PINTURA ANTIGUA
 

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. La escena alegórica presenta a una mujer ligera de ropa sentada en el regazo de un hombre, cerca de una mesa dispuesta con una jarra, un cáliz, una tabaquera y un cigarro encendido. Los dos personajes adoptan una actitud de complicidad lúdica, ambos decididos a fumar en una larga pipa. El fondo ofrece un paisaje frondoso. Las figuras y objetos hacen referencia a los placeres materiales y carnales de la vida, fumar, beber, la compañía femenina; Los personajes sonrosados ​​y regordetes recuerdan también el placer de la buena comida. Estos temas fueron recurrentes en la pintura flamenca o, más generalmente, nórdica, que los propuso de una manera irónica y seductora. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Se trata del retrato del príncipe Tommaso Francesco de Saboya (1596 -1656), fundador de la rama Saboya-Carignano. De hecho, en 1620, por orden de su padre, se convirtió en Príncipe de Carignano, dando lugar a la línea Saboya-Carignano, de la que descenderían los futuros Reyes de Italia de la Casa de Saboya. Este retrato deriva del original de 1634 realizado por Antoon Van Dick, actualmente conservado en la Gemaldegallerie de Berlín, y posteriormente reproducido también al aguafuerte, del que probablemente deriva esta versión. Es ligeramente diferente del original en algunos detalles:. es más estrecho, el bastón que sostiene el príncipe es más corto, la cortina detrás del hombre está menos desarrollada... El cuadro ha sido restaurado y revestido. Se presenta en un marco antiguo adaptado al lienzo.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena se desarrolla cerca de un campamento militar: frente a una tienda de campaña, a la izquierda, un líder del ejército, probablemente griego, recibe ofrendas de un grupo de hombres, pobres y harapientos, que se postran ante el nuevo maestro; el primero extiende unas hogazas de pan, otro saca algo de un costal, el tercero muestra las heridas de su cuerpo para pedir misericordia; detrás de ellos se acercan otras figuras de mendigos, formando una línea dispersa en el camino que se pierde en la distancia a la derecha. Al fondo, a la izquierda, la vida en el campamento militar es muy animada. La pintura ha sido restaurada y revestida.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVIII. Según el gusto del siglo XVIII, el paisaje propuesto está dominado por los restos de un antiguo templo, vestigios de glorias pasadas. Alrededor hay un campo con un arroyo, pero que se desvanece en la distancia hacia los picos azules de una cadena montañosa. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. La escena muestra el enfrentamiento entre caballeros fuera de las murallas de una ciudad sitiada, con el humo de las armas de fuego invadiendo el cielo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo adaptado. La escena muestra el enfrentamiento entre caballeros fuera de las murallas de una ciudad sitiada, con el humo de las armas de fuego invadiendo el cielo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo adaptado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela española de finales del siglo XVIII. Se cuenta el episodio bíblico narrado en el libro del Éxodo en el que el pequeño Moisés, para escapar de la masacre de los hijos de Israel ordenada por el Faraón, es abandonado por su madre en una cesta a orillas del Nilo, donde la hija del Faraón iba a bañarse. . Al encontrarlo, decidió salvarlo y luego lo crió como a un hijo en su corte. El episodio ha sido muy utilizado como tema pictórico, debido a la sugerencia del tema: la escena repleta de personajes ve en el centro a la princesa hija del faraón de Egipto, rodeada de todo su séquito, que la mira y saluda con el gesto. de la mano del pequeño Moisés tenso, que lo toma del cesto de la izquierda, se inclina hambriento hacia el pecho de la mujer que está detrás de él, la nodriza dispuesta a amamantarlo. La escena se sitúa en un paisaje nórdico contemporáneo al cuadro, al igual que las figuras visten ropas del siglo XVIII, a excepción de la princesa que luce un tocado de estilo oriental con diadema. Su figura destaca por el color vivo del vestido, así como destaca la tez sonrosada de la niña desnuda, que se impone a los colores más apagados y oscuros de las mujeres del séquito. La pintura ha sido restaurada y revestida.

