Remo Blanco - Cuadro dorado

Sin título 1998

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. Riccardo Licata, artista ecléctico que se dedicó a la pintura, el grabado, el mosaico, la escultura y también la escenografía, ha pasado por diversas fases de investigación artística y ha sabido combinar la abstracción con una profunda búsqueda de ritmos espaciales marcados por signos. Su escritura gráfico-pictórica, inspirada en la música, ha dado una identidad única a sus obras, que destacan por el hábil uso de símbolos y elementos gráficos. La obra se presenta en un marco.

Vistazo del país con cifras.

Óleo sobre tabla, firmado abajo a la izquierda. Vittore Antonio Cargnel, padre de Lucio Cargnel, fue principalmente un paisajista, autor en particular de evocadoras vistas de Treviso y apasionantes visiones de Friuli, su tierra de origen. Se le considera el portavoz de la pintura de paisaje intimista, por su capacidad de congelar los paisajes en la inmediatez de los cambios atmosféricos, a menudo en pequeños paneles, para no perder el momento de una condición luminística particular responsable de la impresión suscitada en el artista. En esta mirada a la ciudad, destaca el contraste luminoso entre la plaza todavía dominada por el gris de la lluvia, resaltada por los paraguas de los transeúntes -figuras que no son más que puntos confusos, elementos neutros del paisaje- y la luz que , atravesando las nubes, ilumina y colorea la parte superior de los edificios. La pintura se presenta en un marco contemporáneo.

Platón y Aristóteles

Técnica mixta sobre lienzo. Firma, título, fecha y dedicatoria al reverso. Paolo Baratella, artista de Ferrara recientemente fallecido, desarrolló su arte componiendo amplios ciclos pictóricos inspirados en temas contemporáneos; disponemos pues de series de obras suyas reunidas bajo títulos significativos. Desde mediados de los años 1980 y entrando los años 2000, sus aparatos escenográficos se enriquecieron con referencias iconográficas culturales, pictóricas y literales. En particular, Baratella presta mayor atención a la iconografía del arte, la filosofía y la historia. En esta obra, el artista presenta los retratos de los dos grandes filósofos griegos (tomados de sus representaciones clásicas tradicionales) y los matiza en un marco de colores rosa y azul. Los dos lienzos individuales están colocados uno al lado del otro dentro de un marco de madera trabajada, en cuyos dos travesaños horizontales están grabadas las palabras "Timeo", obra escrita por Platón, y "Ética", tema recurrente de la filosofía aristotélica.

Figura femenina 1993

Escultura de bronce policromado sobre base de piedra. Firma y fecha en la base. Guido Lodigiani, escultor milanés todavía activo y apasionado profesor de la Academia de Brera, dijo de su arte: "Creo que el artista está llamado a mostrar la raíz de la experiencia humana y de este modo seguir emocionando". Y la raíz de la existencia, su útero, es la mujer, a quien Lodigiani considera la Mujer de la Anunciación, expresión de la tensión inquieta e íntima hacia el misterio de la creación. La escultura de Lodigiani extrae la forma, como del vientre de una madre, a partir de un núcleo original de la materia en el que excava vacíos y tensiones. Esta tensión plástica se expresa bien en esta figura femenina desnuda, sentada pero retorcida, como si acabara de surgió de la materia indistinta y tendió hacia arriba, hacia la vida, hacia la luz.

Chica en sillón

Escultura de terracota. Firmado abajo a la derecha. Marco Cornini, artista milanés formado en la Academia de Brera, trabaja principalmente con terracota, con la que crea figuras humanas, tanto masculinas como femeninas, hombres y mujeres, o mejor aún, niños y niñas de más o menos la misma generación, en momentos de su intimidad, muchas veces de pareja pero también individualmente, con valores sentimentales, eróticos y pasionales. Aquí vemos a una mujer desnuda sentada en un sillón de una habitación, en actitud de íntima desesperación.

El organillero

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Rastro de una fecha, no legible. El artista de Cuneo Ottavio Steffanini tuvo una vida en constante movimiento, dividida entre Italia, Europa, América (en particular Venezuela). Artista inquieto e impredecible, concentró su pintura sobre todo en figuras femeninas, retratadas con plácida sensualidad y una opulencia influenciada por los maestros españoles con los que estudió. Pero en su producción no faltan otros temas, unidos por una incesante exaltación de la vida, de la naturaleza. Aquí, sin embargo, se propone una figura masculina, el retrato de medio cuerpo de un acordeonista, digno y orgulloso en su pose y mirada. La obra se presenta en un marco de época.

