Pintando el salón de las monjas de San Zaccaria - Copiado de Francesco Guardi

Interior del Establo

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. La obra fue adquirida anteriormente en la subasta de Sotheby's en Milán el 10/12/2007. Fue expuesta en 1991 en la exposición «Giovanni Sottocornola. Immagini da una collezione» celebrada en Milán en la Galería Silbernagl. Tras una primera fase pictórica dedicada a retratos y naturalezas muertas, Giovanni Sottocornola se acercó en la década de 1880 a los temas sociales, que se estaban convirtiendo en los temas preferidos de los jóvenes pintores lombardos atentos a los aspectos más miserables de la sociedad, vinculados a la adopción de técnicas artísticas originales. Sottocornola abrazó la práctica de la pintura divisionista, de la que escribió en 1895: «Por ahora, estoy convencido de que no hay otra pintura más capaz de transmitir ciertas sensaciones que ésta». Este tipo de pintura, sin embargo, permaneció en la mente del artista totalmente centrada en la luz, en sus inciertas vibraciones tonales, como en Interno di stalla (Interior de un establo), pintado hacia finales de la década de 1880, donde es el juego de luces y sombras el que juega y crea los efectos visuales en las pinceladas de color jugadas sobre unas pocas gamas cromáticas, las de los marrones, expresadas en una amplia variedad de tonos. La opea se presenta en un marco estilizado.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XIX. Vista evocadora y coreográfica de un bosque con un arroyo que lo atraviesa bajo los colores del otoño. La pintura fue reentelada a finales del siglo XIX; aún presenta varias pérdidas de pintura. Se presenta en un marco contemporáneo al reentelado.

Figura desnuda agachada, 1860 ca.

Óleo sobre lienzo. La obra se acompaña de un certificado fotográfico del erudito Angelo Dragone, quien también indica que fue publicada en su catálogo "Lorenzo Delleani, l'opera e il suo tempo" (Lorenzo Delleani, l'opera e il suo tempo), vol. II, pág. 105, n.° 21. Procedente de una colección privada de Turín, la obra se presentó en la subasta de Sant'Agostino de Turín (con un precio inicial de 5000 €). Delleani, que inicialmente pintó principalmente temas históricos, se inclinó gradualmente hacia la pintura de paisajes al aire libre, especialmente de los valles de su Piamonte natal. También pintó varias figuras, especialmente figuras populares. Sus desnudos son más escasos, aunque las escenas de bañistas en el lago o en la playa son recurrentes, con varias figuras femeninas desnudas, incluida la que se presenta aquí. La obra se presenta en un marco de época.

Retrato de una mujer joven

Óleo sobre tabla. Firmado abajo a la izquierda. El pintor parisino Édouard D'Otemar se consagró principalmente como retratista de figuras femeninas, a quienes pintó con efectos cromáticos matizados e iluminación de estilo impresionista. La obra se presenta en un marco de principios del siglo XX, con algunas piezas faltantes.

Óleo sobre lienzo. La obra, pintada al estilo de la pintura española de principios del siglo XVII, data en realidad de finales del siglo XIX. Representa a una noble con gorguera, el cuello rígido, decorativo y plisado típico de la vestimenta masculina y femenina de los siglos XVI y XVII. La obra ha sido restaurada y reentelada. Se presenta en un marco dorado de mediados del siglo XIX, insertado en un marco mayor del siglo XX.

Témpera sobre papel de médula. China, Cantón, dinastía Qing, ca. 1860. Una colección de veintiocho pinturas que representan a cortesanos, eruditos y comerciantes chinos. Originalmente guardadas en un álbum, se presentan aquí en un hermoso marco decorado con telas florales bordadas. El papel de médula es un material fino y translúcido derivado de la médula del árbol Tetrapanax papyrifer, o "planta de médula", originario de China y Taiwán. El papel de médula se incorporó a la pintura para satisfacer la creciente demanda de recuerdos pequeños, económicos y fáciles de transportar tras el enorme crecimiento del comercio con China en el primer cuarto del siglo XIX. Dado que muchos se vendían en álbumes y, por lo tanto, protegidos de la luz, conservan sus vibrantes colores incluso hoy en día.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa de finales del siglo XVIII - principios del XIX. Retrato de un caballero con elegante traje burgués. El lienzo tiene pequeños desgarros y necesita limpieza. Se presenta en un marco dorado del siglo XIX.

