Pintura de escena campestre

Óleo sobre lienzo. El cuadro representa el retrato de medio cuerpo de un joven deshabillé que enciende su pipa sacando fuego con un bastón de la vela colocada frente a él sobre la mesa en la que también reposa una espada: tal vez se trate de un joven caballero en un momento de descanso. Precisamente la vela, única fuente de luz de la escena, sugiere que el artista se inspiraba en la producción de Georges De La Tour (1593-1652), pintor francés del estilo de Caravaggio que se dio a conocer con sus escenas «nocturnas», caracterizadas por figuras, generalmente personas de bajo rango más que modelos históricos o personajes de alta alcurnia, iluminadas por la luz de una vela, creando una atmósfera especial de intimidad. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. El cuadro recuerda en su estilo pictórico la producción de Angelo Caroselli (1585-1652), artista romano del Barroco que fue pintor, copista, restaurador, pero también pasticheur y conocedor del arte, es decir, creador de cuadros «a la manera de» -en la «técnica» y el «estilo» de un determinado periodo artístico o autor, incluso ensamblando «partes» de diferentes cuadros. Inicialmente de estilo caravaggesco, Caroselli desarrolló más tarde su propio lenguaje artístico, que fue copiado por muchos artistas menores. En esta obra destaca la expresividad fija y casi exagerada del personaje, la elegancia de su vestido del siglo XVII y los rasgos casi femeninos de su rostro de tez sonrosada, que contrastan con la crudeza de la cabeza ensangrentada de Goliat, con su gran herida cortante que destaca sobre la palidez mortal. El cuadro ha sido restaurado y enmarcado de nuevo, conservando el marco de madera original. Se presenta en un marco de madera coe

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana de los siglos XVII-XVIII. Una gran composición de flores de colores, en jarrones de metal repujado, y algunas frutas esparcidas por el suelo, se colocan junto a una pared que domina un paisaje marítimo: la luminosidad del cielo y del mar a la derecha contrasta con la zona sombreada de la izquierda, sobre el que destacan los colores de las flores. El cuadro, repintado y restaurado, presenta una importante grieta. Se presenta en un marco contemporáneo lacado y dorado.

Óleo sobre lienzo. La gran escena, ambientada en un paisaje montañoso, con un pueblo y ruinas al fondo a la izquierda, está completamente ocupada por el grupo compacto de numerosas figuras vivientes: sentada en el centro, la familia del pastor, observando a su compañero sosteniendo al pequeño en sus brazos en pañales; A su alrededor, los animales, desde el fiel perro pastor hasta los animales del rebaño, ovejas, cabras y vacas, también descansan. Destaca el gran naturalismo de las figuras animales, que remite como modalidad pictórica a las obras de la escuela de Philipp Peter Roos, conocido como Rosa da Tivoli (1657-1706), pintor alemán considerado uno de los mejores pintores de animales activos en Italia en el siglo XVII, caracterizada por la peculiar capacidad de evocar el vellón y la apariencia de los animales. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco dorado de época.

Tamar y Judá

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana, siglo XVII. La historia de Tamar, narrada en el libro del Génesis, es un relato de engaño, justicia y providencia divina. Tamar, viuda de los dos primeros hijos de Judá, se disfraza de prostituta para concebir del propio Judá, quien le había negado un tercer hijo. Tamar queda embarazada y, mostrando el sello, el cordón y el bastón que Judá le había dado como prenda, revela la verdad y obliga a Judá a admitir su culpa y a reconocer a los gemelos que nacerán, quienes entrarán en el linaje de David y Jesús. La historia ha sido ampliamente representada artísticamente: la versión de Tintoretto es famosa, posteriormente recuperada por Bassano, y la pintura que se presenta aquí es similar a ella en la disposición de las figuras y la presencia del perro a la derecha. Restaurada y reencuadernada en la primera mitad del siglo XX, la pintura actualmente muestra una ligera pérdida de color. Se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. En una cueva, con el telón de fondo de picos nevados, un santo ermitaño se encuentra absorto en meditación y contemplación extática ante el Crucifijo, pero con la mirada dirigida al cielo. La pintura muestra signos de restauración y revestimiento de principios del siglo XX. Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela genovesa, principios del siglo XVIII. El hombre, cuya espesa peluca sugiere nobleza o estatus de clase media alta, lleva un pectoral de metal bruñido, bajo el cual emerge de su vaina una corbata de encaje. El pectoral presenta varios símbolos familiares. El retrato refleja el estilo popular en Génova a finales del siglo XVII y principios del XVIII, basado en los modelos franceses de Rigaud. La pintura presenta algunas pérdidas de pintura. Aún en su lienzo original, estuvo montada previamente sobre un bastidor de madera de principios del siglo XX. Se presenta en un marco del siglo XVIII.