Figura en reposo 1969

Lápiz sobre papel. Firmado abajo a la derecha. Acompañado de fotoautenticación del Archivo Mario Tozzi. En la extensa producción del maestro Tozzi abundan los dibujos, como este que aquí se presenta, realizados con distintas técnicas (tinta, pastel, lápiz, sanguina), dedicados a la figura humana: en su estilo seco y estilizado, Mario Tozzi delinea estilizados, refinados figurillas en su geometría silenciosa y discreta, favorecida por la ausencia de color, que realza las formas sobre el papel blanco.Incluso en su producción pictórica, los temas favoritos de Mario Tozzi son, clásicamente, las figuras y los bodegones, pero tanto las figuras como la muerte son un conjunto de elementos geométricos sólidos, la esfera, el cilindro, el cono, etc. Los cuerpos son elementales, esenciales en las líneas y detalles, poderosos, escultóricos, compuestos de sólidos recién modelados, mientras que las naturalezas muertas son una celebración de la geometría euclidiana como los jarros, cuencos, frascos que son paradigmas de volumen y rigor geométrico. Las composiciones de Mario Tozzi están influenciadas por el Cubismo para ciertos cortes, por la Metafísica por ciertas inserciones arquitectónicas y por el Abstractismo por la inserción de figuras geométricas. La obra se presenta en un marco.

Técnica mixta sobre lienzo. La gran escena, pintada en la única gama de rojo-rosa, ve dos grandes figuras a la derecha, mientras que todo el lado izquierdo está ocupado por un paisaje desértico, con las olas de las dunas desapareciendo en la distancia. Las dos figuras representan a un caballero sentado, con turbante y vestido sarraceno, siendo refrescado por una muchacha con traje occidental, que le entrega una bandeja cargada de comida, mientras que en la superficie subyacente hay una palangana con agua, mazorcas de maíz y varias frutas. Podría ser una de las tantas representaciones de la historia de Angélica y Medoro, contada por Ariosto en Orlando furioso, que narra el amor entre la muchacha cristiana y el soldado de infantería sarraceno herido en una batalla, que luego huyeron juntos a Catay. desatando así la locura de Orlando. La obra se presenta en un marco.

En Brianza

Pintura al óleo sobre lienzo. En la parte inferior izquierda está el monograma DB. Sello de título y galería en la parte posterior. El atisbo de la campiña de Brianza, todavía llana, muestra a un pastor que deja pastar a sus vacas en los prados inmediatamente a las afueras del pueblo, cerca del camino de tierra flanqueado por postes de luz; dos troncos desnudos y delgados se alzan verticales, casi paralelos, dividiendo la escena en tres planos. La obra se presenta en un marco coetáneo.

Sur le Canapé d'Argent Pale 1911

Litografía en color sobre papel vitela. El título en la parte inferior izquierda. En el passepartout el nombre y la frase "original lithographie". Se trata del planche n.10 de la serie "Amour", creada en 1899 por el artista francés e inspirada en los poemas de amor que Denis escribió para su futura esposa, Marthe Meurier. Se realizaron algunas réplicas de la serie inicial, de las cuales la sobre papel de seda datada en 1911. Maurice Denis, pintor francés, se formó artísticamente en coincidencia con el nacimiento del movimiento simbolista que lo marcó fuertemente, imponiéndose por su sencillez y por su filosofía de un arte que era síntesis entre el mundo exterior y la espiritualidad del artista. En sus primeras obras, el estilo pictórico fue naturalista y neoimpresionista, pero con el tiempo tendió hacia un decorativismo puro, caracterizado por zonas de color plano y contornos claros. En 1888, en la Julian Academy de París, Maurice Denis fundó con Paul Sérusier, Pierre Bonnard y Paul Ranson, el grupo de pintores Nabis (Profetas), grupo que se inspiraba en las obras y poéticas de Paul Gauguin en sus ideales estéticos. por la superación del naturalismo impresionista a través de un retorno al arte primitivo y japonés. De las reuniones de los Nabis, generalmente celebradas en la redacción de la revista "Revue Blanche" o en la Academia Ranson, Denis apreciaba especialmente el clima místico, la jerga esotérica y el apodo que cada pintor recibía del grupo: Denis era llamado "el Nabi por las bonitas fotos". Así como "Nabi" Maurice Denis pintaba cuadros íntimos, enigmáticos y los temas de su pintura, de carácter religioso o situaciones de la vida cotidiana, eran llevados a una dimensión ideal e irreal, en una atmósfera de cálida y serena intimidad, obtenida con una extremada característica delicada. Una constante en su vida fue la profesión de fe católica, que siempre tuvo para él un papel prioritario. Recibió numerosos encargos para la decoración de iglesias y esto le hizo volver a la gran tradición de la pintura mural realizando solemnes frescos de estructura monumental, inspirados en un catolicismo literario. El fervor religioso llevó a Maurice Denis a fundar, en 1919, los Ateliers d'Art Sacré, dedicando mucho tiempo a la oración, tanto que se convirtió en el terciario de San Domenico, sin aislarlo del mundo, por lo que participó en la vida social de la época. Además de su vasta producción como pintor, Denis fue un gran dibujante e ilustrador. Hasta su muerte, Maurice Denis siguió pintando en una interpretación moderna de la gran pintura antigua, apoyado en su fuerte vena artística, alimentado continuamente por sus viajes, muchos de ellos en Italia, que lo llevaron a entrar en contacto directo con los prerrafaelitas. y los neoclásicos.

