Pintura de retrato femenino - Al estilo de Jakob Ferdinand Voet

Óleo sobre lienzo. Escuela genovesa, principios del siglo XVIII. El hombre, cuya espesa peluca sugiere nobleza o estatus de clase media alta, lleva un pectoral de metal bruñido, bajo el cual emerge de su vaina una corbata de encaje. El pectoral presenta varios símbolos familiares. El retrato refleja el estilo popular en Génova a finales del siglo XVII y principios del XVIII, basado en los modelos franceses de Rigaud. La pintura presenta algunas pérdidas de pintura. Aún en su lienzo original, estuvo montada previamente sobre un bastidor de madera de principios del siglo XX. Se presenta en un marco del siglo XVIII.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La composición presenta un busto femenino en el centro, retratado como si se tratara de una efigie escultórica, debido a la monocromía que evoca el mármol; está rodeado por una guirnalda de flores multicolores, que se extienden desde ramas retorcidas en lo alto, mientras que un paisaje se desvanece en el fondo. Este tipo de retrato procede de una solución originada en los círculos flamencos y difundida en Italia por Daniel Seghers. Restaurado y retocado, el cuadro presenta ligeros desvanecimientos de color. Se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. Escuela Lombarda, siglo XVIII. La composición, sobre un fondo oscuro, presenta una gran rama cargada de racimos de uvas que caen sobre un jarrón con flores de colores y otras frutas (higos y manzanas) en el suelo. Dos pequeños pájaros se posan en la rama. Previamente restaurada y reencuadernada, la pintura se presenta en un marco de madera de finales del siglo XIX.

siglo XVIII

Óleo sobre lienzo. Escuela Emiliana, siglo XVIII. Gran composición frutal variada con melocotones, peras, cerezas, granadas y uvas, entre las que se encuentran una col grande, un racimo de tubérculos y claveles. A la izquierda, dos frascos de vidrio con mermelada de frutas. La composición rebosa de una tina de madera colocada sobre una mesa en un entorno al aire libre, con copas de árboles y arbustos al fondo. La pintura fue restaurada y reencuadernada en el pasado. Se presenta en un marco dorado de la época.

Óleo sobre lienzo. El episodio bíblico representado se refiere a la historia de Daniel, el profeta de la corte del rey Darío el Medo que, por rezar a su Dios, fue condenado a ser arrojado al foso de los leones. Pero Dios salvó a Daniel, enviando a un ángel para que cerrara las fauces de las fieras, y el rey perdonó a Daniel haciendo que condenaran en su lugar a quienes lo habían denunciado. El tema ha sido representado varias veces en el arte, por la fascinación ligada a la historia, pero también por su sabor exótico debido a la presencia de las fieras. Destaca especialmente la versión de Rubens de 1615, en la que el profeta aparece desnudo en el foso bajo tierra, rezando fervorosamente, rodeado de una multitud de feroces leones. En cambio, la obra que aquí se presenta propone una versión centrada en el diálogo entre el profeta y el ángel, que se encuentran frente a frente, destacando con los vivos colores de sus vestiduras sobre el fondo oscuro de una prisión; sólo hay un león, agazapado mansamente a los pies del ángel, por lo que prevalece la dimensión espiritual y salvífica del acontecimiento bíblico. Según el célebre historiador del arte Maurizio Marini, especialista en Caravaggio y el arte barroco, que tuvo ocasión de contemplar el cuadro hace años, la obra podría atribuirse a Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) por sus elecciones compositivas y cromáticas. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta con un marco de listones.

Óleo sobre lienzo. Escuela Emiliana del siglo XVII. Representación tradicional de la Sagrada Familia, de medio cuerpo en primer plano, con el Niño Jesús amamantando a su madre, mirando al espectador, indicando que ya está concentrado en su futuro. María y José contemplan con ternura al Niño, mientras que su supuesto padre permanece al fondo, en sombra, para no restar protagonismo a las otras dos figuras. Previamente restaurada y reencuadernada, la pintura se encuentra en buen estado y se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Al estilo de Jakob Ferdinand Voet

Óleo sobre lienzo. La obra se inspira en el estilo popularizado en toda Europa por Jakob Ferdinand Voet, pintor flamenco que se consolidó principalmente como retratista y gozó de un amplio reconocimiento entre los artistas de su época y de épocas posteriores. Sus retratos de medio cuerpo centran toda la atención en el sujeto, que emerge sobre un fondo oscuro y neutro. El retrato de un caballero que se presenta aquí ha sido restaurado y reentelado previamente. Se presenta en un marco de época.

