soporte pictórico utilizado, la pizarra, piedra también conocida como "pizarra", como la más importantes canteras de pizarra se encuentran cerca de la ciudad de Lavagna en Liguria. La modalidad pictórica recuerda las obras de Pietro Mera conocido como el flamenco, pintor originario de Bruselas que vivió entre los siglos XVI y XVII: activo durante mucho tiempo en Venecia, trabajando desde 1570 hasta 1603 al servicio del cardenal d'Este, Mera hizo un amplio uso de la pizarra como soporte pictórico de algunas de sus obras. El material con su característico color oscuro permitió al artista crear intensos contrastes lumínicos y realzar las figuras, representadas con una brillante gama cromática e iluminadas por brillantes toques de luz. En buen estado, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales de 1600-principios de 1700. La rica composición ofrece un gran ramo de flores de colores en un jarrón en relieve, junto a dos grandes calabazas y frutas mixtas (uvas y melocotones): con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces. y sombras Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La rica composición ofrece un gran ramo de flores de colores en un jarrón en relieve, junto a un cuenco lleno de hongos porcini y un racimo de uvas: con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces. y sombras Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Día de fiesta en el pueblo

Pintura al óleo sobre lienzo. En el reverso de la pintura hay algunas etiquetas: una de un mercado inglés (probablemente una subasta de principios del siglo XX) que lleva el título; una segunda de una galería milanesa de via Montenapoleone (años 30) y finalmente una etiqueta de una importante colección privada. La escena propone un momento de celebración en un pueblo nórdico: en el centro de la calle hombres y mujeres bailan y charlan, mientras otros se sientan a las mesas bebiendo y jugando, niños y animales se persiguen; el ambiente es animado y alegre. El estilo pictórico y los métodos de ejecución son compatibles con la producción de David Teniers III (hijo de David Teniers II el Joven), pintor flamenco que incluye en su producción diversas escenas de fiesta y vida pueblerina. Restaurada y revestida a finales del siglo XIX, con marco de la misma época.

Aceite sobre la mesa. Escuela del norte de Europa del siglo XVII. La escena representa un episodio de la vida de Escipión narrado por Tito Livio y Valerio Massimo. Publius Cornelius Scipio, más tarde conocido como Scipio the African, en 209 a. durante la campaña española, tras la toma de Cartagena recibió como regalo personal una hermosa virgen, que estaba en el grupo de rehenes. Pero él, escuchando las súplicas de su familia, la respetó enviándola de regreso con sus padres y prometido, con la única recomendación de que su prometido trabajara por la paz entre Roma y Cartago. En la representación Escipión está en el centro, sentado en su trono, y se vuelve hacia la izquierda, hacia los suplicantes padres de la niña, mientras con un gesto misericordioso les indica que retomen a su hija, de pie a la derecha, flanqueada por su novio. A su alrededor, soldados y seguidores del rey. La escena está llena de figuras, luminosas y coloridas, y subraya la positividad del rey, un personaje central y poderoso, pero capaz de mansedumbre y clemencia. El cuadro restaurado ha sido reforzado en el reverso con listones de madera. Se presenta en un elegante marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la bella composición se puede ver, descansando sobre un aparador de madera con incrustaciones, una cesta llena de cerezas, algunas de las cuales están esparcidas por encima, y un plato lleno de grosellas rojas, mezcladas con hojas y algunas flores de cerezo. Un jilguero descansa sobre el asa de la cesta; para enmarcar la composición, a la derecha un gran ramo de flores multicolores en un jarrón, a la izquierda una cortina roja. Destacan los colores vivos de las frutas, las flores y la cortina, mientras que el armario de apoyo se funde con el fondo oscuro, al igual que el pajarito, distinguible del fondo oscuro sólo por el plumaje blanco de las alas y el contorno rojo de la ojos. La obra forma parte de la gran producción emiliana del siglo XVII de este tipo de tema altamente decorativo. El cuadro, restaurado y reasentado, presenta una marcada fisura y gotas de color en los bordes.