Pintura de Sinibaldo Scorza atribuible a  - Conejos y aves vivos con caza

Óleo sobre lienzo, montado sobre tabla. Escuela del norte de Italia, finales del siglo XVII-principios del XVIII. María aparece en actitud meditativa, con el rostro inclinado y los ojos casi cerrados, absorta en la oración. La ausencia de aureola subraya su humanidad. Se aprecian signos de restauraciones anteriores. La obra se presenta en un marco de madera antiguo.

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Versión Reducida de un Retablo de Girolamo Mazzola Bedoli

Óleo sobre lienzo. Escuela Emiliana del siglo XVII. Enteramente en primer plano, esta escena de un grupo de figuras sagradas, presenta los rostros de María y el Niño Jesús en el centro, rodeados por San Juan Bautista en la parte inferior izquierda, y tres ángeles formando una corona alrededor de ellos. Todos los personajes están alegres y sonrientes, a pesar de la referencia a la Pasión, dada por el bastón rematado con la Cruz que Juan ofrece a Jesús. El movimiento de los cuerpos y los colores brillantes hacen que la escena esté viva. Se trata de una versión parcial y horizontal del retablo del mismo nombre realizado por el pintor manierista parmense Girolamo Mazzola Bedoli (1508-1570) para la iglesia de San Sepolcro de Parma, desarrollado verticalmente con la presencia de un paisaje de fondo detrás de los dos ángeles en la parte superior y la finalización de las figuras en la parte inferior. El cuadro se encuentra todavía en su primer lienzo, sin signos de restauración previa. Hay varias gotas de color, especialmente a lo largo del margen inferior y los dos laterales. Se presenta en un marco de madera lacado antiguo.

Amor y Psique

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. La escena está basada, con algunas variaciones pero muy próxima en tamaño, en una parte del gran fresco titulado «Banquete de los dioses» de la Cámara de Cupido (o Cámara de Cupido y Psique) del Palacio Té de Mantua, una gran representación de más de nueve metros realizada por Giulio Romano y su taller en el siglo XVI. La escena representada (que en Mantua se sitúa a la derecha del gran banquete), ve a Cupido y Psique tumbados sobre un triclinio, mientras una pequeña figura alada los corona de laurel y dos ninfas lavan la mano del Amor; al fondo, a la derecha, un grupo de sátiros sacrifica una cabra en el altar de una divinidad, mientras en el centro, a lo lejos, arde una ciudad. El banquete de los dioses es el momento final del mito de los dos amantes, que, tras muchas pruebas y vicisitudes, obtienen el permiso de Venus para casarse. La obra, restaurada y reencuadrada, se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana de los siglos XVII-XVIII. En un amplio paisaje de colinas, más bien árido, que se ensancha desvaneciéndose hacia la derecha, se encuentra una alta roca arqueada, bajo la cual está San Jerónimo penitente, representado en acto de oración y adoración de la Cruz. De acuerdo con los cánones de la pintura de los siglos XVII-XVIII, la figura del santo, adecuada a la iconografía por sus ropajes y su actitud, se sitúa, sin embargo, en un paisaje poco apropiado, cercano a la realidad paisajística familiar del pintor. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un marco estilizado.

Óleo sobre lienzo. En la bella composición se ve, descansando sobre un aparador de madera con incrustaciones, una cesta llena de cerezas, algunas de las cuales están esparcidas por encima, y un plato lleno de grosellas rojas, entremezcladas con hojas y algunas flores de cerezo. En el asa de la cesta descansa un jilguero; enmarcan la composición un gran ramo de flores multicolores en un jarrón a la derecha, y una cortina roja a la izquierda. Los colores vivos de la fruta, las flores y la cortina destacan, mientras que el mueble de apoyo se funde con el fondo oscuro, al igual que el pajarillo, que sólo se distingue del fondo oscuro por el plumaje blanco de sus alas y el contorno rojo de sus ojos. La obra forma parte de la extensa producción emilianense del siglo XVII de este tipo de tema tan decorativo. La pintura, restaurada y retocada, presenta una marcada grieta y caídas de color en los bordes.

