Pintando a las ninfas quemando el barco de Telémaco

Óleo sobre lienzo. El amplio paisaje enmarca una vista de una exuberante llanura verde al pie de afloramientos rocosos; un río navegable la atraviesa, con cascadas. A la izquierda, un sendero desciende desde el arco entre dos edificios en la colina de atrás; dos hombres con vestimenta oriental caminan por él, llevando una enorme rama de baya en un bastón. Esta escena evoca el episodio bíblico en el que dos exploradores enviados por Moisés a la tierra de Canaán cortaron un racimo de uvas tan grande y pesado que tuvieron que cargarlo en un palo sobre sus hombros. Este fruto excepcional se convirtió en símbolo de la abundancia de la Tierra Prometida (Números 13:23). La escena está representada al atardecer, con tonos rosados ​​del cielo que irradian sobre las cumbres de las montañas. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela del centro de Italia. En la parte inferior derecha se encuentran las iniciales SGAV y la fecha 1747. La aparición de la Virgen a San Roque con el Niño Jesús en brazos es un tema iconográfico recurrente en la devoción cristiana. El santo, reconocible por sus atributos iconográficos tradicionales —la túnica corta y el báculo de peregrino, la herida de la peste en el muslo y el perro con un trozo de pan en la boca—, está parcialmente arrodillado en adoración a las dos figuras sagradas que se le aparecen desde un remolino de nubes en el cielo. La aparición simboliza la consagración celestial de su misión de curar a los enfermos (en particular a las víctimas de la peste) y ofrecer consuelo a los que sufren por intercesión de la Virgen y Jesús. La escena se sitúa en un camino rural, cerca de un arroyo, más allá del cual se divisa la ciudad de la que el santo permanece aislado debido a la enfermedad que ha contraído. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Está montada sobre un nuevo bastidor tensor.

Óleo sobre lienzo. Esta Virgen es una pieza única, en la que sostiene al Niño, que yace sobre una almohada profundamente dormido. María mira al espectador, casi como si exhibiera a su Hijo, con expresión seria, consciente de su destino, del que el niño, sin embargo, parece completamente ajeno, aún un simple niño, no el Hijo de Dios. Los rasgos fisonómicos de ambas figuras también son distintivos, en particular el rostro redondeado y regordete de María, su nariz chata, sus ojos redondos y su complexión robusta, que se alejan considerablemente de las representaciones más tradicionales de la Virgen. En la parte superior izquierda se aprecian algunas letras de una inscripción que parecen haber sido cortadas. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela del centro de Italia, siglo XVII. La iconografía reconoce a esta figura como el santo ermitaño Onufrio, quien vivió como anacoreta en el desierto egipcio en el siglo IV. Se le representa aquí en un entorno rocoso y desolado (típico de las pinturas que celebran el tema de la penitencia y el ascetismo), tradicionalmente como un anciano con barba larga y cabello blanco, casi completamente desnudo (cubierto solo por un taparrabos de hojas), arrodillado, con las manos juntas en oración o en un gesto de profunda súplica, un rosario sujeto a su brazo, una cruz y un libro abierto (una Biblia) sobre la roca junto a él: signos de oración y meditación. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco antiguo reacondicionado.

Óleo sobre tabla. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. La escena, dispuesta horizontalmente, representa el mito de Orfeo, hijo de Apolo, quien recibió de su padre una lira con la que domó animales salvajes, movió rocas y dobló árboles. El relato se conoce por las Geórgicas de Virgilio y las Metamorfosis de Ovidio: símbolo del poder civilizador del arte, es un tema popular en el arte europeo. Orfeo aparece en el centro, sentado sobre una roca entre árboles, tocando la lira. A los lados, numerosos animales de diversas especies se acercan a él, procedentes de entornos naturales cercanos y lejanos, incluyendo animales exóticos (un elfo, leones, una llama, etc.), y, en el extremo derecho, una bestia fantástica: el unicornio. Al fondo se observa un arroyo con una ciudad en la orilla; a la izquierda, en la colina, un pequeño templo, probablemente dedicado al dios Apolo. La pintura ha sido restaurada en el pasado. Se presenta en un marco dorado de época.

Óleo sobre tabla. La pintura evoca la composición de la obra maestra de Tiziano (fechada en 1510 y actualmente en el Louvre), pero la sitúa en un paisaje completamente diferente y la desarrolla en los laterales, con la introducción de una cabra a la derecha y un fauno tocando la flauta a la izquierda. Además, las cuatro figuras tomadas de Tiziano aparecen invertidas, probablemente porque el artista se inspiró en un grabado. La escena central muestra a dos jóvenes sentados en un prado, haciendo música, flanqueados por una joven de espaldas, mientras que otro saca agua de una pila de mármol. Ambas mujeres están desnudas, apenas cubiertas por mantos, mientras que los dos hombres, que conversan entre sí, visten trajes de época. El tema pretende ser una alegoría de la poesía y la música, con las dos mujeres de belleza ideal, que parecen dos apariciones irreales generadas por la imaginación e inspiración de los dos jóvenes. La pintura aquí presentada muestra rastros de restauraciones anteriores. Actualmente, se aprecian algunas pérdidas de pintura y daños en la tabla.