Pintura al óleo sobre lienzo. Un pequeño monograma JDB es visible en la parte inferior central. El cuadro se atribuye a Johannes Van Der Bent, artista flamenco de la segunda mitad del siglo XVII, especialista en paisajes con escenas de la vida pastoril, situadas en grandes paisajes nórdicos, como el que aquí se presenta. Dentro de un paisaje bastante desolado y árido, un grupo de pastores con sus rebaños descansan, mientras una mujer en el centro ordeña una cabra. Restaurada y revestida a principios del siglo XX, la pintura se presenta en un marco de esa época (daños recuperados)

Grabando. Abajo a la izquierda, dentro de una cartela, título y leyenda de los lugares con 14 referencias numeradas; abajo a la derecha, las palabras "Amstelodami Exc. Ioannes Blaeu". Este es el mapa de Racconigi, la ciudad de la provincia de Cuneo, conocida por su castillo, residencia de la familia real Saboya. Está tomado de la segunda edición del "Theatrum Sabaudiae", obra creada por Ioannes Blaeu en la primera edición en 1682 para el Ducado de Saboya, como manifiesto político dirigido a todas las demás cortes europeas como testimonio y exaltación de la grandeza. del soberano. La obra se presenta en un marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. El gran cuadro presenta como tema un conocido tema del Antiguo Testamento, la riqueza del rey Salomón, contada en el Primer Libro de los Reyes: "El rey Salomón superó, por tanto, en riqueza y sabiduría a todos los reyes de la tierra. parte de la tierra para acercarse a Salomón para escuchar la sabiduría que Dios había puesto en su corazón. Todos le traían, cada año, ofrendas de objetos de plata y de oro, vestidos, armas, especias, caballos y mulas". En el cuadro el rey, ricamente ataviado con los símbolos de la realeza (la corona, el cetro, el manto de armiño), escucha de pie a los postulantes que acuden a él para recibir los consejos dictados por su proverbial sabiduría, y a cambio le traen ofrendas acordes con su papel social: algunos agricultores traen como obsequio sacos de grano, fruto de su trabajo en el campo, otros levantan una copa en alto para atraer la atención del rey. Los colores y el estilo pictórico del cuadro hacen referencia a la producción del norte de Italia, especialmente veneciana. La pintura ha sido restaurada y revestida.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVII. En los marcos hay placas que atribuyen a Elisabetta Marchioni, pintora originaria de Rovigo y activa entre finales del siglo XVII y principios del XVIII, especializada en bodegones de flores y frutas. Las dos composiciones se caracterizan por racimos de flores de diferentes colores - en un lienzo una única variedad floral, peonías, de diferentes colores, en el otro flores diferentes con una gama más amplia también de colores -, colocadas de forma bastante desordenada sobre fondos muy oscuros. fondos, dominados por el negro, de los que emergen con su fuerza cromática; en uno de los cuadros las flores están recogidas en un ramo dentro de un jarrón de color cobre, mientras que en el otro podemos vislumbrar un plato de peltre y quizás un jarrón fino, apenas visible, sobre el que se colocan las flores. Las pinturas han sido restauradas y revestidas. Se presentan en marcos dorados de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. El paisaje, ambientado en la montaña pero con la vista del mar de fondo, ve una figura de un plebeyo en el centro y dos a los lados, caminando por los senderos; Algunas casas de campo se encuentran dispersas en las verdes laderas. La pintura presenta varias gotas de color, especialmente en el margen superior. Se presenta en un marco elegante.

Pintura al óleo sobre lienzo. Representación tradicional del Crucifijo, rodeado de Santos vinculados al culto del cliente. En este caso tenemos a Magdalena, abrazada al asta de la Cruz, a la izquierda a San Pablo, reconocible por la espada, a la derecha a San Bartolomé sosteniendo en el brazo su piel desollada, signo del martirio al que fue sometido. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un antiguo marco contemporáneo, montado sobre un marco nuevo.

