Espejo de los años 60

El busto representa a una mujer noble, ricamente vestida. Ciertamente un retrato, como se desprende de la gran tipificación fisonómica del rostro; el retratado tiene una mirada y una actitud austeras, elemento que distinguió los retratos escultóricos de la época. El cabello se recoge en la nuca en un elaborado peinado trenzado. El cuello está decorado con una gargantilla con un medallón central y varios hilos de perlas. Lleva un vestido que deja los hombros al descubierto, rematado con un fino borde de encaje y un lazo en medio del pecho. Gran destreza del escultor en el uso del cincel para rematar los detalles y en el renderizado material de los tejidos.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana, primera mitad del siglo XVIII. Este paisaje, de cuidada factura, recuerda al estilo pictórico de Bartolomeo Pedon (1665-1732), uno de los paisajistas más interesantes del Barroco veneciano. Abundante en vegetación, el paisaje se centra en un sendero que parte del bosque hacia el amplio valle, donde se divisan a lo lejos granjas dispersas y un río; el paisaje se difumina en tonos azules que se funden con el cielo. Varias figuras transitan por el sendero en primer plano: una mujer con una jarra sobre la cabeza (se vislumbra un pequeño recipiente con agua a la izquierda) conversa con una pastora sentada, mientras sus ovejas pastan cerca, y otros pastores pasan por el camino. Los detalles de la vegetación son precisos y están bien representados, al igual que los de los edificios. La pintura se presenta en un marco de madera de la época, redorado a principios del siglo XX.

Retrato Femenino

Óleo sobre lienzo. Firmado a la derecha, en el centro del lienzo. Se trata del retrato de una mujer de luto, una joven viuda, como se desprende no sólo del vestido negro, sino del tocado y sobre todo del camafeo con un retrato masculino, que lleva colgado del cuello. Achille Zo fue un artista francés (origen de Bayona, localidad del Pirineo que sufrió la influencia cultural del País Vasco), que, a pesar de haber permanecido repetidas veces en París y Burdeos, donde se formó artísticamente, luego realizó varios viajes a España, ambos a Madrid (en 1856) y a Andalucía (1860), produciendo durante varios años obras sobre temas históricos o escenas de género españolas. A finales de la década de 1960, recurrió al orientalismo. También hay varios retratos en su producción. La pintura que aquí se propone, en el primer lienzo, se presenta en un bello marco contemporáneo de la segunda mitad del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo de la escuela veneciana de la primera mitad del siglo XVIII. El paisaje evoca el estilo pictórico de Bartolomeo Pedon, uno de los paisajistas barrocos venecianos más renombrados. La escena, rica en vegetación, enmarca un claro en el bosque cerca de un arroyo que desemboca en un río. Pastores, hombre y mujer, descansan y comen mientras su rebaño pasta cerca. Al fondo, se extiende un valle con edificios dispersos y picos de montañas que se funden con el cielo azul. Los detalles de la vegetación y los edificios son precisos y están bien representados. La pintura se presenta en un marco de madera de la época, redorado a principios del siglo XX.

Vistazo de Corfú con una Pequeña Iglesia y Mónaco

Acuarela sobre papel. Firmada abajo a la izquierda. Angelos Giallinas, nacido en Corfú, se distinguió por sus numerosas vistas de su isla natal, aunque su producción paisajística incluye vistas de Grecia, otras islas griegas, ciudades italianas y orientales. Sus vistas en acuarela están impregnadas de una atmósfera suspendida y velada. El cuadro presenta ligeros arañazos. Enmarcado.