Seguidor de Pietro da Cortona

Óleo sobre lienzo. Se basa en el fresco de Pietro da Cortona en la Sala della Stufa del Palazzo Pitti, parte del ciclo de las Cuatro Edades del Hombre. Presenta pequeñas restauraciones previas de la antigüedad. La obra se basa en el fresco creado por Pietro da Cortona en una pared de la Sala della Stufa del Palazzo Pitti, parte del ciclo de las Cuatro Edades del Hombre, inspirado en las Metamorfosis de Ovidio. Escenas de las Edades de Bronce y Hierro contrastan imágenes de una sociedad civilizada con las de la violencia perpetrada en tiempos de guerra. Como afirma Ovidio, el fraude y el engaño surgieron durante la Edad de Hierro, y los hombres no solo esperaban que la tierra diera fruto, sino que también excavaban en sus profundidades. Así se descubrieron el hierro y el oro, y comenzó la guerra, y con ella los actos de pillaje y saqueo violento, incluso contra los indefensos, como los ancianos, las mujeres y los niños. Esta escena, también conocida como «Grupo de soldados masacrando civiles», representa escenas dramáticas de violencia y opresión, como la del soldado en primer plano a punto de matar al anciano indefenso tendido en el suelo, o, a la derecha, la del hombre que le corta el pelo a una joven madre para robarle sus adornos, a pesar de sus súplicas. La pintura muestra rastros de restauraciones menores anteriores. Está enmarcada.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea, mediados del siglo XIX. En el centro de la escena, ante un trono coronado por un dosel de terciopelo rojo y flanqueado por insignias reales, un rey intenta dirimir una disputa entre dos grupos de hombres, representados por varios dignatarios vestidos de civil. Detrás de ellos, ondean dos banderas diferentes entre la multitud; probablemente se trate de dos facciones políticas de la misma ciudad. El perfil urbano al fondo sitúa la escena en un contexto centroeuropeo. La pintura fue aplicada a principios del siglo XX sobre madera contrachapada. Se presenta en un marco dorado restaurado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa, finales del siglo XVII. La pintura está inspirada en la de Nicolas Poussin, creada alrededor de 1635 y actualmente cedida en préstamo a la National Gallery de Edimburgo. Sin embargo, en comparación con aquella obra, la nuestra presenta numerosas variaciones y es mucho más pequeña (se ha eliminado toda la sección derecha de la escena de Poussin, repleta de figuras en primer plano y al fondo). El tema narra un episodio bíblico del Libro del Éxodo: los egipcios vagaban por el desierto del Sinaí, sin agua; entonces Dios ordenó a Moisés que tomara su vara, reuniera a los ancianos y golpeara la roca de Horeb ante el pueblo: de ella brotó un manantial del que todos pudieron saciar su sed. La pintura que se presenta ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Representa a una joven con casco y cota de malla, empuñando una alabarda. Sobre ella, su nombre. El epíteto «Amazonas» identifica esencialmente a una guerrera, pero no se menciona a ningún personaje llamado Leandra. Además, el mito de las guerreras, conocidas como Amazonas, gozó de gran popularidad e impulsó una vasta producción artística y literaria. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco antiguo contemporáneo.

Óleo sobre lienzo. Camila es un personaje de la Eneida de Virgilio, reina de los volscos: devota de Diana, Camila es cazadora y guerrera. Valiente y audaz, exhibe toda su extraordinaria belleza. Era considerada la reina de las amazonas, ya que estas figuras eran las guerreras por excelencia. El personaje de Virgilio gozó de un largo éxito literario y artístico. Aquí, la mujer aparece representada con una armadura del siglo XVII, dispuesta a desenvainar su espada, mientras que mitológicamente Camila luchaba con arco y flecha. El nombre del personaje se cita en la parte superior. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco antiguo contemporáneo.

Óleo sobre lienzo. Escuela emiliana del siglo XVII. María y Jesús aparecen representados en una pose de profunda intimidad, en un juego de abrazos y miradas, donde incluso el rostro de Jesús, que mira al espectador, transmite la alegría de un niño que disfruta del abrazo de su madre, más que la proyección de Cristo hacia su destino. Solo la pequeña manzana que el niño sostiene en una mano, casi oculta, evoca su papel de redentor. La pintura ha sido restaurada y se presenta en un marco de época.