La Magdalena penitente y San Juan Bautista

Óleo sobre pizarra. Se proponen aquí dos ejemplos de pintura al óleo sobre piedra, un género pictórico especialmente popular en la República de Venecia entre los siglos XVI y XVII, en su forma de pintura al óleo sobre pizarra o piedra de toque. La elección de una piedra tan oscura como fondo no sólo está ligada a razones prácticas (la proximidad de las minas de Brescia y Val Brembana), sino que, como demuestran claramente nuestras dos obras, la aparición de las figuras del fondo oscuro responde a la luz también colmó las nuevas necesidades de la pintura de la época, que en el clima de la Contrarreforma, tendía a expresar no sólo las certezas existenciales idealizadas del pleno Renacimiento, sino también las inquietudes y la apertura a nuevas fases. , tendiendo ya con Tintoretto hacia una mayor atención a la realidad y a los contrastes luminísticos, para luego desembocar de manera abrumadora en investigaciones del siglo XVII fuertemente centradas en la combinación contrastante de luces y sombras. Las dos obras aquí presentadas, muy dentro de la producción del área veneciana de las primeras décadas del siglo XVII, proponen dos figuras de santos, ambos ermitaños, colocadas sobre un fondo naturalista oscuro y apenas visible. La figura de Magdalena emerge de la oscuridad, inclinándose para seguir la curva del soporte de piedra; se la representa mirando inquisitivamente hacia la oscuridad, como si estuviera escuchando, con la mano izquierda levantada y la otra apoyada en el notablemente acortado "memento mori". Frente a ella un látigo y el frasco de ungüento. Pintado en colgante, San Juan Bautista está representado de joven, con un cordero a sus pies, en su mano la cruz procesional con el estandarte "ecce agnus dei", mientras que con su mano derecha saca agua de la fuente, recordando el episodio que verá a Jesucristo bautizado. En ambos cuadros las figuras destacan de forma contundente e incisiva gracias al negro que caracteriza la placa de pizarra sobre la que están representadas. Los dos cuadros, de formato ovalado, se presentan en marcos de madera negra, de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVII-XVIII. Se trata de una escena tradicional de la deposición de Cristo de la Cruz, con el cuerpo inerte y pálido bajado en brazos de su madre María, a su vez abrazada y sostenida en su dolor por el discípulo Juan, y alrededor, compartiendo el duelo, dos mujeres piadosas y dos discípulos. La escena se caracteriza por una linealidad diagonalmente descendente, que sigue el cuerpo de Jesús, partiendo del poste de la Cruz levantado a la izquierda y terminando con la mujer agachada para abrazar los pies de Jesús a la derecha. A su alrededor, un fondo desnudo y gris, que subraya el dramatismo y el vacío que crea. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. El paisaje, amplio y aireado, impregnado de una atmósfera "clásica" e intemporal, se inscribe en la corriente clasicista de las vistas ideales extraídas de la campiña romana, introducidas en Roma con gran éxito durante el siglo XVII siguiendo el ejemplo de Carracci, Domenico, Albani. y los franceses Poussin, Dughet, Lorrain, y continuó en el siglo siguiente con artistas como Andrea Locatelli. Este tipo de pinturas de paisajes pretendían exaltar los principios de belleza, razón, orden y medida propios del mundo clásico, para celebrar el valor de la historia, la confianza heredada de los antiguos en las virtudes del hombre y sus posibilidades. En la naturaleza de estos paisajes, que no está abandonada al caos, sino compuesta, ordenada, no perturbada por elementos violentos o desordenados, se sitúan figuras humanas vestidas a la antigua usanza como en este cuadro, en el que una pareja vestida con trajes clásicos túnicas conversa amablemente sentada (o mejor dicho, medio recostada casi como si estuvieran en un triclinio) en medio de un paisaje verde y sombreado, cerca de un río tranquilo; A lo lejos se vislumbran los edificios de una ciudad y la mirada se pierde en la continuidad ordenada y pacífica de las colinas del Lacio. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XVIII. El tema mitológico de la diosa Diana bañándose tuvo una amplia difusión en la pintura del siglo XVIII y, sobre todo en el ámbito flamenco, también en el siglo anterior. Se propuso en diferentes variaciones, con la diosa sola, acompañada de ninfas, o con Acteón; en este caso la bella deidad, reconocible por la aljaba que cuelga de la rama del árbol y el perro de caza que la acompaña. está a punto de bañarse en un cuerpo de agua mientras un travieso fauno la espía detrás de ella. El cuerpo femenino escasamente vestido ocupa toda la escena, central y de una blancura que destaca en medio de las sombras del frondoso bosque, con todas las demás figuras y elementos que lo rodean. El pequeño cuadro fue restaurado y revestido a principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Una delicada composición de flores se coloca dentro de una especie de cuna de madera, con setas y frutas en el suelo; el fondo es externo, pero mal definido por diversas manchas. La obra, en el primer lienzo, se presenta también en un bello marco de principios del siglo XVIII, en madera de tilo tallada con una corona de hojas unida por cintas, y dorada con gouache.