Cuadro con San Joaquín y el Ángel

Texto de Simon Vouet

Óleo sobre lienzo. Esta es una hermosa copia de la famosa pintura de Simon Vouet (1590-1649) creada entre 1618 y 1620, y ubicada en una capilla de la iglesia de San Francesco a Ripa en Roma. Creada por Vouet durante su estancia en Roma, la obra muestra una significativa influencia caravaggista, tanto en sus elecciones cromáticas y de iluminación, como en las poses de las figuras. Estas características se encuentran fielmente en esta copia. La paleta es rica en colores (azul, naranja y obviamente rojo) que se materializan en drapeados pintados con gran pincelada, pero también hay abundancia de telas blancas, que están por todas partes para proporcionar luz y crear un impacto visual. Los detalles son ricos: el elaborado peinado de la figura vista de espaldas y su pie descalzo en primer plano (pero no sucio, como los de Merisi); el jarrón blanco en el suelo contrasta con la gran pila de cobre; El encaje de la camisa y el turbante de la mujer de la derecha, así como su mano izquierda (una pose típica de Caravaggio) extendida abiertamente hacia el espectador, otorgan profundidad a la escena. La pintura fue restaurada y reentelada a finales del siglo XIX y montada sobre un bastidor de la época. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre tabla. Escuela veneciana, mediados del siglo XVI. Cristo crucificado, en el centro de la escena, está rodeado por cuatro santos identificables por sus símbolos iconográficos: a la izquierda, San Francisco y San Jerónimo; a la derecha, San Sebastián y San Roque. Al fondo se aprecia una vista de una ciudad, probablemente Roma, lo que indica su conexión con la Iglesia como institución. En el reverso se conserva una etiqueta numerada (procedente de una colección privada del siglo XIX). La pintura se presenta enmarcada.

Figuras con Bodegones Otoñales

Óleo sobre lienzo. En el tonel, en la esquina inferior izquierda, figura la firma de H. Sanders. La escena, ambientada al aire libre en una calle de una ciudad flamenca, con el canal al fondo a la izquierda, muestra en primer plano a una vendedora de verduras detrás de su puesto, montado con una variada composición de verduras de invierno, un bodegón compuesto de coliflor, repollo, zanahorias, mazorcas de maíz; junto a la mujer, un transeúnte que lleva un arpón le ofrece pescado, evidentemente el fruto de su pesca que quiere vender. El escenario recuerda Ámsterdam, ciudad donde nació y vivió el pintor holandés Hércules (o Herkules) Sanders, que se estableció principalmente como retratista, pero del que conocemos una escena de género en un interior, hoy en el Detroit Institute of Arts, fechada en 1647 y titulada «Mujer limpiando pescado», cuya figura femenina se asemeja mucho a la vendedora de la obra que aquí se presenta. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco de estilo.

Óleo sobre lienzo, montado sobre tela reforzada. Escuela del norte de Italia, siglo XVII. La escena está tomada del libro bíblico de los Números: debido a que los israelitas, huyendo de Egipto y vagando por el desierto, se quejaron a Dios por la falta de alimento y agua, Dios envió serpientes venenosas para exterminarlos, pero también ordenó a Moisés que alzara una serpiente de bronce sobre un asta, para que cualquiera que fuera mordido por ella sanara. Simbólicamente, este gesto, dirigir la mirada hacia la serpiente, implicaba un acto de conversión y fe en Dios. En esta representación, el asta tiene una forma más específica de cruz, anticipando la salvación que llegará a la humanidad a través de Cristo crucificado y resucitado, quien la libera del pecado simbolizado por la serpiente. Moisés está en el centro de la escena, señalando el asta con la serpiente, flanqueado por su hermano Aarón; alrededor de los hombres y mujeres de Israel, algunos abrumados por las serpientes, otros ya arrodillados como suplicantes pidiendo el perdón de Dios. La obra se presenta en un marco compuesto por elementos de finales del siglo XIX, adaptados.

Óleo sobre lienzo. La pintura está inspirada en el famoso "Homenaje a Venus" de Tiziano, ampliamente copiado y reinterpretado durante el siglo XVII. En la versión que se presenta aquí, no hay referencia a Venus, sino que parece ser una celebración de la primavera: un gran grupo de Cupidos invade la exuberante campiña, tejiendo coronas y llenando cestas y palanganas, acariciando animales (cabras, ovejas, perros) y, al fondo, pescando en el río. La pintura fue restaurada y reencuadernada en el pasado. Se presenta en un marco antiguo especialmente adaptado.

Óleo sobre lienzo. Escuela Emiliana, segunda mitad del siglo XVII. Rosa de Lima, monja peruana (y actualmente patrona del Perú) de la Tercera Orden Dominicana, que vivió entre los siglos XVII y XVIII, es representada según su iconografía tradicional, vestida con el hábito dominico, mientras reza acogiendo la visión mística del Niño Jesús, quien, según la tradición, la convierte en su esposa ofreciéndole una corona de rosas; aquí, las rosas se colocan sobre la piedra frente a la niña. En el reverso de la obra hay una cartela que identifica a los anteriores propietarios como la familia Bezzo Guazzone, residentes del Castillo Salabue en Ponzone Monferrato (Alessandria). La cartela registra la encomienda de la pintura para participar en una exposición hasta el 4 de octubre de 1926. La pintura ha sido previamente reentelada. Se presenta en un marco contemporáneo.

