El vendedor de hierbas

Óleo sobre lienzo. África Occidental. Esta pintura de estilo naíf representa a una mujer que vende hierbas medicinales, sosteniendo un cartel que indica las dolencias que cura. Este tipo de pinturas, a menudo utilizadas como anuncios en puestos de mercado, hacen referencia a valores africanos tradicionales como la maternidad, la fertilidad y la prosperidad, pero transpuestos a un contexto cultural contemporáneo.

Figuras en el Bar

Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. En el reverso figura una declaración de autenticidad firmada. Influenciado por el expresionismo durante su estancia en París, Fantuzzi puso un fuerte énfasis en la expresión de emociones y estados de ánimo en sus obras. El color domina sus lienzos, generalmente en tonos fríos de azul, verde y púrpura, creando contrastes a veces intensos. Los temas principales de Fantuzzi son la soledad de la metrópolis y la dificultad de la comunicación en las relaciones interpersonales; a menudo pinta figuras poco definidas y rostros sin ojos. Enmarcado.

Sin título 1992

Técnica mixta sobre papel. Firmado en el centro inferior. El sello del artista, con la firma y la fecha de la obra, se encuentra al dorso. Caccioni, artista nacido, formado y residente en Bolonia, es uno de los protagonistas de una generación que ha alcanzado una madurez lingüística definitiva y ocupa un lugar destacado en la escena del arte contemporáneo. Su investigación se basa principalmente en materiales inusuales como acetatos, PVC y, más recientemente, telones de fondo de obras teatrales del siglo XIX, sobre los que pinta formas inspiradas en su memoria personal y en influencias de diversas culturas y periodos históricos. Un elemento recurrente en la obra de Luca Caccioni es la escritura, un signo autorreferencial que da forma a la obra y es capaz de expresar pensamientos; mediante la superposición, las imágenes se construyen añadiendo o sustrayendo color sobre distintos soportes. Enmarcado.

Productor único

Serigrafía aplicada sobre plancha metálica. Firmada abajo a la derecha, titulada en la parte inferior. Edición 446/500. El sol ha sido un tema recurrente para Giò Pomodoro desde la década de 1950, un tema que el artista nunca abandonó, desarrollándolo particularmente desde la segunda mitad de la década de 1970 hasta pocos años antes de su muerte, cuando, en el año 2000, donó un monumental sol de mármol blanco a la ciudad de Génova, ubicado justo en la bocana del puerto, en el Ponte dei Mille. El Sol Productor es una representación metafórica de la explotación equitativa del poder generativo del sol por parte de la sociedad. Apasionado por la astronomía, la geometría y la poesía, Giò Pomodoro siempre se sintió fascinado por el potencial vital y simbólico de la imagen de la estrella. En estas obras, el artista la representa mediante una forma circular estilizada, que se fragmenta para acentuar el potencial de las formas geométricas elementales (el círculo, el cuadrado, el triángulo) para generar diferentes tensiones dinámicas. Alrededor de estas formas básicas, Pomodoro inserta escritos que consisten en palabras que se refieren a conceptos referenciales, como real, posible, colectivo —en este caso: "Se mueve, gira, construye una cosecha común"— combinados con otras formas inscritas que indican estructuras físicas, como la bisagra, la rueda y la semilla.

Toro

Acuarela y carboncillo sobre papel. Firmado abajo a la derecha. La obra se acompaña de un certificado fotográfico de la Fundación Museo Luciano Minguzzi. Escultor, grabador y medallista, Minguzzi también realizó numerosos dibujos, a menudo bocetos para esculturas. El dibujo se presenta enmarcado.

Bocetos para Aida

Técnica mixta sobre papel. Siete bocetos firmados y fechados, y, en la parte superior, una reproducción de la firma del artista. Se trata de obras del destacado pintor italiano Remo Brindisi, cuya pintura, basada en un enfoque descriptivo y realista en sus primeras obras, añadió matices expresionistas en sus últimas, dando lugar a su propio lenguaje neofigurativo. Su obra siempre está imbuida de intenciones sociales y políticas. Brindisi también trabajó como escultor, ilustrador, escritor, escenógrafo y comisario cultural. Proviene de una colección privada en Milán. Su colaboración en la grandiosa escenografía y vestuario de la producción de Aida de 1974 en la Arena de Verona fue especialmente destacada. Se presenta aquí una serie de siete bocetos firmados y fechados de esta obra. Enmarcados.

Fieltro Múltiple 1974

Collage de fragmentos de fieltro sobre tabla. Firmado y fechado al dorso, con número de serie n.º 28/75. Dorazio pinta cuadros abstractos-geométricos, desarrollando diversas formas a lo largo de los años: tras una producción inicial de obras monocromáticas, introdujo el color a principios de la década de 1960, creando composiciones geométricas sobre grandes patrones de forma libre, con capas de colores planos. A partir de la segunda mitad de la década de 1960, trabajó en situaciones formales dinámicas enmarcadas en cuadrículas horizontales; a partir de la década de 1970, enriqueció la textura con líneas de color y línea mínimas, aún horizontales, utilizando diversos materiales. Enmarcado.