Óleo sobre lienzo. La escena narra el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el niño Moisés, al que su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la matanza de los niños varones israelitas (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que el pueblo israelita fuera demasiado numeroso y se rebelara contra la esclavitud), es encontrado por una sierva de la hija del mismo faraón, que decide adoptarlo y lo salva. La escena se desarrolla a orillas de un río, pero en un paisaje que no es oriental, con estructuras arquitectónicas a la derecha: hay numerosas figuras que representan el séquito de la princesa, colocadas en el centro con el niño en la cesta. El lienzo restaurado se aplicó sobre un bastidor moderno. Se presenta en un bastidor del siglo XIX.

Óleo sobre tabla. Escuela del norte de Europa del siglo XVII. La escena representa un episodio de la vida de Escipión narrado por Tito Livio y Valerio Máximo. Publio Cornelio Escipión, más tarde conocido como Escipión Africano, en el año 209 a.C., durante la campaña española tras la toma de Cartagena, recibió como tributo personal a una bella virgen, que se encontraba en el grupo de rehenes. Pero escuchó las súplicas de su familia y la respetó enviándola de vuelta con sus padres y su prometido, con la única recomendación de que su prometido trabajara por la paz entre Roma y Cartago. En la representación, Escipión está en el centro, sentado en su trono, dirigiéndose a los suplicantes padres de la doncella, a la izquierda, mientras, con un gesto indulgente, les dice que recuperen a su hija, de pie a la derecha, flanqueada por su prometido. Alrededor, soldados y seguidores del rey. La escena es rica en figuras, brillante y colorista, y pone de relieve la positividad del rey, figura central y poderosa, pero capaz de suavidad y clemencia. El cuadro, restaurado, se ha reforzado en la parte posterior con listones de madera. Se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La rica composición presenta un gran ramo de flores multicolores en un jarrón repujado, junto a un cuenco lleno de setas porcini y un racimo de uvas. Con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces y sombras. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura esmaltada sobre cobre de la renombrada manufactura de Limoges, que representa el episodio bíblico de la multiplicación de los panes y los peces. En el centro de la escena, Jesús está sentado, rodeado de sus discípulos, mientras recibe pan y pescado de un joven entre la multitud, para alimentar a quienes se han congregado para escucharlo. La obra está montada sobre una base de tela y enmarcada al estilo de la época.

Salomón adora a dioses falsos.

Óleo sobre lienzo que representa una escena bíblica del Primer Libro de los Reyes, mostrando al rey Salomón en un momento de idolatría dentro de un templo. El soberano, influenciado por sus numerosas esposas y concubinas, incluyendo extranjeras, aparece en su avanzada edad, depositando su corona y cetro, custodiado por dos mujeres, para arrodillarse ante una estatua pagana, caracterizada por un cuerpo humano y cabeza de asno, que evoca al dios egipcio Seth. La obra cobra vida gracias a las numerosas figuras femeninas que rodean a Salomón y a la vibrante paleta de colores que realza los ricos detalles de la vestimenta y las joyas, así como la pompa de la escena. En la parte inferior central, un pequeño perro (símbolo iconográfico de fidelidad y amistad) observa la escena con expresión melancólica, simbolizando la pérdida de la fidelidad divina. La pintura, ya restaurada y reentelada en el pasado, se encuentra enmarcada en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. La representación de la Natividad se ve aquí como un momento contemplativo del Santo Niño, por María y José, acompañados de angelitos. Los modos pictóricos retoman los de modelos ampliamente reproducidos, empezando por Correggio, Barocci y las numerosas versiones de Gherardo delle notti, el pintor flamenco Gerard Von Honthorst, representante del tenebrismo, corriente pictórica que jugaba con fuertes contrastes de oscuridad y luz, claroscuros. También en esta obra, la luz que irradia el Niño Jesús ilumina a las figuras que le rodean y las hace emerger de la oscuridad circundante. La obra, restaurada y reencuadrada, se presenta en un marco del siglo XIX.