Espejo dodecaédrico de la década de 1960.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa, finales del siglo XVII. La pintura está inspirada en la de Nicolas Poussin, creada alrededor de 1635 y actualmente cedida en préstamo a la National Gallery de Edimburgo. Sin embargo, en comparación con aquella obra, la nuestra presenta numerosas variaciones y es mucho más pequeña (se ha eliminado toda la sección derecha de la escena de Poussin, repleta de figuras en primer plano y al fondo). El tema narra un episodio bíblico del Libro del Éxodo: los egipcios vagaban por el desierto del Sinaí, sin agua; entonces Dios ordenó a Moisés que tomara su vara, reuniera a los ancianos y golpeara la roca de Horeb ante el pueblo: de ella brotó un manantial del que todos pudieron saciar su sed. La pintura que se presenta ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana, siglo XVIII. Un amplio paisaje nórdico, con picos montañosos al fondo y un río que serpentea por el campo, con casas y ruinas a la vista; varias figuras de caminantes recorren un sendero entre las rocas. Restaurada y reentelada a principios del siglo XX, la pintura requiere una limpieza adicional. Enmarcada.

Óleo sobre tabla. Esta obra, de estilo amateur, recuerda a Guido Reni, autor de numerosos retratos de la legendaria adivina, tradicionalmente representada con turbante. La obra se presenta en un bello marco contemporáneo de madera dorada.

Óleo sobre lienzo. Representa a una joven con casco y cota de malla, empuñando una alabarda. Sobre ella, su nombre. El epíteto «Amazonas» identifica esencialmente a una guerrera, pero no se menciona a ningún personaje llamado Leandra. Además, el mito de las guerreras, conocidas como Amazonas, gozó de gran popularidad e impulsó una vasta producción artística y literaria. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco antiguo contemporáneo.

Óleo sobre lienzo. Escuela emiliana, siglo XVIII. El gran lienzo representa a la Virgen en gloria, sentada sobre nubes en el cielo, con el Niño Jesús en brazos; ángeles y querubines alados revolotean a su alrededor. Toda la escena se caracteriza por la luz y el movimiento, y una atmósfera de ligereza y serenidad; los pequeños querubines, en particular, aparecen en poses alegres y juguetonas, contrastando con las actitudes serias, aunque sonrientes, de los dos ángeles y de María y Jesús, inmersos en un importante gesto simbólico. De hecho, el ángel de la derecha y los dos querubines de abajo sostienen escapularios —dos piezas rectangulares de tela unidas por una cuerda— y se los entregan a María. Estos objetos son un símbolo devocional vinculado a la Virgen del Carmen (o Virgen del Monte Carmelo), una de las devociones marianas más antiguas y extendidas, relacionada con la Orden de los Carmelitas fundada en el Monte Carmelo en Tierra Santa en el siglo XII. Símbolo de protección y consagración, el uso del escapulario —gesto realizado tanto por diversas órdenes religiosas como por laicos— representa el compromiso de vivir la fe unida a María, imitando sus virtudes. La pintura celebra así el compromiso de María de acoger bajo su protección a quienes confían en ella. Procedente de una importante colección boloñesa, el lienzo fue restaurado y reentelado en el pasado.

Óleo sobre lienzo. Camila es un personaje de la Eneida de Virgilio, reina de los volscos: devota de Diana, Camila es cazadora y guerrera. Valiente y audaz, exhibe toda su extraordinaria belleza. Era considerada la reina de las amazonas, ya que estas figuras eran las guerreras por excelencia. El personaje de Virgilio gozó de un largo éxito literario y artístico. Aquí, la mujer aparece representada con una armadura del siglo XVII, dispuesta a desenvainar su espada, mientras que mitológicamente Camila luchaba con arco y flecha. El nombre del personaje se cita en la parte superior. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco antiguo contemporáneo.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. La tradicional Sagrada Familia presenta a María ocupando todo el centro de la escena, con la mirada, iluminada por una sonrisa, dirigida hacia el Niño Jesús que yace en su regazo, atrayendo también la mirada del espectador hacia él. El buen José, como siempre, se sitúa con delicadeza en segundo plano, velando por las dos figuras sagradas que le han sido confiadas. En el reverso del lienzo se conserva una etiqueta de inventario de principios del siglo XX. La obra se presenta en un marco antiguo dorado.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa, finales del siglo XIX-principios del XX. En un lugar de descanso, un grupo de soldados, tras haber dejado a un lado sus armaduras y armas, juegan a los dados en un tambor, mientras un elegante caballero vestido de rojo los desafía. El cuadro «Dilble» es una versión idéntica de Robert Alexander Hillingford (1828-1904), pintor británico de escenas históricas, a menudo retratando la vida militar. La pintura ha sido restaurada en el pasado. Se presenta en un marco de mediados del siglo XX.

Italia Principios del Siglo XVII

Escultura manierista tardía de nogal en bulto redondo que representa una figura femenina con la mano izquierda llevada al pecho desnudo, referencia a la maternidad y la fertilidad. Falta el niño y parte del manto.

Óleo sobre lienzo. Escuela emiliana del siglo XVII. María y Jesús aparecen representados en una pose de profunda intimidad, en un juego de abrazos y miradas, donde incluso el rostro de Jesús, que mira al espectador, transmite la alegría de un niño que disfruta del abrazo de su madre, más que la proyección de Cristo hacia su destino. Solo la pequeña manzana que el niño sostiene en una mano, casi oculta, evoca su papel de redentor. La pintura ha sido restaurada y se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Firmado en la parte inferior por A. Greppi, pero la firma es inconsistente para la época y no se puede atribuir al renombrado pintor. La escena se inspira en el realismo popular del siglo XIX, que presentaba escenas costumbristas con figuras vestidas con trajes típicos, a menudo en poses folclóricas o laborales, frecuentemente en momentos íntimos familiares. En este caso, una mujer sentada en un prado en el bosque, ocupada en su costura, acaricia la cabeza del joven que yace frente a ella, quizás su hijo. La pintura se presenta en un marco de época.

Gouache sobre cartón. Vista de la bahía de Nápoles con el Vesubio en erupción, ¡mientras la vida de los pescadores continúa como siempre! Enmarcado al estilo de la época.