Pintando El cruce del Mar Rojo

Óleo sobre lienzo. Escuela emiliana del siglo XVII. María y Jesús aparecen representados en una pose de profunda intimidad, en un juego de abrazos y miradas, donde incluso el rostro de Jesús, que mira al espectador, transmite la alegría de un niño que disfruta del abrazo de su madre, más que la proyección de Cristo hacia su destino. Solo la pequeña manzana que el niño sostiene en una mano, casi oculta, evoca su papel de redentor. La pintura ha sido restaurada y se presenta en un marco de época.

Seguidor de Carlo Cignani

Óleo sobre lienzo. Esta obra es una de las varias versiones y réplicas contemporáneas de una pieza de Carlo Cignani, lo que atestigua el éxito del artista. Se puede rastrear su procedencia hasta su taller o el de alguno de sus seguidores. La alegoría de la Caridad era uno de los temas favoritos de Carlo Cignani, y la pintó en numerosas ocasiones. Siempre se la representa amamantando, a menudo rodeada de muchos niños, símbolo del amor incondicional que brinda a los demás. En esta representación, la mujer amamanta a dos niños mayores mientras arropa al recién nacido envuelto en una manta que duerme en la cuna. La escena es vivaz y serena, caracterizada por gestos naturales, sencillos pero llenos de ternura; uno de los niños sostiene dos cerezas, símbolo de amor y dulzura. La pintura muestra signos de restauración y reentelado realizados a finales del siglo XIX. El marco dorado, decorado con frisos, también data de este período.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa. Una joven desea demostrar su pasión, o quizás su compromiso, con el mundo de la música al hacerse pintar un retrato con una partitura en la mano. Restaurada y reentelada, la pintura se presenta en un marco dorado de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela del centro de Italia, siglo XVII. La pintura representa a la Virgen con el Niño Jesús sentado en su regazo, ambos coronados. El Niño aparece bendiciendo al espectador, sosteniendo una flor en la otra mano. La iconografía de la Virgen y el Niño coronados se popularizó a partir del siglo XVI, si bien el tema de la Virgen entronizada ya era conocido con anterioridad, al igual que su Coronación. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco de madera del siglo XVIII.

Óleo sobre lienzo. La escena está repleta de figuras, representadas de medio cuerpo en primer plano: los tres Reyes Magos, que ocupan todo el lado derecho, ofrecen sus regalos al niño Jesús en brazos de María, a la izquierda, mientras que la figura de José aparece al fondo, como una sombra que vela por la familia y la acompaña. La pintura muestra rastros de restauraciones anteriores. Se presenta en un marco de época de principios del siglo XX.

Texto de Simon Vouet

Óleo sobre lienzo. Esta es una hermosa copia de la famosa pintura de Simon Vouet (1590-1649) creada entre 1618 y 1620, y ubicada en una capilla de la iglesia de San Francesco a Ripa en Roma. Creada por Vouet durante su estancia en Roma, la obra muestra una significativa influencia caravaggista, tanto en sus elecciones cromáticas y de iluminación, como en las poses de las figuras. Estas características se encuentran fielmente en esta copia. La paleta es rica en colores (azul, naranja y obviamente rojo) que se materializan en drapeados pintados con gran pincelada, pero también hay abundancia de telas blancas, que están por todas partes para proporcionar luz y crear un impacto visual. Los detalles son ricos: el elaborado peinado de la figura vista de espaldas y su pie descalzo en primer plano (pero no sucio, como los de Merisi); el jarrón blanco en el suelo contrasta con la gran pila de cobre; El encaje de la camisa y el turbante de la mujer de la derecha, así como su mano izquierda (una pose típica de Caravaggio) extendida abiertamente hacia el espectador, otorgan profundidad a la escena. La pintura fue restaurada y reentelada a finales del siglo XIX y montada sobre un bastidor de la época. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre cobre. Escuela flamenca del siglo XVII. El cuadro, atribuido por la tradición oral a Frans Francken el Joven (1581 -1642), representa una curación milagrosa realizada por Jesús: mientras iba de camino con sus discípulos, encuentra en su camino a un hombre enfermo, probablemente de lepra, enfermedad que conllevaba el aislamiento y el destierro de la ciudad; el hombre invoca a Cristo que realiza el milagro y lo cura. El cuadro sitúa el acontecimiento en el borde izquierdo de la escena, en primer plano, donde destacan las figuras vestidas a la usanza de la época de Cristo, con colores vivos. Sin embargo, el paisaje que llena el resto de la escena es decididamente nórdico, con un río lleno de agua que fluye por un campo rico en vegetación, y una ciudad al fondo bajo cumbres montañosas. La descripción pictórica de la vegetación es minuciosa y precisa, rica y bien definida en detalles: el tronco roto del primer plano, el follaje del gran árbol situado detrás de los personajes, los pájaros que vuelan alto en el cielo, las pequeñas flores de la orilla, los matices del agua en la que se reflejan las plantas y las nubes, están pintados con un refinamiento pictórico típico de la pintura flamenca, cercano en estilo al del gran artista de Amberes. El cuadro se presenta en un marco antiguo reacondicionado.

