Alegoría pictórica de la caridad - Seguidor de Carlo Cignani

Texto de Jacopo Palma el Viejo

Óleo sobre lienzo. La pintura original en la que se basa esta obra, fiel incluso a su tamaño, perteneciente a una colección privada, se exhibió en 2022 en la exposición organizada por el Museo de Santa Catalina en Treviso. La obra representa a la Virgen con el Niño en el centro, con dos santos a la derecha, casi aislados, en una conversación espiritual. La figura de la derecha es Santa Catalina, reconocible por su símbolo de engranaje; a la izquierda se encuentra San José, representado con apariencia juvenil, probablemente porque adopta los rasgos de la patrona. La pintura ha sido restaurada en el pasado. Se presenta en un marco dorado, de estilo de época.

Óleo sobre cobre. Escuela flamenca del siglo XVII. El cuadro, atribuido por la tradición oral a Frans Francken el Joven (1581 -1642), representa una curación milagrosa realizada por Jesús: mientras iba de camino con sus discípulos, encuentra en su camino a un hombre enfermo, probablemente de lepra, enfermedad que conllevaba el aislamiento y el destierro de la ciudad; el hombre invoca a Cristo que realiza el milagro y lo cura. El cuadro sitúa el acontecimiento en el borde izquierdo de la escena, en primer plano, donde destacan las figuras vestidas a la usanza de la época de Cristo, con colores vivos. Sin embargo, el paisaje que llena el resto de la escena es decididamente nórdico, con un río lleno de agua que fluye por un campo rico en vegetación, y una ciudad al fondo bajo cumbres montañosas. La descripción pictórica de la vegetación es minuciosa y precisa, rica y bien definida en detalles: el tronco roto del primer plano, el follaje del gran árbol situado detrás de los personajes, los pájaros que vuelan alto en el cielo, las pequeñas flores de la orilla, los matices del agua en la que se reflejan las plantas y las nubes, están pintados con un refinamiento pictórico típico de la pintura flamenca, cercano en estilo al del gran artista de Amberes. El cuadro se presenta en un marco antiguo reacondicionado.

Óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVII. Una composición de flores abigarradas en tonos claros está colocada en un jarrón, negro como el fondo, sobre una base de mármol, de la que sólo se distingue la base, porque está recubierta de una tela también negra, de la que sólo destacan los adornos dorados dispuestos para crear un juego de curvas. A ambos lados del plano hay dos pájaros, una gran paloma a la izquierda que sostiene en el pico una pequeña rama robada a la composición, y un pájaro carpintero de cabeza roja a la derecha. En el margen izquierdo hay un paisaje, con un alto árbol curvado bajo un cielo oscuro, y una ciudad al fondo. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. La insólita y peculiar representación presenta a la izquierda las tres figuras de la Sagrada Familia, con Jesús ya niño, sentados a la mesa y bendiciendo la sencilla comida que van a tomar (consistente en fruta y pan). La escena, un tema representado con bastante poca frecuencia y normalmente con un carácter más sagrado debido a la presencia de ángeles que sirven la comida a la familia, tiene aquí en cambio el sabor de una intimidad doméstica muy normal y sencilla. Por otra parte, en torno a la Sagrada Familia se vislumbra majestuosamente una ciudad renacentista, con altos edificios con logias y columnatas, presentados en un bello efecto de perspectiva que conduce, en el extremo derecho, a la muralla de entrada a una ciudad ricamente torreada, probablemente Jerusalén. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. La escena tiene lugar en un campamento militar: fuera de una tienda, a la izquierda, un jefe de un ejército, probablemente griego, recibe las ofrendas de un grupo de hombres, pobres y harapientos, que se postran ante su nuevo señor; el primero reparte panes, otro saca algo de un saco, el tercero muestra las heridas de su cuerpo para invocar misericordia; detrás de ellos se acercan otras figuras que buscan, formando una fila dispersa por el camino que se pierde en la distancia, a la derecha. Al fondo, a la izquierda, la vida en el campamento militar es bulliciosa. El cuadro ha sido restaurado y repintado.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. El cuadro recuerda en su estilo pictórico la producción de Angelo Caroselli (1585-1652), artista romano del Barroco que fue pintor, copista, restaurador, pero también pasticheur y conocedor del arte, es decir, creador de cuadros «a la manera de» -en la «técnica» y el «estilo» de un determinado periodo artístico o autor, incluso ensamblando «partes» de diferentes cuadros. Inicialmente de estilo caravaggesco, Caroselli desarrolló más tarde su propio lenguaje artístico, que fue copiado por muchos artistas menores. En esta obra destaca la expresividad fija y casi exagerada del personaje, la elegancia de su vestido del siglo XVII y los rasgos casi femeninos de su rostro de tez sonrosada, que contrastan con la crudeza de la cabeza ensangrentada de Goliat, con su gran herida cortante que destaca sobre la palidez mortal. El cuadro ha sido restaurado y enmarcado de nuevo, conservando el marco de madera original. Se presenta en un marco de madera coe

