Virgen con el Niño y Santos pintura del siglo XVII

Óleo sobre lienzo. La escena representa un episodio de la novela del siglo XVII «Las aventuras de Telémaco» (Les Aventures de Télémaque), de François Fénelon, publicada en 1699. En el relato de Fénelon, Telémaco (hijo de Ulises), mientras busca a su padre acompañado por Mentor (quien se disfraza de la diosa Atenea), naufraga en la isla de Calipso y se enamora de una ninfa. Para impedir que Telémaco abandone la isla y deje a la joven, la diosa Calipso, que los ha acogido, ordena a sus ninfas que quemen el barco en el que habían llegado Telémaco y Mentor. En la pintura que se presenta, en primer plano a la izquierda, Mentor insta al joven Telémaco a que se dé la vuelta, mientras él sigue mirando a la joven que se encuentra en el camino a la derecha; mientras tanto, las demás ninfas prenden fuego al barco, varado en la orilla, con sus antorchas. El lienzo, previamente reentelado, presenta varias pérdidas de pintura. Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela del centro de Italia, siglo XVII. La iconografía reconoce a esta figura como el santo ermitaño Onufrio, quien vivió como anacoreta en el desierto egipcio en el siglo IV. Se le representa aquí en un entorno rocoso y desolado (típico de las pinturas que celebran el tema de la penitencia y el ascetismo), tradicionalmente como un anciano con barba larga y cabello blanco, casi completamente desnudo (cubierto solo por un taparrabos de hojas), arrodillado, con las manos juntas en oración o en un gesto de profunda súplica, un rosario sujeto a su brazo, una cruz y un libro abierto (una Biblia) sobre la roca junto a él: signos de oración y meditación. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco antiguo reacondicionado.

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda-veneciana, finales del siglo XVII-principios del XVIII. En primer plano, se representa a un campesino de medio cuerpo, con una azada al hombro. La figura se caracteriza por un detalle minucioso, desde las arrugas del rostro hasta la suciedad de las manos, desde la ropa andrajosa hasta la aspereza de la azada. El estilo de la pintura recuerda la obra de Pietro Bellotti, quien introdujo figuras de naturaleza similar en sus retratos. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Enmarcada al estilo de la época.

Óleo sobre lienzo. Escuela del centro de Italia, siglo XVIII. Escena de caza de jabalíes a gran escala, con caballeros, sirvientes y perros dispersos por el paisaje boscoso. Destaca la presencia, en primer plano a la izquierda, de un ayudante moro que sujeta a uno de los perros y porta un rifle al hombro. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco antiguo contemporáneo.

Óleo sobre tabla. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. La escena, dispuesta horizontalmente, representa el mito de Orfeo, hijo de Apolo, quien recibió de su padre una lira con la que domó animales salvajes, movió rocas y dobló árboles. El relato se conoce por las Geórgicas de Virgilio y las Metamorfosis de Ovidio: símbolo del poder civilizador del arte, es un tema popular en el arte europeo. Orfeo aparece en el centro, sentado sobre una roca entre árboles, tocando la lira. A los lados, numerosos animales de diversas especies se acercan a él, procedentes de entornos naturales cercanos y lejanos, incluyendo animales exóticos (un elfo, leones, una llama, etc.), y, en el extremo derecho, una bestia fantástica: el unicornio. Al fondo se observa un arroyo con una ciudad en la orilla; a la izquierda, en la colina, un pequeño templo, probablemente dedicado al dios Apolo. La pintura ha sido restaurada en el pasado. Se presenta en un marco dorado de época.

Óleo sobre tabla. La pintura evoca la composición de la obra maestra de Tiziano (fechada en 1510 y actualmente en el Louvre), pero la sitúa en un paisaje completamente diferente y la desarrolla en los laterales, con la introducción de una cabra a la derecha y un fauno tocando la flauta a la izquierda. Además, las cuatro figuras tomadas de Tiziano aparecen invertidas, probablemente porque el artista se inspiró en un grabado. La escena central muestra a dos jóvenes sentados en un prado, haciendo música, flanqueados por una joven de espaldas, mientras que otro saca agua de una pila de mármol. Ambas mujeres están desnudas, apenas cubiertas por mantos, mientras que los dos hombres, que conversan entre sí, visten trajes de época. El tema pretende ser una alegoría de la poesía y la música, con las dos mujeres de belleza ideal, que parecen dos apariciones irreales generadas por la imaginación e inspiración de los dos jóvenes. La pintura aquí presentada muestra rastros de restauraciones anteriores. Actualmente, se aprecian algunas pérdidas de pintura y daños en la tabla.