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Paisaje con Figuras

Óleo sobre lienzo. La composición, de grandes dimensiones, representa un paisaje con un gran árbol en el centro, cuyas escasas ramas dominan la campiña, atravesada por un curso de agua y animada por diversas figuras de personas en actividad o en reposo; una fortaleza se eleva en lo alto, a la derecha, dominando el valle. Atribuido ya a Peruzzini, de la región de Las Marcas, el cuadro se remonta sin duda a su esfera, debido a los trazos pictóricos rápidos y poco agrupados. Antonio Francesco se especializó en la pintura de paisaje, recibiendo la influencia de Salvator Rosa y de pintores paisajistas como Pietro Montanini y Pandolfo Reschi, y otras influencias le llegaron de pintores nórdicos activos en Italia, especialmente Pieter Mulier, conocido como Tempesta. En sus primeras obras ya se puede distinguir la originalidad de su pintura, dada la rapidez de su trazo y la intensidad y brillantez de sus colores. A principios de los años noventa se inicia la larga relación artística de Antonio Francesco Peruzzini con Alessandro Magnasco, tras su encuentro en Milán, donde Peruzzini se había establecido; a partir de este periodo, su pintura parece descomponerse, a través de formas que se vuelven más dinámicas y ligeras, casi fantásticas, para llegar finalmente a un estilo marcado por una creciente desintegración de las formas de la naturaleza y de su movimiento. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Paisaje Invernal con Figuras

Óleo sobre lienzo. En un paisaje campestre invernal, salpicado de nieve, sobre la naturaleza desnuda, sombría y árida, un camino serpentea entre árboles completamente pelados, conduce al pueblo, y por él pasan algunos caminantes, mientras a un lado trabajan algunos leñadores. Un denso cielo de nubes oscuras se cierne sobre todo, aunque a la izquierda se abre un atisbo de azul. El estilo recuerda la obra de Marco Ricci, pintor bellunés célebre por su indudable talento para las representaciones naturalistas y arquitectónicas. Sus paisajes, aún con un marcado gusto del siglo XVII, están ya iluminados por luces potentes y emotivas, árboles secos y retorcidos, rocas y torres, nubes cumuliformes que se rompen de repente en vagos destellos de azul, un complejo repertorio que transfigura la naturaleza en una representación dramática e inquieta. Se convirtió en una referencia para otros artistas de su época, que adoptaron su estilo, como en esta obra. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Amor y Psique

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. La escena está basada, con algunas variaciones pero muy próxima en tamaño, en una parte del gran fresco titulado «Banquete de los dioses» de la Cámara de Cupido (o Cámara de Cupido y Psique) del Palacio Té de Mantua, una gran representación de más de nueve metros realizada por Giulio Romano y su taller en el siglo XVI. La escena representada (que en Mantua se sitúa a la derecha del gran banquete), ve a Cupido y Psique tumbados sobre un triclinio, mientras una pequeña figura alada los corona de laurel y dos ninfas lavan la mano del Amor; al fondo, a la derecha, un grupo de sátiros sacrifica una cabra en el altar de una divinidad, mientras en el centro, a lo lejos, arde una ciudad. El banquete de los dioses es el momento final del mito de los dos amantes, que, tras muchas pruebas y vicisitudes, obtienen el permiso de Venus para casarse. La obra, restaurada y reencuadrada, se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. La gran escena está ambientada en el exterior de una fortaleza rocosa y muestra a una guarnición de soldados preparándose para la batalla. En primer plano a la izquierda, cerca de un árbol, el grupo de comandantes a caballo observa el trabajo y da órdenes, mientras las tropas arman sus cañones en las terrazas, preparan lanzas rudimentarias y afilan sus armas blancas. Los colores son claros y apagados, con gradaciones de gris que pasan del cielo despejado con nubes a la fortaleza rocosa, para perderse en el terreno virando a un beige arenoso; sólo destacan algunos uniformes de oficiales, que rompen la uniformidad cromática. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. La mujer representada en la escena se remonta a Porcia, noble romana y esposa de Bruto, que vivió por tanto en el siglo I a.C.: según la leyenda, se suicidó tragándose un carbón encendido, y es en este momento fatal en el que se la representa aquí. El cuadro se acerca mucho a la manera pictórica de la pintura homónima de la escuela de Cignani, atribuida a su alumno Marcantonio Franceschini y conservada en el Palacio Tozzoni de Imola. La figura de Porcia, situada en un interior con elementos clásicos, ocupa todo el campo de la escena, y está representada sentada frente al brasero ardiente, en el acto de llevarse el carbón a la boca; su expresión revela el sufrimiento del gesto que está realizando, pero también su determinación, su mirada que mira lejos la sitúa ya lejos de la vida que deja atrás. El cuadro ha sido restaurado y enmarcado de nuevo. Se presenta en un marco antiguo del siglo XVIII.