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XVIII. La elegante dama posa envuelta en una capa de terciopelo verde con ribetes de piel, adornos dorados y encaje; apoyada lánguidamente con un brazo en la balaustrada de mármol tras ella, sostiene en su regazo a un pequeño perro, que también parece posar. Restaurada y reencuadernada a finales del siglo XIX, la pintura presenta actualmente ligeras pérdidas de pintura. Se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX, que también presenta algunas pérdidas y dorados.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La composición presenta un busto femenino en el centro, retratado como si se tratara de una efigie escultórica, debido a la monocromía que evoca el mármol; está rodeado por una guirnalda de flores multicolores, que se extienden desde ramas retorcidas en lo alto, mientras que un paisaje se desvanece en el fondo. Este tipo de retrato procede de una solución originada en los círculos flamencos y difundida en Italia por Daniel Seghers. Restaurado y retocado, el cuadro presenta ligeros desvanecimientos de color. Se presenta en un marco antiguo.

Trinidad

Óleo sobre lienzo. El original, pintado en 1592 y expuesto en la Capilla Risaliti de Santa Croce, Florencia, tuvo un éxito rotundo, tanto que se produjeron numerosas copias, incluyendo copias posteriores y no autógrafas. Esta versión del siglo XVIII, bellamente elaborada, es de menor tamaño, quizás destinada a la devoción personal en una capilla privada. La obra representa a la Trinidad en gloria, con el Padre sosteniendo el cuerpo muerto del Hijo, sobre cuya cabeza se cierne el Espíritu Santo; rodeado de ángeles y arcángeles, y a los pies de Jesús, aún en tierra, se representan los instrumentos de tortura y muerte en la cruz. La pintura fue restaurada y reencuadernada en el pasado. La obra se presenta en un hermoso marco contemporáneo, con ricas decoraciones florales (falta la decoración de la esquina superior izquierda).

Óleo sobre lienzo. Escuela Lombarda, siglo XVIII. La composición, sobre un fondo oscuro, presenta una gran rama cargada de racimos de uvas que caen sobre un jarrón con flores de colores y otras frutas (higos y manzanas) en el suelo. Dos pequeños pájaros se posan en la rama. Previamente restaurada y reencuadernada, la pintura se presenta en un marco de madera de finales del siglo XIX.

siglo XVIII

Óleo sobre lienzo. Escuela Emiliana, siglo XVIII. Gran composición frutal variada con melocotones, peras, cerezas, granadas y uvas, entre las que se encuentran una col grande, un racimo de tubérculos y claveles. A la izquierda, dos frascos de vidrio con mermelada de frutas. La composición rebosa de una tina de madera colocada sobre una mesa en un entorno al aire libre, con copas de árboles y arbustos al fondo. La pintura fue restaurada y reencuadernada en el pasado. Se presenta en un marco dorado de la época.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana, mediados del siglo XVIII. La obra refleja el estilo pictórico de Marco Ricci (1676-1730), especializado en grandes paisajes, a menudo con fines escenográficos. La obra podría atribuirse a uno de sus alumnos. El amplio paisaje, enmarcado por dos grupos de árboles casi simétricos, presenta una larga cordillera a la izquierda y un caudaloso río a la derecha que fluye desde un lago hacia el campo. En primer plano, una lavandera se concentra en su trabajo mientras dos jinetes pasan por el sendero. La pintura fue restaurada y reencuadernada a mediados del siglo XX; actualmente presenta pérdidas de pintura y manchas. Se presenta en un marco de principios del siglo XX.