Pintando a Céfalo y Procris

Copiado de Francesco Guardi

Óleo sobre lienzo. La pintura original, creada por Francesco Guardi en 1746 y donada a los Museos Cívicos de Venecia en 1830 de la colección del abad Teodoro Correr, se exhibe en Ca' Rezzonico desde 1936. La obra es una "vista interior" en la que el pintor representa con esmero y delicadeza la sala de visitas del monasterio de San Zaccaria. Las hijas de las familias venecianas más importantes eran monjas en el convento: en el salón, familiares y amigos podían conversar con las monjas, y durante estas reuniones también se organizaban espectáculos de marionetas para los más pequeños, como se aprecia a la derecha. La obra de Guardi se caracteriza por su representación de todos los elementos familiares de la Venecia del siglo XVIII, con su atmósfera galante y mundana que también impregnaba los conventos. La copia que aquí se presenta es bastante fiel al original, aunque le falta una sección a la derecha, detrás del pequeño teatro. Habiendo sido restaurada y reentelada en el pasado, la pintura actualmente requiere limpieza. Se presenta enmarcado en un período de tiempo.

Paisaje con río y figuras

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Emilio Donnini, artista florentino, se consolidó como paisajista del natural y marcó la transición de una interpretación puramente romántica al realismo macchiaioli. Le encantaba retratar paisajes marinos especialmente románticos, pintando escenas de la vida, sobre todo en su amada isla de Elba. Sus obras son ricas en cromatismo con tonos muy delicados, desde una luminosidad difusa que se extiende desde el cielo hasta las superficies, a menudo agua, inferiores con particular brillo, mientras que las figuras que animan la escena están descritas con pinceladas rápidas pero al mismo tiempo con ordenada precisión. Esta vista del paisaje retrata un curso de agua en el campo, cruzado por el tocón de un antiguo puente; Las lavanderas están ocupadas con sus labores en la orilla pedregosa. El cuadro muestra rastros de restauración. Se presenta en un marco dorado de mediados del siglo XX.

Retrato de una mujer joven

Óleo sobre tabla. Firmado abajo a la izquierda. El pintor parisino Édouard D'Otemar se consagró principalmente como retratista de figuras femeninas, a quienes pintó con efectos cromáticos matizados e iluminación de estilo impresionista. La obra se presenta en un marco de principios del siglo XX, con algunas piezas faltantes.

Casa de campo con plebeyos y patos

Óleo sobre tabla. Firmado y ubicado en Roma, abajo a la derecha. Domenico Pennacchini se especializó en escenas de género, a menudo ambientadas en la antigua Roma, pero muchas de ellas con temas rurales, como esta obra, que representa momentos de la vida cotidiana de los campesinos romanos. La obra se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Témpera sobre papel de médula. China, Cantón, dinastía Qing, ca. 1860. Una colección de veintiocho pinturas que representan a cortesanos, eruditos y comerciantes chinos. Originalmente guardadas en un álbum, se presentan aquí en un hermoso marco decorado con telas florales bordadas. El papel de médula es un material fino y translúcido derivado de la médula del árbol Tetrapanax papyrifer, o "planta de médula", originario de China y Taiwán. El papel de médula se incorporó a la pintura para satisfacer la creciente demanda de recuerdos pequeños, económicos y fáciles de transportar tras el enorme crecimiento del comercio con China en el primer cuarto del siglo XIX. Dado que muchos se vendían en álbumes y, por lo tanto, protegidos de la luz, conservan sus vibrantes colores incluso hoy en día.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa de finales del siglo XVIII - principios del XIX. Retrato de un caballero con elegante traje burgués. El lienzo tiene pequeños desgarros y necesita limpieza. Se presenta en un marco dorado del siglo XIX.

El adiós de Ludovico il Moro a su esposa.

Técnica mixta (lápiz, pluma, tinta parda y tiza blanca) sobre papel. Escuela italiana de principios del siglo XIX. Ludovico Maria Sforza llorando ante la tumba de su joven esposa Beatrice d'Este (1475 -1497); a su alrededor los frailes de Santa Maria delle Grazie y a su izquierda Bramante y Leonardo. En el lado corto del dosel de mármol de la tumba se encuentra el escudo de armas de los Sforza con dos serpientes y dos águilas. El moro quedó profundamente conmocionado por la prematura muerte en el parto de su jovencísima esposa Beatrice, compañera en su vida privada pero también en la política, así como mecenas de los genios del arte de su corte, como Leonardo da Vinci y Bramante, autores de numerosas obras pictóricas y arquitectónicas de la corte Visconti-Sforza. Se conocen varias versiones de este episodio, principalmente del siglo XIX, desde la de Giovanni Battista Cigola, de 1815, conservada en la Pinacoteca Ambrosiana, hasta la de Alessandro Reati, de hacia 1850. El cuadro se presenta en un marco de madera tallada de finales del siglo XIX.

