Pintando Marina del Porto

Seguidor de Carlo Cignani

Óleo sobre lienzo. Esta obra es una de las varias versiones y réplicas contemporáneas de una pieza de Carlo Cignani, lo que atestigua el éxito del artista. Se puede rastrear su procedencia hasta su taller o el de alguno de sus seguidores. La alegoría de la Caridad era uno de los temas favoritos de Carlo Cignani, y la pintó en numerosas ocasiones. Siempre se la representa amamantando, a menudo rodeada de muchos niños, símbolo del amor incondicional que brinda a los demás. En esta representación, la mujer amamanta a dos niños mayores mientras arropa al recién nacido envuelto en una manta que duerme en la cuna. La escena es vivaz y serena, caracterizada por gestos naturales, sencillos pero llenos de ternura; uno de los niños sostiene dos cerezas, símbolo de amor y dulzura. La pintura muestra signos de restauración y reentelado realizados a finales del siglo XIX. El marco dorado, decorado con frisos, también data de este período.

Óleo sobre lienzo. Escuela holandesa, siglo XVIII. En esta dramática escena, tres veleros se encuentran a merced de un mar embravecido; dos de ellos enarbolan la bandera holandesa, mientras que el tercero, más pequeño, casi un bote, ondea otra bandera. El cielo y el mar grises y tormentosos crean un fondo uniformemente oscuro, con un resquicio de luz a la derecha, que se filtra entre las nubes. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco antiguo contemporáneo.

Óleo sobre lienzo. El cuadro representa el retrato de medio cuerpo de un joven deshabillé que enciende su pipa sacando fuego con un bastón de la vela colocada frente a él sobre la mesa en la que también reposa una espada: tal vez se trate de un joven caballero en un momento de descanso. Precisamente la vela, única fuente de luz de la escena, sugiere que el artista se inspiraba en la producción de Georges De La Tour (1593-1652), pintor francés del estilo de Caravaggio que se dio a conocer con sus escenas «nocturnas», caracterizadas por figuras, generalmente personas de bajo rango más que modelos históricos o personajes de alta alcurnia, iluminadas por la luz de una vela, creando una atmósfera especial de intimidad. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. La escena tiene lugar en un campamento militar: fuera de una tienda, a la izquierda, un jefe de un ejército, probablemente griego, recibe las ofrendas de un grupo de hombres, pobres y harapientos, que se postran ante su nuevo señor; el primero reparte panes, otro saca algo de un saco, el tercero muestra las heridas de su cuerpo para invocar misericordia; detrás de ellos se acercan otras figuras que buscan, formando una fila dispersa por el camino que se pierde en la distancia, a la derecha. Al fondo, a la izquierda, la vida en el campamento militar es bulliciosa. El cuadro ha sido restaurado y repintado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana de los siglos XVII-XVIII. Una gran composición de flores de colores, en jarrones de metal repujado, y algunas frutas esparcidas por el suelo, se colocan junto a una pared que domina un paisaje marítimo: la luminosidad del cielo y del mar a la derecha contrasta con la zona sombreada de la izquierda, sobre el que destacan los colores de las flores. El cuadro, repintado y restaurado, presenta una importante grieta. Se presenta en un marco contemporáneo lacado y dorado.

Óleo sobre lienzo. La pintura está inspirada en el famoso "Homenaje a Venus" de Tiziano, ampliamente copiado y reinterpretado durante el siglo XVII. En la versión que se presenta aquí, no hay referencia a Venus, sino que parece ser una celebración de la primavera: un gran grupo de Cupidos invade la exuberante campiña, tejiendo coronas y llenando cestas y palanganas, acariciando animales (cabras, ovejas, perros) y, al fondo, pescando en el río. La pintura fue restaurada y reencuadernada en el pasado. Se presenta en un marco antiguo especialmente adaptado.

Óleo sobre lienzo. En una cueva, con el telón de fondo de picos nevados, un santo ermitaño se encuentra absorto en meditación y contemplación extática ante el Crucifijo, pero con la mirada dirigida al cielo. La pintura muestra signos de restauración y revestimiento de principios del siglo XX. Se presenta en un marco de época.

Iglesia en ruinas 1782

Acuarela y tinta sobre papel. En la parte inferior izquierda se encuentra la inscripción «IF Gout Dell. 1782»; en el centro, el número 4, que indica que pertenece a una serie de temas. El pequeño fragmento enmarca las ruinas de una iglesia de estilo gótico, en medio de un pueblo igualmente abandonado. Presentado enmarcado.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XVIII. La elegante dama posa envuelta en una capa de terciopelo verde con ribetes de piel, adornos dorados y encaje; apoyada lánguidamente con un brazo en la balaustrada de mármol tras ella, sostiene en su regazo a un pequeño perro, que también parece posar. Restaurada y reencuadernada a finales del siglo XIX, la pintura presenta actualmente ligeras pérdidas de pintura. Se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX, que también presenta algunas pérdidas y dorados.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La composición presenta un busto femenino en el centro, retratado como si se tratara de una efigie escultórica, debido a la monocromía que evoca el mármol; está rodeado por una guirnalda de flores multicolores, que se extienden desde ramas retorcidas en lo alto, mientras que un paisaje se desvanece en el fondo. Este tipo de retrato procede de una solución originada en los círculos flamencos y difundida en Italia por Daniel Seghers. Restaurado y retocado, el cuadro presenta ligeros desvanecimientos de color. Se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre tabla. Escuela flamenca, siglo XVIII. En un paisaje campestre con un sendero serpenteante entre árboles retorcidos, un grupo de viajeros —hombres, mujeres y niños— y la mula de carga, también arrodillada en el suelo, descansan sentados al borde del camino. La obra se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Trinidad

Óleo sobre lienzo. El original, pintado en 1592 y expuesto en la Capilla Risaliti de Santa Croce, Florencia, tuvo un éxito rotundo, tanto que se produjeron numerosas copias, incluyendo copias posteriores y no autógrafas. Esta versión del siglo XVIII, bellamente elaborada, es de menor tamaño, quizás destinada a la devoción personal en una capilla privada. La obra representa a la Trinidad en gloria, con el Padre sosteniendo el cuerpo muerto del Hijo, sobre cuya cabeza se cierne el Espíritu Santo; rodeado de ángeles y arcángeles, y a los pies de Jesús, aún en tierra, se representan los instrumentos de tortura y muerte en la cruz. La pintura fue restaurada y reencuadernada en el pasado. La obra se presenta en un hermoso marco contemporáneo, con ricas decoraciones florales (falta la decoración de la esquina superior izquierda).