Pintura de un paisaje fluvial con figuras

Seguidor de Carlo Cignani

Óleo sobre lienzo. Esta obra es una de las varias versiones y réplicas contemporáneas de una pieza de Carlo Cignani, lo que atestigua el éxito del artista. Se puede rastrear su procedencia hasta su taller o el de alguno de sus seguidores. La alegoría de la Caridad era uno de los temas favoritos de Carlo Cignani, y la pintó en numerosas ocasiones. Siempre se la representa amamantando, a menudo rodeada de muchos niños, símbolo del amor incondicional que brinda a los demás. En esta representación, la mujer amamanta a dos niños mayores mientras arropa al recién nacido envuelto en una manta que duerme en la cuna. La escena es vivaz y serena, caracterizada por gestos naturales, sencillos pero llenos de ternura; uno de los niños sostiene dos cerezas, símbolo de amor y dulzura. La pintura muestra signos de restauración y reentelado realizados a finales del siglo XIX. El marco dorado, decorado con frisos, también data de este período.

Texto de Simon Vouet

Óleo sobre lienzo. Esta es una hermosa copia de la famosa pintura de Simon Vouet (1590-1649) creada entre 1618 y 1620, y ubicada en una capilla de la iglesia de San Francesco a Ripa en Roma. Creada por Vouet durante su estancia en Roma, la obra muestra una significativa influencia caravaggista, tanto en sus elecciones cromáticas y de iluminación, como en las poses de las figuras. Estas características se encuentran fielmente en esta copia. La paleta es rica en colores (azul, naranja y obviamente rojo) que se materializan en drapeados pintados con gran pincelada, pero también hay abundancia de telas blancas, que están por todas partes para proporcionar luz y crear un impacto visual. Los detalles son ricos: el elaborado peinado de la figura vista de espaldas y su pie descalzo en primer plano (pero no sucio, como los de Merisi); el jarrón blanco en el suelo contrasta con la gran pila de cobre; El encaje de la camisa y el turbante de la mujer de la derecha, así como su mano izquierda (una pose típica de Caravaggio) extendida abiertamente hacia el espectador, otorgan profundidad a la escena. La pintura fue restaurada y reentelada a finales del siglo XIX y montada sobre un bastidor de la época. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre cobre. Escuela flamenca del siglo XVII. El cuadro, atribuido por la tradición oral a Frans Francken el Joven (1581 -1642), representa una curación milagrosa realizada por Jesús: mientras iba de camino con sus discípulos, encuentra en su camino a un hombre enfermo, probablemente de lepra, enfermedad que conllevaba el aislamiento y el destierro de la ciudad; el hombre invoca a Cristo que realiza el milagro y lo cura. El cuadro sitúa el acontecimiento en el borde izquierdo de la escena, en primer plano, donde destacan las figuras vestidas a la usanza de la época de Cristo, con colores vivos. Sin embargo, el paisaje que llena el resto de la escena es decididamente nórdico, con un río lleno de agua que fluye por un campo rico en vegetación, y una ciudad al fondo bajo cumbres montañosas. La descripción pictórica de la vegetación es minuciosa y precisa, rica y bien definida en detalles: el tronco roto del primer plano, el follaje del gran árbol situado detrás de los personajes, los pájaros que vuelan alto en el cielo, las pequeñas flores de la orilla, los matices del agua en la que se reflejan las plantas y las nubes, están pintados con un refinamiento pictórico típico de la pintura flamenca, cercano en estilo al del gran artista de Amberes. El cuadro se presenta en un marco antiguo reacondicionado.

Óleo sobre tabla. Escuela veneciana, mediados del siglo XVI. Cristo crucificado, en el centro de la escena, está rodeado por cuatro santos identificables por sus símbolos iconográficos: a la izquierda, San Francisco y San Jerónimo; a la derecha, San Sebastián y San Roque. Al fondo se aprecia una vista de una ciudad, probablemente Roma, lo que indica su conexión con la Iglesia como institución. En el reverso se conserva una etiqueta numerada (procedente de una colección privada del siglo XIX). La pintura se presenta enmarcada.

Óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVII. Una composición de flores abigarradas en tonos claros está colocada en un jarrón, negro como el fondo, sobre una base de mármol, de la que sólo se distingue la base, porque está recubierta de una tela también negra, de la que sólo destacan los adornos dorados dispuestos para crear un juego de curvas. A ambos lados del plano hay dos pájaros, una gran paloma a la izquierda que sostiene en el pico una pequeña rama robada a la composición, y un pájaro carpintero de cabeza roja a la derecha. En el margen izquierdo hay un paisaje, con un alto árbol curvado bajo un cielo oscuro, y una ciudad al fondo. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. La insólita y peculiar representación presenta a la izquierda las tres figuras de la Sagrada Familia, con Jesús ya niño, sentados a la mesa y bendiciendo la sencilla comida que van a tomar (consistente en fruta y pan). La escena, un tema representado con bastante poca frecuencia y normalmente con un carácter más sagrado debido a la presencia de ángeles que sirven la comida a la familia, tiene aquí en cambio el sabor de una intimidad doméstica muy normal y sencilla. Por otra parte, en torno a la Sagrada Familia se vislumbra majestuosamente una ciudad renacentista, con altos edificios con logias y columnatas, presentados en un bello efecto de perspectiva que conduce, en el extremo derecho, a la muralla de entrada a una ciudad ricamente torreada, probablemente Jerusalén. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela Emiliana, segunda mitad del siglo XVII. Rosa de Lima, monja peruana (y actualmente patrona del Perú) de la Tercera Orden Dominicana, que vivió entre los siglos XVII y XVIII, es representada según su iconografía tradicional, vestida con el hábito dominico, mientras reza acogiendo la visión mística del Niño Jesús, quien, según la tradición, la convierte en su esposa ofreciéndole una corona de rosas; aquí, las rosas se colocan sobre la piedra frente a la niña. En el reverso de la obra hay una cartela que identifica a los anteriores propietarios como la familia Bezzo Guazzone, residentes del Castillo Salabue en Ponzone Monferrato (Alessandria). La cartela registra la encomienda de la pintura para participar en una exposición hasta el 4 de octubre de 1926. La pintura ha sido previamente reentelada. Se presenta en un marco contemporáneo.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XVIII. La elegante dama posa envuelta en una capa de terciopelo verde con ribetes de piel, adornos dorados y encaje; apoyada lánguidamente con un brazo en la balaustrada de mármol tras ella, sostiene en su regazo a un pequeño perro, que también parece posar. Restaurada y reencuadernada a finales del siglo XIX, la pintura presenta actualmente ligeras pérdidas de pintura. Se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX, que también presenta algunas pérdidas y dorados.

Trinidad

Óleo sobre lienzo. El original, pintado en 1592 y expuesto en la Capilla Risaliti de Santa Croce, Florencia, tuvo un éxito rotundo, tanto que se produjeron numerosas copias, incluyendo copias posteriores y no autógrafas. Esta versión del siglo XVIII, bellamente elaborada, es de menor tamaño, quizás destinada a la devoción personal en una capilla privada. La obra representa a la Trinidad en gloria, con el Padre sosteniendo el cuerpo muerto del Hijo, sobre cuya cabeza se cierne el Espíritu Santo; rodeado de ángeles y arcángeles, y a los pies de Jesús, aún en tierra, se representan los instrumentos de tortura y muerte en la cruz. La pintura fue restaurada y reencuadernada en el pasado. La obra se presenta en un hermoso marco contemporáneo, con ricas decoraciones florales (falta la decoración de la esquina superior izquierda).

Óleo sobre tabla. Escuela toscano-emiliana, finales del siglo XV-principios del XVI. La Virgen está representada sentada en un trono, con el Niño en brazos y flanqueada por dos ángeles; las figuras están colocadas bajo un dosel, lo que realza su estatus real. Un monograma en el reverso probablemente identifica al artista. La tabla presenta algunas pérdidas de pintura y daños en la madera. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre tabla de nogal. La pintura sigue modelos toscanos de principios del siglo XVI (por ejemplo, el estilo pictórico de Domenico Puligo), pero es una producción ligeramente posterior y de una mano más débil, típica de la producción "periférica". El tema, absolutamente tradicional, presenta a la Virgen amamantando al Niño Jesús, enmarcada por una cortina; el niño, mamando del pecho de su madre, mira al espectador, mientras la madre contempla con ternura a su hijo. El monograma CP aparece en el reverso de la tabla, probablemente indicando al artista. La tabla presenta varias pequeñas pérdidas de pintura.

Paisaje con Figuras

Óleo sobre lienzo. La composición, de grandes dimensiones, representa un paisaje con un gran árbol en el centro, cuyas escasas ramas dominan la campiña, atravesada por un curso de agua y animada por diversas figuras de personas en actividad o en reposo; una fortaleza se eleva en lo alto, a la derecha, dominando el valle. Atribuido ya a Peruzzini, de la región de Las Marcas, el cuadro se remonta sin duda a su esfera, debido a los trazos pictóricos rápidos y poco agrupados. Antonio Francesco se especializó en la pintura de paisaje, recibiendo la influencia de Salvator Rosa y de pintores paisajistas como Pietro Montanini y Pandolfo Reschi, y otras influencias le llegaron de pintores nórdicos activos en Italia, especialmente Pieter Mulier, conocido como Tempesta. En sus primeras obras ya se puede distinguir la originalidad de su pintura, dada la rapidez de su trazo y la intensidad y brillantez de sus colores. A principios de los años noventa se inicia la larga relación artística de Antonio Francesco Peruzzini con Alessandro Magnasco, tras su encuentro en Milán, donde Peruzzini se había establecido; a partir de este periodo, su pintura parece descomponerse, a través de formas que se vuelven más dinámicas y ligeras, casi fantásticas, para llegar finalmente a un estilo marcado por una creciente desintegración de las formas de la naturaleza y de su movimiento. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.