Sin título 1930

Tinta sobre papel. Firma y fecha a continuación. Acompañado de autenticación en foto de Galleria Giò Marconi en Milán y sello de archivo privado. Es el dibujo del joven artista que pronto se convirtió en uno de los más importantes exponentes del surrealismo mundial, que fue poeta y pintor, pero también cineasta, crítico de arte y cine, fotógrafo y diseñador humorístico. Nacido en el norte de Francia, en 1927 se instaló en París, donde entró en contacto con un grupo de jóvenes poetas y filósofos, con los que fundó el movimiento ''Grand Jeu'': el juego se entiende como un arte de vivir. Desde 1928 colabora con textos, poemas y dibujos para la revista del movimiento y mientras tanto colabora como redactor y reportero en varios diarios parisinos. En 1932, agotada la experiencia del ``Grand Jeu'', pasa a el movimiento surrealista, colaborando en sus publicaciones y participando en sus exposiciones. Su humor se vuelve hacia lo insólito y la crueldad, cada vez más burlón del absurdo de la vida cotidiana, del lado trágico de la existencia común, al que se rebelan el espíritu y el inconsciente, tratando de acceder a lo inobservable. Conoce a Salvador Dalí. En 1939 inició también su actividad como cineasta.En 1941 tuvo lugar en París su primera exposición personal: el primer comprador fue Pablo Picasso. Participa en todas las exposiciones surrealistas, incluida la internacional de 1947 en París. En 1951, por motivos relacionados con la disciplina interna del grupo, abandona con otros el movimiento surrealista, sin dejar de practicar su poética. En 1955 también se apasionó por la fotografía. Desde 1968 se dedica casi exclusivamente a la pintura, abandonando la actividad de dibujante humorístico. En el mismo año se instala definitivamente en Milán: en Italia expone en varias exposiciones personales, las de Milán en la Galleria Marconi. El trabajo que aquí se presenta, un dibujo temprano, proviene de una importante colección privada milanesa. Se presenta en un marco.

El profeta 1927

Tinta sobre papel. Firma, fecha y título a continuación. Acompañado de autenticación en foto de Galleria Giò Marconi en Milán y sello de archivo privado. Es el dibujo del joven artista que pronto se convirtió en uno de los más importantes exponentes del surrealismo mundial, que fue poeta y pintor, pero también cineasta, crítico de arte y cine, fotógrafo y diseñador humorístico. Nacido en el norte de Francia, en 1927 se instaló en París, donde entró en contacto con un grupo de jóvenes poetas y filósofos, con los que fundó el movimiento ''Grand Jeu'': el juego se entiende como un arte de vivir. Desde 1928 colabora con textos, poemas y dibujos para la revista del movimiento y mientras tanto colabora como redactor y reportero en varios diarios parisinos. En 1932, agotada la experiencia del ``Grand Jeu'', pasa a el movimiento surrealista, colaborando en sus publicaciones y participando en sus exposiciones. Su humor se vuelve hacia lo insólito y la crueldad, cada vez más burlón del absurdo de la vida cotidiana, del lado trágico de la existencia común, al que se rebelan el espíritu y el inconsciente, tratando de acceder a lo inobservable. Conoce a Salvador Dalí. En 1939 inició también su actividad como cineasta.En 1941 tuvo lugar en París su primera exposición personal: el primer comprador fue Pablo Picasso. Participa en todas las exposiciones surrealistas, incluida la internacional de 1947 en París. En 1951, por motivos relacionados con la disciplina interna del grupo, abandona con otros el movimiento surrealista, sin dejar de practicar su poética. En 1955 también se apasionó por la fotografía. Desde 1968 se dedica casi exclusivamente a la pintura, abandonando la actividad de dibujante humorístico. En el mismo año se instala definitivamente en Milán: en Italia expone en varias exposiciones personales, las de Milán en la Galleria Marconi. El trabajo que aquí se presenta, un dibujo temprano, proviene de una importante colección privada milanesa. Se presenta en un marco.