Óleo sobre lienzo. Escuela Lombarda, siglo XVIII. La composición, sobre un fondo oscuro, presenta una gran rama cargada de racimos de uvas que caen sobre un jarrón con flores de colores y otras frutas (higos y manzanas) en el suelo. Dos pequeños pájaros se posan en la rama. Previamente restaurada y reencuadernada, la pintura se presenta en un marco de madera de finales del siglo XIX.

siglo XVIII

Óleo sobre lienzo. Escuela Emiliana, siglo XVIII. Gran composición frutal variada con melocotones, peras, cerezas, granadas y uvas, entre las que se encuentran una col grande, un racimo de tubérculos y claveles. A la izquierda, dos frascos de vidrio con mermelada de frutas. La composición rebosa de una tina de madera colocada sobre una mesa en un entorno al aire libre, con copas de árboles y arbustos al fondo. La pintura fue restaurada y reencuadernada en el pasado. Se presenta en un marco dorado de la época.

Óleo sobre lienzo. El episodio bíblico representado se refiere a la historia de Daniel, el profeta de la corte del rey Darío el Medo que, por rezar a su Dios, fue condenado a ser arrojado al foso de los leones. Pero Dios salvó a Daniel, enviando a un ángel para que cerrara las fauces de las fieras, y el rey perdonó a Daniel haciendo que condenaran en su lugar a quienes lo habían denunciado. El tema ha sido representado varias veces en el arte, por la fascinación ligada a la historia, pero también por su sabor exótico debido a la presencia de las fieras. Destaca especialmente la versión de Rubens de 1615, en la que el profeta aparece desnudo en el foso bajo tierra, rezando fervorosamente, rodeado de una multitud de feroces leones. En cambio, la obra que aquí se presenta propone una versión centrada en el diálogo entre el profeta y el ángel, que se encuentran frente a frente, destacando con los vivos colores de sus vestiduras sobre el fondo oscuro de una prisión; sólo hay un león, agazapado mansamente a los pies del ángel, por lo que prevalece la dimensión espiritual y salvífica del acontecimiento bíblico. Según el célebre historiador del arte Maurizio Marini, especialista en Caravaggio y el arte barroco, que tuvo ocasión de contemplar el cuadro hace años, la obra podría atribuirse a Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) por sus elecciones compositivas y cromáticas. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta con un marco de listones.

Óleo sobre lienzo. Escuela napolitana, siglo XVIII. La obra deriva de una de Francesco Solimena, reproducida repetidamente a lo largo de los siglos, primero por su propio taller y luego por otros artistas anónimos. Esta copia, sin embargo, se representa en espejo respecto al original, sobre un lienzo rectangular, aunque inscrita dentro de un óvalo, al igual que el original. La representación alegórica del continente americano suele representarse como una mujer, desnuda o semidesnuda, armada con arco y flecha, con una corona de plumas exóticas en la cabeza, flanqueada por un animal exótico, en este caso un loro, en el acto de someter a un hombre tendido en el suelo, probablemente un nativo. La pintura ha sido restaurada y reencuadernada en el pasado. Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela Emiliana del siglo XVII. Representación tradicional de la Sagrada Familia, de medio cuerpo en primer plano, con el Niño Jesús amamantando a su madre, mirando al espectador, indicando que ya está concentrado en su futuro. María y José contemplan con ternura al Niño, mientras que su supuesto padre permanece al fondo, en sombra, para no restar protagonismo a las otras dos figuras. Previamente restaurada y reencuadernada, la pintura se encuentra en buen estado y se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.