Escena de Asedio

Óleo sobre lienzo. En el exterior de las fortificaciones de una ciudad, un comandante, rodeado de sus soldados, se dispone a encender la mecha de un cañón. El ejército defiende la ciudadela extramuros y los soldados otean el horizonte mirando hacia abajo, lo que induce a situar la escena en las fortificaciones de una ciudad, en particular las de Génova, que se alzan sobre las montañas que hay detrás y desde las que los genoveses defendían la ciudad de los ataques procedentes del mar; la localización en Génova se apoya en el estandarte que ondea en las murallas, la Cruz de San Jorge (cruz roja sobre campo blanco), estandarte de la República de Génova. El estilo de las armaduras, armas y vestimentas haría referencia al asedio de Génova en 1522. Se trata, por tanto, de una representación decimonónica de un episodio histórico, que se inscribe así en la producción pictórica generalizada en Italia en el siglo XIX, inspirada en la nueva novela histórica propuesta por la literatura. En el reverso del marco figura el nombre G. Boni, junto con un número que hace referencia a la participación en una exposición oficial. Giovanni Boni fue alumno de la Academia de Bellas Artes de Brera y, en particular, seguidor de Giuseppe Sogni, artista que fue uno de los primeros en favorecer la pintura de tema histórico en sus innovadoras declinaciones románticas. No se sabe mucho de Boni, ni biográficamente ni en cuanto a su producción. Sólo se sabe que se le atribuye el Nudo d'uomo (Academia pintada), con el que ganó el primer premio de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. La obra representa las figuras y el patetismo de la escena con eficacia expresiva; las figuras del primer plano están muy bien caracterizadas en sus poses, expresiones, detalles de vestimenta y armas, mientras que las otras figuras se difuminan en el fondo, sugiriendo la presencia de un gran ejército. El cuadro, todavía en primer lienzo, presenta pequeños difuminados de color. Se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Esta Virgen es una pieza única, en la que sostiene al Niño, que yace sobre una almohada profundamente dormido. María mira al espectador, casi como si exhibiera a su Hijo, con expresión seria, consciente de su destino, del que el niño, sin embargo, parece completamente ajeno, aún un simple niño, no el Hijo de Dios. Los rasgos fisonómicos de ambas figuras también son distintivos, en particular el rostro redondeado y regordete de María, su nariz chata, sus ojos redondos y su complexión robusta, que se alejan considerablemente de las representaciones más tradicionales de la Virgen. En la parte superior izquierda se aprecian algunas letras de una inscripción que parecen haber sido cortadas. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. En un paisaje campestre frondoso, con un arroyo tranquilo que lo atraviesa, varias figuras de gente común se mueven: en primer plano, la lavandera descansa en el suelo, intercambiando unas palabras con la mujer que ha venido a buscar agua con su hija pequeña; más allá, al otro lado del arroyo, un pastor con su rebaño de ovejas y un mozo de cuadra con sus vacas. La escena evoca una vida apacible y serena, marcada por el trabajo inmerso en la naturaleza. La pintura fue restaurada y reentelada en el pasado, pero actualmente requiere limpieza. Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea, mediados del siglo XIX. En el centro de la escena, ante un trono coronado por un dosel de terciopelo rojo y flanqueado por insignias reales, un rey intenta dirimir una disputa entre dos grupos de hombres, representados por varios dignatarios vestidos de civil. Detrás de ellos, ondean dos banderas diferentes entre la multitud; probablemente se trate de dos facciones políticas de la misma ciudad. El perfil urbano al fondo sitúa la escena en un contexto centroeuropeo. La pintura fue aplicada a principios del siglo XX sobre madera contrachapada. Se presenta en un marco dorado restaurado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana, siglo XVIII. Un amplio paisaje nórdico, con picos montañosos al fondo y un río que serpentea por el campo, con casas y ruinas a la vista; varias figuras de caminantes recorren un sendero entre las rocas. Restaurada y reentelada a principios del siglo XX, la pintura requiere una limpieza adicional. Enmarcada.