Pintando la Edad de Hierro - Seguidor de Pietro da Cortona

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. María aparece representada en actitud de oración y contemplación: bañada en luz, sostiene el libro de oraciones en una mano, con el rostro vuelto hacia arriba, en éxtasis. La pintura ha sido restaurada y reentelada previamente.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. San José, padre adoptivo del Niño Jesús, figura tradicional de la devoción popular, aparece representado en una pose de gran ternura, sosteniendo al niño en brazos, a quien ofrece un lirio, símbolo iconográfico de pureza del santo. Restaurada y reentelada, la pintura se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda-veneciana, finales del siglo XVII-principios del XVIII. En primer plano, se representa a un campesino de medio cuerpo, con una azada al hombro. La figura se caracteriza por un detalle minucioso, desde las arrugas del rostro hasta la suciedad de las manos, desde la ropa andrajosa hasta la aspereza de la azada. El estilo de la pintura recuerda la obra de Pietro Bellotti, quien introdujo figuras de naturaleza similar en sus retratos. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Enmarcada al estilo de la época.

Óleo sobre lienzo. Escuela boloñesa, finales del siglo XVII. En primer plano, ocupando toda la sección izquierda de la escena, yace el Niño Jesús dormido, recostado hacia atrás en una postura de total abandono al sueño, con una serena sonrisa en el rostro. A la derecha, delimitadas diagonalmente por el paño en relieve, dos figuras, presumiblemente pastores, contemplan al niño con una mirada de profunda y seria adoración y realizan el gesto de cubrirlo, un gesto que indica ternura pero que simbólicamente prefigura el sacrificio de Cristo (el descenso de su cuerpo tras la crucifixión). La posición supina del Niño, adorado por María o los pastores, fue introducida por Guido Reni, quien creó varias obras con este tema, posteriormente ampliamente adoptadas por sus seguidores y la escuela boloñesa del siglo XVII. Como en las obras de Guido Reni, en esta pintura también la luz emana directamente del Niño Jesús, iluminando los rostros devotos de quienes lo adoran. La pintura, previamente reentelada, muestra rastros de una extensa restauración. Se presenta enmarcado en un período de tiempo.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia, siglo XVII. La gran escena cobra vida gracias a numerosas figuras entrelazadas: en el centro, iluminada por un rayo de luz que desciende desde arriba, María con el Niño Jesús en brazos, custodiada por San José a la derecha; a la izquierda, los tres Reyes Magos, portando sus regalos en ricos cofres, y todo su séquito, junto con los ángeles que velan desde lo alto. Un detalle curioso son los dos angelitos en la parte inferior, preparando el pesebre para recibir al Niño Jesús. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Marco de estilo de época.

Óleo sobre lienzo. La escena narra un episodio bíblico del Segundo Libro de Samuel: durante el conflicto por la sucesión tras la muerte de Saúl, el primer rey de Israel, Isbaal, hijo de Saúl, fue apoyado por el general Abner como rey de las tribus del norte, mientras que David reinaba sobre Judá. Sin embargo, Isbaal fue asesinado por dos de sus líderes bandidos, Recab y Baana, quienes llevaron su cabeza a David esperando una recompensa, pero David los castigó por su vil acto. En la pintura, el rey David rasga sus vestiduras con ira, con la cabeza de Isbaal a sus pies, mientras sus soldados sujetan a los dos traidores. La escena se desarrolla en el campamento de David. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Seguidor de Carlo Cignani

Óleo sobre lienzo. Esta obra es una de las varias versiones y réplicas contemporáneas de una pieza de Carlo Cignani, lo que atestigua el éxito del artista. Se puede rastrear su procedencia hasta su taller o el de alguno de sus seguidores. La alegoría de la Caridad era uno de los temas favoritos de Carlo Cignani, y la pintó en numerosas ocasiones. Siempre se la representa amamantando, a menudo rodeada de muchos niños, símbolo del amor incondicional que brinda a los demás. En esta representación, la mujer amamanta a dos niños mayores mientras arropa al recién nacido envuelto en una manta que duerme en la cuna. La escena es vivaz y serena, caracterizada por gestos naturales, sencillos pero llenos de ternura; uno de los niños sostiene dos cerezas, símbolo de amor y dulzura. La pintura muestra signos de restauración y reentelado realizados a finales del siglo XIX. El marco dorado, decorado con frisos, también data de este período.