El hombre en la cocina

Técnica mixta sobre papel. Firmado en la parte inferior central. El reconocido escenógrafo, pintor e ilustrador ruso Nicola Benois, quien fuera el jefe de escenografía del Teatro Alla Scala de Milán desde 1935, contribuyó con algunos de sus dibujos en 1977 para ilustrar el libro de Francesco de' Rogati, "La cucina dell'uomo solo" (SM editore, 1977). Se presenta aquí un dibujo original, que posteriormente se utilizó como ilustración del texto, impreso en un formato más pequeño. Enmarcado.

Diseño de vestuario para "Aida" 1974

Carboncillo sobre papel. Firmado y fechado abajo a la derecha, con el nombre del modelo (para Amneris). Acompañado de un certificado fotográfico del Catálogo General y Archivo de las obras del artista. Esta obra es del destacado pintor italiano Remo Brindisi, cuya pintura, basada en un enfoque descriptivo y realista en sus primeras obras, añadió matices expresionistas en sus últimas, dando lugar a su propio lenguaje neofigurativo. Su obra siempre está imbuida de intenciones sociales y políticas. Brindisi también trabajó como escultor, ilustrador, escritor, escenógrafo y comisario cultural. Su colaboración en los grandiosos decorados y vestuario para la producción de Aida de 1974 en la Arena de Verona fue especialmente notable; aquí se presenta un boceto para la Princesa Amneris. La obra se presenta enmarcada.

Composición 1933

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. En la parte posterior hay una etiqueta parcial de la Galería Pesaro de Milán. La obra pertenece al primer periodo del artista francés ORAZI (nombre que quiso escribir con mayúsculas), periodo todavía ligado a la pintura figurativa, influenciado por las vanguardias históricas, en particular por el postimpresionismo; Ya en esta primera fase, la investigación sobre el color tiene un lugar dominante en la representación de personajes y objetos. En esta composición, los colores rojo y azul de los libros, la etiqueta de la botella y la pluma resaltan sobre los colores suaves y homogéneos de los demás objetos, entre los que la máscara de piedra domina el hemicampo izquierdo. La obra proviene de la familia de origen del artista. Se presenta en un marco de época.

Escena con figuras ca. 1950

Óleo sobre lienzo. Pertenece a un grupo de obras llamadas Jeux de Symboles, realizadas entre 1945 y 1950 aproximadamente, en las que la pintura de ORAZI se orienta hacia la producción de la llamada Peinture du Mouvement, caracterizada por el trabajo sobre los efectos dinámicos del cuerpo humano (y de los animales) en movimiento, enfatizados por la fuerza del color. El color domina esta escena, un color fuerte, ácido, brillante, que perfila figuras humanas y animales casi geométricas, con contornos marcados y claros, en las que parecen reconocerse en comparación dos etnias diferentes. El lienzo presenta pequeñas pérdidas de color. PR proviene de la colección familiar del artista.

Retrato en chal de una mujer mexicana, ca. 1950

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. El pintor francés ORAZI estuvo en México en 1955 y luego en 1956-57, un mundo excepcionalmente atractivo para los intelectuales y artistas de la época. Los paisajes naturales, las costumbres y tradiciones de la población local fueron los temas que confluyeron en la serie de pinturas llamadas Peintures sur le Mexique, paisajes, composiciones y retratos sin ceder al gusto por lo exótico, con un trabajo extremadamente cuidado en el color para representar, sin descriptivismo, los elementos de la naturaleza y las figuras de hombres y mujeres, proyectadas ya hacia la abstracción. Esta serie pictórica, compuesta por 35 piezas, fue expuesta en 1957, a su regreso a Francia, en la Galería Vendôme de París. El cuadro procede de la colección privada de la familia del artista.

Placa de cobre bruñida y trabajada, con decoraciones de puntos más claros, relieves y agujeros, montada sobre un panel de madera contrachapada teñida de rojo.

Panel de cobre y latón, trabajado con figuras geométricas irregulares. Inspirado en las obras del escultor y pintor Lino Bersani (Génova 1935). Montado sobre panel de madera lacado en blanco.

Cerradura indiscreta 2019

Técnica mixta: obra sobre plexiglás con inserciones de tela y acabado al óleo. Firmada y fechada al dorso. El artista comenta: «Mi gran amor por el arte me ha impulsado a plasmar las emociones y las visiones cromáticas que siempre han habitado mi vívida imaginación. Estas inspiraciones provienen de diversas influencias pictóricas que he reinterpretado personalmente».