Figuras con Bodegones Otoñales

Óleo sobre lienzo. En el tonel, en la esquina inferior izquierda, figura la firma de H. Sanders. La escena, ambientada al aire libre en una calle de una ciudad flamenca, con el canal al fondo a la izquierda, muestra en primer plano a una vendedora de verduras detrás de su puesto, montado con una variada composición de verduras de invierno, un bodegón compuesto de coliflor, repollo, zanahorias, mazorcas de maíz; junto a la mujer, un transeúnte que lleva un arpón le ofrece pescado, evidentemente el fruto de su pesca que quiere vender. El escenario recuerda Ámsterdam, ciudad donde nació y vivió el pintor holandés Hércules (o Herkules) Sanders, que se estableció principalmente como retratista, pero del que conocemos una escena de género en un interior, hoy en el Detroit Institute of Arts, fechada en 1647 y titulada «Mujer limpiando pescado», cuya figura femenina se asemeja mucho a la vendedora de la obra que aquí se presenta. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco de estilo.

Óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVII. Una composición de flores abigarradas en tonos claros está colocada en un jarrón, negro como el fondo, sobre una base de mármol, de la que sólo se distingue la base, porque está recubierta de una tela también negra, de la que sólo destacan los adornos dorados dispuestos para crear un juego de curvas. A ambos lados del plano hay dos pájaros, una gran paloma a la izquierda que sostiene en el pico una pequeña rama robada a la composición, y un pájaro carpintero de cabeza roja a la derecha. En el margen izquierdo hay un paisaje, con un alto árbol curvado bajo un cielo oscuro, y una ciudad al fondo. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. La insólita y peculiar representación presenta a la izquierda las tres figuras de la Sagrada Familia, con Jesús ya niño, sentados a la mesa y bendiciendo la sencilla comida que van a tomar (consistente en fruta y pan). La escena, un tema representado con bastante poca frecuencia y normalmente con un carácter más sagrado debido a la presencia de ángeles que sirven la comida a la familia, tiene aquí en cambio el sabor de una intimidad doméstica muy normal y sencilla. Por otra parte, en torno a la Sagrada Familia se vislumbra majestuosamente una ciudad renacentista, con altos edificios con logias y columnatas, presentados en un bello efecto de perspectiva que conduce, en el extremo derecho, a la muralla de entrada a una ciudad ricamente torreada, probablemente Jerusalén. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. La escena tiene lugar en un campamento militar: fuera de una tienda, a la izquierda, un jefe de un ejército, probablemente griego, recibe las ofrendas de un grupo de hombres, pobres y harapientos, que se postran ante su nuevo señor; el primero reparte panes, otro saca algo de un saco, el tercero muestra las heridas de su cuerpo para invocar misericordia; detrás de ellos se acercan otras figuras que buscan, formando una fila dispersa por el camino que se pierde en la distancia, a la derecha. Al fondo, a la izquierda, la vida en el campamento militar es bulliciosa. El cuadro ha sido restaurado y repintado.

Óleo sobre lienzo, montado sobre tela reforzada. Escuela del norte de Italia, siglo XVII. La escena está tomada del libro bíblico de los Números: debido a que los israelitas, huyendo de Egipto y vagando por el desierto, se quejaron a Dios por la falta de alimento y agua, Dios envió serpientes venenosas para exterminarlos, pero también ordenó a Moisés que alzara una serpiente de bronce sobre un asta, para que cualquiera que fuera mordido por ella sanara. Simbólicamente, este gesto, dirigir la mirada hacia la serpiente, implicaba un acto de conversión y fe en Dios. En esta representación, el asta tiene una forma más específica de cruz, anticipando la salvación que llegará a la humanidad a través de Cristo crucificado y resucitado, quien la libera del pecado simbolizado por la serpiente. Moisés está en el centro de la escena, señalando el asta con la serpiente, flanqueado por su hermano Aarón; alrededor de los hombres y mujeres de Israel, algunos abrumados por las serpientes, otros ya arrodillados como suplicantes pidiendo el perdón de Dios. La obra se presenta en un marco compuesto por elementos de finales del siglo XIX, adaptados.