Pintura de Santa Rosa de Lima y el Niño Jesús

Trinidad

Óleo sobre lienzo. El original, pintado en 1592 y expuesto en la Capilla Risaliti de Santa Croce, Florencia, tuvo un éxito rotundo, tanto que se produjeron numerosas copias, incluyendo copias posteriores y no autógrafas. Esta versión del siglo XVIII, bellamente elaborada, es de menor tamaño, quizás destinada a la devoción personal en una capilla privada. La obra representa a la Trinidad en gloria, con el Padre sosteniendo el cuerpo muerto del Hijo, sobre cuya cabeza se cierne el Espíritu Santo; rodeado de ángeles y arcángeles, y a los pies de Jesús, aún en tierra, se representan los instrumentos de tortura y muerte en la cruz. La pintura fue restaurada y reencuadernada en el pasado. La obra se presenta en un hermoso marco contemporáneo, con ricas decoraciones florales (falta la decoración de la esquina superior izquierda).

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana, mediados del siglo XVIII. La obra refleja el estilo pictórico de Marco Ricci (1676-1730), especializado en grandes paisajes, a menudo con fines escenográficos. La obra podría atribuirse a uno de sus alumnos. El amplio paisaje, enmarcado por dos grupos de árboles casi simétricos, presenta una larga cordillera a la izquierda y un caudaloso río a la derecha que fluye desde un lago hacia el campo. En primer plano, una lavandera se concentra en su trabajo mientras dos jinetes pasan por el sendero. La pintura fue restaurada y reencuadernada a mediados del siglo XX; actualmente presenta pérdidas de pintura y manchas. Se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre tabla. Escuela toscano-emiliana, finales del siglo XV-principios del XVI. La Virgen está representada sentada en un trono, con el Niño en brazos y flanqueada por dos ángeles; las figuras están colocadas bajo un dosel, lo que realza su estatus real. Un monograma en el reverso probablemente identifica al artista. La tabla presenta algunas pérdidas de pintura y daños en la madera. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre tabla de nogal. La pintura sigue modelos toscanos de principios del siglo XVI (por ejemplo, el estilo pictórico de Domenico Puligo), pero es una producción ligeramente posterior y de una mano más débil, típica de la producción "periférica". El tema, absolutamente tradicional, presenta a la Virgen amamantando al Niño Jesús, enmarcada por una cortina; el niño, mamando del pecho de su madre, mira al espectador, mientras la madre contempla con ternura a su hijo. El monograma CP aparece en el reverso de la tabla, probablemente indicando al artista. La tabla presenta varias pequeñas pérdidas de pintura.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia, siglo XVII. En esta Sagrada Familia, la figura central es María: sentada en el centro de la escena, gira el rostro hacia la izquierda, hacia José, escuchando atenta y concentrada lo que su compañero le lee. Mientras tanto, la mujer cubre con cariño con un paño al niño Jesús, que duerme plácidamente en la cuna, a la derecha de su madre. El rostro del Niño también está iluminado e irradia su luz hacia su madre. Al fondo, un paisaje italiano. Las figuras se muestran armoniosas y equilibradas en los movimientos de sus cuerpos, y toda la escena emana una tranquilidad y una serenidad hogareña, muy terrenal. La pintura fue reentelada a principios del siglo XX. Se aprecian rastros de desgarros previos y ligeras pérdidas de color. Se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX (pérdida del dorado).

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Dentro de un paisaje bastante árido, con ruinas arquitectónicas a la izquierda y cumbres nevadas al fondo a la derecha, unos pastores, al frente de sus rebaños de vacas, ovejas y cabras, pasan por el camino. En el paisaje septentrional, el tono rosado del cielo y el carácter pastoril de la escena confieren esa atmósfera idealista típica de la pintura de paisaje del siglo XVIII, en la que prevalecía la realización del sentimiento más que la intención de transposición realista. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. El paisaje de una campiña rica en vegetación, con al fondo una cordillera de picos escarpados, se ve animado por la presencia de tres lavanderas que se dirigen al río con carretillas llenas de ropa, mientras un viajero cruza el pequeño puente que cruza el riachuelo. La obra está realizada al estilo de Antonio Peruzzini (1650-1724), probablemente por uno de sus alumnos o seguidores. Peruzzini fue una figura clave de la pintura de paisaje de los siglos XVII y XVIII, donde partió de una expresión del siglo XVII para llegar a una interpretación del movimiento y el color típicos del rococó, utilizando tonos más claros y brillantes e infundiendo una especie de vitalidad en sus pinturas. El uso del color es particular, especialmente en el sombreado de las figuras humanas, delineadas por gruesas pinceladas de tela que las hacen emerger en primer plano del paisaje. La pintura ya fue restaurada y reentelada en el pasado, y actualmente se encuentra en buen estado. Se presenta en un marco de época.