Texto de Jacopo Palma el Viejo

Óleo sobre lienzo. La pintura original en la que se basa esta obra, fiel incluso a su tamaño, perteneciente a una colección privada, se exhibió en 2022 en la exposición organizada por el Museo de Santa Catalina en Treviso. La obra representa a la Virgen con el Niño en el centro, con dos santos a la derecha, casi aislados, en una conversación espiritual. La figura de la derecha es Santa Catalina, reconocible por su símbolo de engranaje; a la izquierda se encuentra San José, representado con apariencia juvenil, probablemente porque adopta los rasgos de la patrona. La pintura ha sido restaurada en el pasado. Se presenta en un marco dorado, de estilo de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela del centro de Italia, siglo XVII. La pintura representa a la Virgen con el Niño Jesús sentado en su regazo, ambos coronados. El Niño aparece bendiciendo al espectador, sosteniendo una flor en la otra mano. La iconografía de la Virgen y el Niño coronados se popularizó a partir del siglo XVI, si bien el tema de la Virgen entronizada ya era conocido con anterioridad, al igual que su Coronación. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco de madera del siglo XVIII.

Óleo sobre lienzo. La escena está repleta de figuras, representadas de medio cuerpo en primer plano: los tres Reyes Magos, que ocupan todo el lado derecho, ofrecen sus regalos al niño Jesús en brazos de María, a la izquierda, mientras que la figura de José aparece al fondo, como una sombra que vela por la familia y la acompaña. La pintura muestra rastros de restauraciones anteriores. Se presenta en un marco de época de principios del siglo XX.

Texto de Simon Vouet

Óleo sobre lienzo. Esta es una hermosa copia de la famosa pintura de Simon Vouet (1590-1649) creada entre 1618 y 1620, y ubicada en una capilla de la iglesia de San Francesco a Ripa en Roma. Creada por Vouet durante su estancia en Roma, la obra muestra una significativa influencia caravaggista, tanto en sus elecciones cromáticas y de iluminación, como en las poses de las figuras. Estas características se encuentran fielmente en esta copia. La paleta es rica en colores (azul, naranja y obviamente rojo) que se materializan en drapeados pintados con gran pincelada, pero también hay abundancia de telas blancas, que están por todas partes para proporcionar luz y crear un impacto visual. Los detalles son ricos: el elaborado peinado de la figura vista de espaldas y su pie descalzo en primer plano (pero no sucio, como los de Merisi); el jarrón blanco en el suelo contrasta con la gran pila de cobre; El encaje de la camisa y el turbante de la mujer de la derecha, así como su mano izquierda (una pose típica de Caravaggio) extendida abiertamente hacia el espectador, otorgan profundidad a la escena. La pintura fue restaurada y reentelada a finales del siglo XIX y montada sobre un bastidor de la época. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre cobre. Escuela flamenca del siglo XVII. El cuadro, atribuido por la tradición oral a Frans Francken el Joven (1581 -1642), representa una curación milagrosa realizada por Jesús: mientras iba de camino con sus discípulos, encuentra en su camino a un hombre enfermo, probablemente de lepra, enfermedad que conllevaba el aislamiento y el destierro de la ciudad; el hombre invoca a Cristo que realiza el milagro y lo cura. El cuadro sitúa el acontecimiento en el borde izquierdo de la escena, en primer plano, donde destacan las figuras vestidas a la usanza de la época de Cristo, con colores vivos. Sin embargo, el paisaje que llena el resto de la escena es decididamente nórdico, con un río lleno de agua que fluye por un campo rico en vegetación, y una ciudad al fondo bajo cumbres montañosas. La descripción pictórica de la vegetación es minuciosa y precisa, rica y bien definida en detalles: el tronco roto del primer plano, el follaje del gran árbol situado detrás de los personajes, los pájaros que vuelan alto en el cielo, las pequeñas flores de la orilla, los matices del agua en la que se reflejan las plantas y las nubes, están pintados con un refinamiento pictórico típico de la pintura flamenca, cercano en estilo al del gran artista de Amberes. El cuadro se presenta en un marco antiguo reacondicionado.