Vistazo de Corfú con Mónaco

Acuarela sobre papel. Firmada abajo a la izquierda. Angelos Giallinas, nacido en Corfú, se distinguió por sus numerosas vistas de su isla natal, aunque su producción paisajística incluye vistas de Grecia, otras islas griegas, ciudades italianas y orientales. Sus vistas en acuarela están impregnadas de una atmósfera suspendida y velada. El cuadro presenta ligeros arañazos. Enmarcado.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea del siglo XVIII. La distinguida dama, que luce un vestido adornado con lazos y encajes, está sentada ante su escritorio y sostiene una carta en la mano; en el ángulo inferior izquierdo, un sobre lleva trazos de un nombre, desgraciadamente poco legible, recurso para dar a conocer a la retratada. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo de finales del siglo XIX que representa una escena de batalla naval, con un galeón de remos de estilo renacentista en el centro. La obra, de clara inspiración histórica, presenta una figura femenina alegórica en la esquina superior derecha, rodeada de querubines, ondeando una bandera tricolor (roja, blanca y presumiblemente verde como tercer color) y sosteniendo un bastón de mando coronado por un águila (símbolo del poder imperial). Estos elementos iconográficos evocan el simbolismo común en las representaciones festivas de batallas navales, donde la figura femenina aparece en los cielos como emblema de victoria y gloria. Se desliza hacia el soldado con armadura herido sobre una roca en la parte inferior izquierda, mirando hacia la figura celestial que comienza a reconocer su valor patriótico. El uso del color y la luz enfatiza la atmósfera dramática. Los contornos poco definidos de los elementos, a pesar de la riqueza de detalles, remiten a la producción de finales del siglo XIX. El lienzo presenta una pérdida generalizada de pintura y requiere restauración. Se presenta en un marco de época.

Niño con gallinas

Óleo sobre lienzo. El estilo pictórico y la temática de la pintura recuerdan al círculo de Giacomo Francesco Cipper, conocido como Todeschini, un artista de origen austriaco que se estableció en Milán. Se especializó en escenas de mercado, conciertos al aire libre, jugadores de cartas y escenas de la vida cotidiana humilde, representadas con una caricatura lúdica y una búsqueda del efecto cómico. Este es el caso de esta obra, que retrata a un joven plebeyo cuidando dos gallinas colocadas en una cesta sobre la mesa, ¡aunque el cuchillo que yace a su lado sugiere que está a punto de sacrificarlas! Los personajes de Cipper, aunque humildes, se caracterizan por una naturaleza impertinente, manifestada en sus miradas fijas al espectador, atrayendo su atención. Esto también se cumple en este caso: el niño mira al frente, riendo y guiñando un ojo, buscando la aprobación o incluso la complicidad del espectador. Por lo tanto, la obra puede atribuirse a un artista muy cercano a Cipper. Ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco guilloché de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Firma no identificada en la parte inferior derecha. Se trata de una copia del autorretrato pintado por el famoso pintor holandés alrededor de 1639, que actualmente se conserva en el Museo del Louvre en París. Presenta parches en el reverso. Se presenta en un marco dorado de la época.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. Verónica, personaje que aparece durante la Pasión de Cristo, fue la piadosa mujer que, siguiendo a Jesús en su subida al Calvario con la cruz a cuestas, le limpió el rostro con un paño: según la tradición, el rostro de Jesús quedó impreso en el paño. Por ello, la santa se representa iconográficamente presentando este paño, en recuerdo del milagro que recibió como resultado de su gesto caritativo, como en este cuadro, donde a la izquierda aparecen al fondo las tres cruces del Gólgota, hacia las que se vuelve la Verónica, como recuerdo de que presenció la muerte de Jesús. Ya restaurado y retocado, probablemente a finales del siglo XIX/principios del XX, el lienzo presenta otras pequeñas caídas de color y manchas. Se presenta en un marco antiguo dorado.

La gran escena narra el episodio bíblico del Libro del Éxodo, el milagro realizado por Dios para ayudar al pueblo de Israel a huir de Egipto. Dado que los israelitas no encontraban alimento en el desierto, Dios hizo llover maná del cielo cada mañana. Este cubría el suelo como rocío y podía recogerse y consumirse, aunque la voluntad divina dictaba que solo se recogiera la cantidad necesaria para ese día, como señal de confianza en Dios, quien renovaría el milagro. En la escena que aquí se presenta, varias mujeres, hombres y niños se encuentran en el centro, utilizando cualquier recipiente que encuentran para recoger el ligero polvo blanco que cae del cielo. Un rayo de luz que ilumina la escena indica la presencia divina. A la derecha, se puede ver a Moisés y Aarón observando con satisfacción; a la izquierda, al fondo, se encuentra el campamento israelita con otras figuras que se apresuran a recoger el alimento. Mientras que el profeta y el sacerdote visten ropa de época, las mujeres del centro llevan elegantes vestidos contemporáneos a la pintura. La obra muestra rastros de restauraciones anteriores; actualmente hay desgarros en el lienzo. Se presenta en un marco de estilo del siglo XIX.