Paisaje Invernal con Figuras

Óleo sobre lienzo. En un paisaje campestre invernal, salpicado de nieve, sobre la naturaleza desnuda, sombría y árida, un camino serpentea entre árboles completamente pelados, conduce al pueblo, y por él pasan algunos caminantes, mientras a un lado trabajan algunos leñadores. Un denso cielo de nubes oscuras se cierne sobre todo, aunque a la izquierda se abre un atisbo de azul. El estilo recuerda la obra de Marco Ricci, pintor bellunés célebre por su indudable talento para las representaciones naturalistas y arquitectónicas. Sus paisajes, aún con un marcado gusto del siglo XVII, están ya iluminados por luces potentes y emotivas, árboles secos y retorcidos, rocas y torres, nubes cumuliformes que se rompen de repente en vagos destellos de azul, un complejo repertorio que transfigura la naturaleza en una representación dramática e inquieta. Se convirtió en una referencia para otros artistas de su época, que adoptaron su estilo, como en esta obra. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela véneta del siglo XVIII. Amplio paisaje de colinas prealpinas, atravesado por un riachuelo que llega hasta el molino en el primer plano de la derecha, mientras numerosas figuras de plebeyos animan el camino que conduce al edificio, dedicados a diversas ocupaciones; los dos pescadores con redes destacan en el primer plano del centro. Anteriormente atribuido a Giuseppe Zais (1709-1784), pintor veneciano conocido por sus amplios paisajes animados con figuras, caracterizados por una luminosidad aérea y un cuidado en la descripción de la naturaleza. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Bodegón con Agujeros, fruta, loro y codorniz

Óleo sobre lienzo. La composición, de grandes dimensiones, está llena de elementos muy variados: en el centro se encuentra una gran composición floral de múltiples variedades de vivos colores. A la izquierda de las flores, apoyado en un capitel dórico, hay un periquito de vivos colores que contrasta con los colores apagados de los pájaros que yacen en el suelo debajo, junto con algunas calabazas y un jarrón de peltre. Según el experto en arte Dr. Gianluca Bocchi (cuya pericia se adjunta), la obra se remonta a la producción de Carlo Antonio Crespi, pintor activo en Como hacia mediados del siglo XVIII, de la misma familia Crespi a la que también pertenece el artista boloñés del mismo nombre. Al nacido en Como, Crespi le gustaba crear composiciones con los productos de la fértil tierra del valle del Po, en compañía de pequeños animales, cerámicas o cestas de mimbre, jarrones de flores, todo ello sobre un fondo de elementos arquitectónicos barrocos o clásicos. Sus lienzos, a menudo de grandes dimensiones, remiten al mundo de las villas y palacios de la campiña lombarda del siglo XVIII. El cuadro, restaurado y retocado, se presenta en un elegante marco. Procede de una importante colección (en el reverso se menciona al comendador Arturo Stucchi, empresario de Como).

Amor y Psique

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. La escena está basada, con algunas variaciones pero muy próxima en tamaño, en una parte del gran fresco titulado «Banquete de los dioses» de la Cámara de Cupido (o Cámara de Cupido y Psique) del Palacio Té de Mantua, una gran representación de más de nueve metros realizada por Giulio Romano y su taller en el siglo XVI. La escena representada (que en Mantua se sitúa a la derecha del gran banquete), ve a Cupido y Psique tumbados sobre un triclinio, mientras una pequeña figura alada los corona de laurel y dos ninfas lavan la mano del Amor; al fondo, a la derecha, un grupo de sátiros sacrifica una cabra en el altar de una divinidad, mientras en el centro, a lo lejos, arde una ciudad. El banquete de los dioses es el momento final del mito de los dos amantes, que, tras muchas pruebas y vicisitudes, obtienen el permiso de Venus para casarse. La obra, restaurada y reencuadrada, se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. La gran escena está ambientada en el exterior de una fortaleza rocosa y muestra a una guarnición de soldados preparándose para la batalla. En primer plano a la izquierda, cerca de un árbol, el grupo de comandantes a caballo observa el trabajo y da órdenes, mientras las tropas arman sus cañones en las terrazas, preparan lanzas rudimentarias y afilan sus armas blancas. Los colores son claros y apagados, con gradaciones de gris que pasan del cielo despejado con nubes a la fortaleza rocosa, para perderse en el terreno virando a un beige arenoso; sólo destacan algunos uniformes de oficiales, que rompen la uniformidad cromática. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.