Al estilo de Jakob Ferdinand Voet

Óleo sobre lienzo. La obra se inspira en el estilo popularizado en toda Europa por Jakob Ferdinand Voet, pintor flamenco que se consolidó principalmente como retratista y gozó de un amplio reconocimiento entre los artistas de su época y de épocas posteriores. Sus retratos de medio cuerpo centran toda la atención en el sujeto, que emerge sobre un fondo oscuro y neutro. El retrato de un caballero que se presenta aquí ha sido restaurado y reentelado previamente. Se presenta en un marco antiguo a medida.

Al estilo de Jakob Ferdinand Voet

Óleo sobre lienzo. La obra se inspira en el estilo popularizado en toda Europa por Jakob Ferdinand Voet, pintor flamenco que se consolidó principalmente como retratista y gozó de un amplio reconocimiento entre los artistas de su época y de épocas posteriores. Sus retratos de medio cuerpo centran toda la atención en el sujeto, que emerge sobre un fondo oscuro y neutro. El retrato de una dama que se presenta aquí ha sido restaurado y reentelado previamente. Se presenta en un marco antiguo especialmente adaptado.

Copia de Guido Reni

Óleo sobre lienzo. Esta obra es una de las varias réplicas, con algunas variaciones, del famoso tema, creadas por el pintor boloñés Guido Reni (1574-1642) y su taller. La composición, que representa a la Virgen en oración, inclinada para adorar al Niño dormido, se considera una brillante invención del estilo de Reni. Tras su gran éxito entre los coleccionistas de la época, fue retomada posteriormente por otros artistas del siglo XVII, entre los que destaca Giovan Battista Salvi, conocido como «Il Sassoferrato». Las dos variaciones más famosas de esta fascinante escena muestran a la Virgen con las manos juntas en oración, como en esta versión, adoptada por Salvi, o con las manos sobre el pecho, una representación típica de Reni. Otras variaciones conciernen a la posición de la cabeza del Niño dormido, que aparece vuelta hacia arriba, como en esta versión, en lugar de reclinada hacia un lado; finalmente, las telas del fondo son diferentes. Aun en esta réplica, la intensidad de la escena resalta: el cuerpo del niño, en reposo, domina la escena, donde la naturaleza divina subyuga al ser humano en el sueño; sobre él, inclinada en un gesto protector y a la vez contemplativo, se encuentra el cuerpo de María, que expresa toda su ternura maternal, pero también, en los gestos de sus manos, la adoración del misterio encarnado representado por su pequeño hijo. Los vivos colores de las telas —el cojín sobre el que yace Jesús, la cortina tras él, las vestiduras de la Madre— realzan la luminosidad de los tonos de la piel. El lienzo fue reentelado a mediados del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia, principios del siglo XVIII. Un paisaje de colinas rocosas presenta un pueblo con edificios con torres, que se alza cerca de la orilla del mar, visible al fondo a la derecha. En primer plano, a lo largo de una pequeña ensenada costera, se aprecia un bullicio popular, con numerosas figuras dedicadas a diversas actividades. La pintura muestra signos de restauración y revestimiento previos; la grieta está bien definida, pero el color se conserva intacto. La pintura se presenta en un marco antiguo, con pequeñas pérdidas.

Óleo sobre tabla de castaño. Escuela centroeuropea, siglo XVI. La escena tradicional muestra al Niño Jesús, en brazos de su Madre, con quien intercambia una tierna mirada, preparándose para colocar el anillo de bodas en el dedo de Catalina de Alejandría, simbolizando el matrimonio místico que la joven santa deseaba contraer con el Divino Niño. La santa es representada, según su iconografía habitual, con corona, vestiduras y joyas reales, para enfatizar su origen principesco. La pintura es probablemente obra de un artista flamenco inspirado en modelos italianos de los siglos XV y XVI. La tabla presenta signos de restauración previa.