Retrato Femenino

Óleo sobre lienzo. Firmado a la derecha, en el centro del lienzo. Se trata del retrato de una mujer de luto, una joven viuda, como se desprende no sólo del vestido negro, sino del tocado y sobre todo del camafeo con un retrato masculino, que lleva colgado del cuello. Achille Zo fue un artista francés (origen de Bayona, localidad del Pirineo que sufrió la influencia cultural del País Vasco), que, a pesar de haber permanecido repetidas veces en París y Burdeos, donde se formó artísticamente, luego realizó varios viajes a España, ambos a Madrid (en 1856) y a Andalucía (1860), produciendo durante varios años obras sobre temas históricos o escenas de género españolas. A finales de la década de 1960, recurrió al orientalismo. También hay varios retratos en su producción. La pintura que aquí se propone, en el primer lienzo, se presenta en un bello marco contemporáneo de la segunda mitad del siglo XIX.

Escena de Asedio

Óleo sobre lienzo. En el exterior de las fortificaciones de una ciudad, un comandante, rodeado de sus soldados, se dispone a encender la mecha de un cañón. El ejército defiende la ciudadela extramuros y los soldados otean el horizonte mirando hacia abajo, lo que induce a situar la escena en las fortificaciones de una ciudad, en particular las de Génova, que se alzan sobre las montañas que hay detrás y desde las que los genoveses defendían la ciudad de los ataques procedentes del mar; la localización en Génova se apoya en el estandarte que ondea en las murallas, la Cruz de San Jorge (cruz roja sobre campo blanco), estandarte de la República de Génova. El estilo de las armaduras, armas y vestimentas haría referencia al asedio de Génova en 1522. Se trata, por tanto, de una representación decimonónica de un episodio histórico, que se inscribe así en la producción pictórica generalizada en Italia en el siglo XIX, inspirada en la nueva novela histórica propuesta por la literatura. En el reverso del marco figura el nombre G. Boni, junto con un número que hace referencia a la participación en una exposición oficial. Giovanni Boni fue alumno de la Academia de Bellas Artes de Brera y, en particular, seguidor de Giuseppe Sogni, artista que fue uno de los primeros en favorecer la pintura de tema histórico en sus innovadoras declinaciones románticas. No se sabe mucho de Boni, ni biográficamente ni en cuanto a su producción. Sólo se sabe que se le atribuye el Nudo d'uomo (Academia pintada), con el que ganó el primer premio de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. La obra representa las figuras y el patetismo de la escena con eficacia expresiva; las figuras del primer plano están muy bien caracterizadas en sus poses, expresiones, detalles de vestimenta y armas, mientras que las otras figuras se difuminan en el fondo, sugiriendo la presencia de un gran ejército. El cuadro, todavía en primer lienzo, presenta pequeños difuminados de color. Se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela boloñesa, finales del siglo XVII. En primer plano, ocupando toda la sección izquierda de la escena, yace el Niño Jesús dormido, recostado hacia atrás en una postura de total abandono al sueño, con una serena sonrisa en el rostro. A la derecha, delimitadas diagonalmente por el paño en relieve, dos figuras, presumiblemente pastores, contemplan al niño con una mirada de profunda y seria adoración y realizan el gesto de cubrirlo, un gesto que indica ternura pero que simbólicamente prefigura el sacrificio de Cristo (el descenso de su cuerpo tras la crucifixión). La posición supina del Niño, adorado por María o los pastores, fue introducida por Guido Reni, quien creó varias obras con este tema, posteriormente ampliamente adoptadas por sus seguidores y la escuela boloñesa del siglo XVII. Como en las obras de Guido Reni, en esta pintura también la luz emana directamente del Niño Jesús, iluminando los rostros devotos de quienes lo adoran. La pintura, previamente reentelada, muestra rastros de una extensa restauración. Se presenta enmarcado en un período de tiempo.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea, mediados del siglo XIX. En el centro de la escena, ante un trono coronado por un dosel de terciopelo rojo y flanqueado por insignias reales, un rey intenta dirimir una disputa entre dos grupos de hombres, representados por varios dignatarios vestidos de civil. Detrás de ellos, ondean dos banderas diferentes entre la multitud; probablemente se trate de dos facciones políticas de la misma ciudad. El perfil urbano al fondo sitúa la escena en un contexto centroeuropeo. La pintura fue aplicada a principios del siglo XX sobre madera contrachapada. Se presenta en un marco dorado restaurado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana, siglo XVIII. Un amplio paisaje nórdico, con picos montañosos al fondo y un río que serpentea por el campo, con casas y ruinas a la vista; varias figuras de caminantes recorren un sendero entre las rocas. Restaurada y reentelada a principios del siglo XX, la pintura requiere una limpieza adicional. Enmarcada.