Seguidor de Pietro da Cortona

Óleo sobre lienzo. Se basa en el fresco de Pietro da Cortona en la Sala della Stufa del Palazzo Pitti, parte del ciclo de las Cuatro Edades del Hombre. Presenta pequeñas restauraciones previas de la antigüedad. La obra se basa en el fresco creado por Pietro da Cortona en una pared de la Sala della Stufa del Palazzo Pitti, parte del ciclo de las Cuatro Edades del Hombre, inspirado en las Metamorfosis de Ovidio. Escenas de las Edades de Bronce y Hierro contrastan imágenes de una sociedad civilizada con las de la violencia perpetrada en tiempos de guerra. Como afirma Ovidio, el fraude y el engaño surgieron durante la Edad de Hierro, y los hombres no solo esperaban que la tierra diera fruto, sino que también excavaban en sus profundidades. Así se descubrieron el hierro y el oro, y comenzó la guerra, y con ella los actos de pillaje y saqueo violento, incluso contra los indefensos, como los ancianos, las mujeres y los niños. Esta escena, también conocida como «Grupo de soldados masacrando civiles», representa escenas dramáticas de violencia y opresión, como la del soldado en primer plano a punto de matar al anciano indefenso tendido en el suelo, o, a la derecha, la del hombre que le corta el pelo a una joven madre para robarle sus adornos, a pesar de sus súplicas. La pintura muestra rastros de restauraciones menores anteriores. Está enmarcada.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia, siglo XVII. La gran escena cobra vida gracias a numerosas figuras entrelazadas: en el centro, iluminada por un rayo de luz que desciende desde arriba, María con el Niño Jesús en brazos, custodiada por San José a la derecha; a la izquierda, los tres Reyes Magos, portando sus regalos en ricos cofres, y todo su séquito, junto con los ángeles que velan desde lo alto. Un detalle curioso son los dos angelitos en la parte inferior, preparando el pesebre para recibir al Niño Jesús. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Marco de estilo de época.

Óleo sobre lienzo. La escena narra un episodio bíblico del Segundo Libro de Samuel: durante el conflicto por la sucesión tras la muerte de Saúl, el primer rey de Israel, Isbaal, hijo de Saúl, fue apoyado por el general Abner como rey de las tribus del norte, mientras que David reinaba sobre Judá. Sin embargo, Isbaal fue asesinado por dos de sus líderes bandidos, Recab y Baana, quienes llevaron su cabeza a David esperando una recompensa, pero David los castigó por su vil acto. En la pintura, el rey David rasga sus vestiduras con ira, con la cabeza de Isbaal a sus pies, mientras sus soldados sujetan a los dos traidores. La escena se desarrolla en el campamento de David. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa, finales del siglo XVII. La pintura está inspirada en la de Nicolas Poussin, creada alrededor de 1635 y actualmente cedida en préstamo a la National Gallery de Edimburgo. Sin embargo, en comparación con aquella obra, la nuestra presenta numerosas variaciones y es mucho más pequeña (se ha eliminado toda la sección derecha de la escena de Poussin, repleta de figuras en primer plano y al fondo). El tema narra un episodio bíblico del Libro del Éxodo: los egipcios vagaban por el desierto del Sinaí, sin agua; entonces Dios ordenó a Moisés que tomara su vara, reuniera a los ancianos y golpeara la roca de Horeb ante el pueblo: de ella brotó un manantial del que todos pudieron saciar su sed. La pintura que se presenta ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela napolitana, siglo XVII. La pintura, atribuida anteriormente a Scipione Compagno (1624-1680), se inscribe dentro de su estilo pictórico (que, además, es típico de la imaginería narrativa característica de la cultura napolitana del siglo XVII), que representa escenas y acontecimientos con innumerables figuras, paisajes y vistas plasmados en una paleta de marrones y ocres, a excepción de los destellos de color que resaltan a los personajes principales. La escena, repleta de figuras, muestra al ejército egipcio en primer plano, anegado por las aguas del Mar Rojo, mientras que en la orilla, al fondo, los israelitas, ahora a salvo, observan y celebran con danzas y cantos. En el centro, más al fondo, Moisés se yergue, alzando el brazo con su bastón, en el gesto que evoca el milagro de la separación de las aguas. La pintura ha sido restaurada en el pasado. Actualmente presenta una ligera pérdida de color en el lado izquierdo. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Texto de Jacopo Palma el Viejo

Óleo sobre lienzo. La pintura original en la que se basa esta obra, fiel incluso a su tamaño, perteneciente a una colección privada, se exhibió en 2022 en la exposición organizada por el Museo de Santa Catalina en Treviso. La obra representa a la Virgen con el Niño en el centro, con dos santos a la derecha, casi aislados, en una conversación espiritual. La figura de la derecha es Santa Catalina, reconocible por su símbolo de engranaje; a la izquierda se encuentra San José, representado con apariencia juvenil, probablemente porque adopta los rasgos de la patrona. La pintura ha sido restaurada en el pasado. Se presenta en un marco dorado, de estilo de época.