Pintura Retrato de una mujer noble con un cachorro

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia, siglo XVII. La gran escena cobra vida gracias a numerosas figuras entrelazadas: en el centro, iluminada por un rayo de luz que desciende desde arriba, María con el Niño Jesús en brazos, custodiada por San José a la derecha; a la izquierda, los tres Reyes Magos, portando sus regalos en ricos cofres, y todo su séquito, junto con los ángeles que velan desde lo alto. Un detalle curioso son los dos angelitos en la parte inferior, preparando el pesebre para recibir al Niño Jesús. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Marco de estilo de época.

Óleo sobre lienzo. La escena narra un episodio bíblico del Segundo Libro de Samuel: durante el conflicto por la sucesión tras la muerte de Saúl, el primer rey de Israel, Isbaal, hijo de Saúl, fue apoyado por el general Abner como rey de las tribus del norte, mientras que David reinaba sobre Judá. Sin embargo, Isbaal fue asesinado por dos de sus líderes bandidos, Recab y Baana, quienes llevaron su cabeza a David esperando una recompensa, pero David los castigó por su vil acto. En la pintura, el rey David rasga sus vestiduras con ira, con la cabeza de Isbaal a sus pies, mientras sus soldados sujetan a los dos traidores. La escena se desarrolla en el campamento de David. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Seguidor de Carlo Cignani

Óleo sobre lienzo. Esta obra es una de las varias versiones y réplicas contemporáneas de una pieza de Carlo Cignani, lo que atestigua el éxito del artista. Se puede rastrear su procedencia hasta su taller o el de alguno de sus seguidores. La alegoría de la Caridad era uno de los temas favoritos de Carlo Cignani, y la pintó en numerosas ocasiones. Siempre se la representa amamantando, a menudo rodeada de muchos niños, símbolo del amor incondicional que brinda a los demás. En esta representación, la mujer amamanta a dos niños mayores mientras arropa al recién nacido envuelto en una manta que duerme en la cuna. La escena es vivaz y serena, caracterizada por gestos naturales, sencillos pero llenos de ternura; uno de los niños sostiene dos cerezas, símbolo de amor y dulzura. La pintura muestra signos de restauración y reentelado realizados a finales del siglo XIX. El marco dorado, decorado con frisos, también data de este período.

Texto de Jacopo Palma el Viejo

Óleo sobre lienzo. La pintura original en la que se basa esta obra, fiel incluso a su tamaño, perteneciente a una colección privada, se exhibió en 2022 en la exposición organizada por el Museo de Santa Catalina en Treviso. La obra representa a la Virgen con el Niño en el centro, con dos santos a la derecha, casi aislados, en una conversación espiritual. La figura de la derecha es Santa Catalina, reconocible por su símbolo de engranaje; a la izquierda se encuentra San José, representado con apariencia juvenil, probablemente porque adopta los rasgos de la patrona. La pintura ha sido restaurada en el pasado. Se presenta en un marco dorado, de estilo de época.

Óleo sobre cobre. Escuela flamenca del siglo XVII. El cuadro, atribuido por la tradición oral a Frans Francken el Joven (1581 -1642), representa una curación milagrosa realizada por Jesús: mientras iba de camino con sus discípulos, encuentra en su camino a un hombre enfermo, probablemente de lepra, enfermedad que conllevaba el aislamiento y el destierro de la ciudad; el hombre invoca a Cristo que realiza el milagro y lo cura. El cuadro sitúa el acontecimiento en el borde izquierdo de la escena, en primer plano, donde destacan las figuras vestidas a la usanza de la época de Cristo, con colores vivos. Sin embargo, el paisaje que llena el resto de la escena es decididamente nórdico, con un río lleno de agua que fluye por un campo rico en vegetación, y una ciudad al fondo bajo cumbres montañosas. La descripción pictórica de la vegetación es minuciosa y precisa, rica y bien definida en detalles: el tronco roto del primer plano, el follaje del gran árbol situado detrás de los personajes, los pájaros que vuelan alto en el cielo, las pequeñas flores de la orilla, los matices del agua en la que se reflejan las plantas y las nubes, están pintados con un refinamiento pictórico típico de la pintura flamenca, cercano en estilo al del gran artista de Amberes. El cuadro se presenta en un marco antiguo reacondicionado.

Óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVII. Una composición de flores abigarradas en tonos claros está colocada en un jarrón, negro como el fondo, sobre una base de mármol, de la que sólo se distingue la base, porque está recubierta de una tela también negra, de la que sólo destacan los adornos dorados dispuestos para crear un juego de curvas. A ambos lados del plano hay dos pájaros, una gran paloma a la izquierda que sostiene en el pico una pequeña rama robada a la composición, y un pájaro carpintero de cabeza roja a la derecha. En el margen izquierdo hay un paisaje, con un alto árbol curvado bajo un cielo oscuro, y una ciudad al fondo. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. La insólita y peculiar representación presenta a la izquierda las tres figuras de la Sagrada Familia, con Jesús ya niño, sentados a la mesa y bendiciendo la sencilla comida que van a tomar (consistente en fruta y pan). La escena, un tema representado con bastante poca frecuencia y normalmente con un carácter más sagrado debido a la presencia de ángeles que sirven la comida a la familia, tiene aquí en cambio el sabor de una intimidad doméstica muy normal y sencilla. Por otra parte, en torno a la Sagrada Familia se vislumbra majestuosamente una ciudad renacentista, con altos edificios con logias y columnatas, presentados en un bello efecto de perspectiva que conduce, en el extremo derecho, a la muralla de entrada a una ciudad ricamente torreada, probablemente Jerusalén. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. La escena tiene lugar en un campamento militar: fuera de una tienda, a la izquierda, un jefe de un ejército, probablemente griego, recibe las ofrendas de un grupo de hombres, pobres y harapientos, que se postran ante su nuevo señor; el primero reparte panes, otro saca algo de un saco, el tercero muestra las heridas de su cuerpo para invocar misericordia; detrás de ellos se acercan otras figuras que buscan, formando una fila dispersa por el camino que se pierde en la distancia, a la derecha. Al fondo, a la izquierda, la vida en el campamento militar es bulliciosa. El cuadro ha sido restaurado y repintado.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. El cuadro recuerda en su estilo pictórico la producción de Angelo Caroselli (1585-1652), artista romano del Barroco que fue pintor, copista, restaurador, pero también pasticheur y conocedor del arte, es decir, creador de cuadros «a la manera de» -en la «técnica» y el «estilo» de un determinado periodo artístico o autor, incluso ensamblando «partes» de diferentes cuadros. Inicialmente de estilo caravaggesco, Caroselli desarrolló más tarde su propio lenguaje artístico, que fue copiado por muchos artistas menores. En esta obra destaca la expresividad fija y casi exagerada del personaje, la elegancia de su vestido del siglo XVII y los rasgos casi femeninos de su rostro de tez sonrosada, que contrastan con la crudeza de la cabeza ensangrentada de Goliat, con su gran herida cortante que destaca sobre la palidez mortal. El cuadro ha sido restaurado y enmarcado de nuevo, conservando el marco de madera original. Se presenta en un marco de madera coe

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana de los siglos XVII-XVIII. Una gran composición de flores de colores, en jarrones de metal repujado, y algunas frutas esparcidas por el suelo, se colocan junto a una pared que domina un paisaje marítimo: la luminosidad del cielo y del mar a la derecha contrasta con la zona sombreada de la izquierda, sobre el que destacan los colores de las flores. El cuadro, repintado y restaurado, presenta una importante grieta. Se presenta en un marco contemporáneo lacado y dorado.

Tamar y Judá

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana, siglo XVII. La historia de Tamar, narrada en el libro del Génesis, es un relato de engaño, justicia y providencia divina. Tamar, viuda de los dos primeros hijos de Judá, se disfraza de prostituta para concebir del propio Judá, quien le había negado un tercer hijo. Tamar queda embarazada y, mostrando el sello, el cordón y el bastón que Judá le había dado como prenda, revela la verdad y obliga a Judá a admitir su culpa y a reconocer a los gemelos que nacerán, quienes entrarán en el linaje de David y Jesús. La historia ha sido ampliamente representada artísticamente: la versión de Tintoretto es famosa, posteriormente recuperada por Bassano, y la pintura que se presenta aquí es similar a ella en la disposición de las figuras y la presencia del perro a la derecha. Restaurada y reencuadernada en la primera mitad del siglo XX, la pintura actualmente muestra una ligera pérdida de color. Se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. En una cueva, con el telón de fondo de picos nevados, un santo ermitaño se encuentra absorto en meditación y contemplación extática ante el Crucifijo, pero con la mirada dirigida al cielo. La pintura muestra signos de restauración y revestimiento de principios del siglo XX. Se presenta en un marco de época.