Serigrafía de Giuseppe Migneco

Sin titulo

Serigrafía sobre lienzo. Firmado en la parte inferior izquierda. En la parte posterior está el número de serie 114/200. Giuseppe Migneco, originario de Messina pero trasladado a Milán de joven, fue uno de los principales representantes, junto con Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari, Renato Guttuso, del grupo Corrente abierto a las vanguardias artísticas europeas. A favor de una pintura de compromiso social, investiga la realidad con una mirada crítica, objetiva, histórica. Sus personajes de rostros duros, cuadrados, marcados por el trabajo y representados con tonos brillantes y fuertes, recuerdan su Sicilia de rasgos violentos y claros, pero también el realismo social de los muralistas mexicanos. Sus obras viajan por el mundo. Esta serigrafía, que forma parte de la serie de figuras de pescadores, ampliamente propuesta por Migneco en muchas variantes, es absolutamente compatible con su producción más famosa. En este caso, se trata de un pescador jubilado, que ofrece a su pareja el fruto de su trabajo. La serigrafía muestra rastros de un desgarro muy leve, solo detectable por la reparación en la parte posterior.

Virgen y el niño con los santos

Pintura al óleo sobre lienzo. La composición propone a la Virgen y el Niño, en gloria en los cielos, flanqueados por San Juan y rodeados de ángeles, que aparecen en visión a dos santos. A la izquierda un obispo, vestido con una rica capa, que para su corta edad parece ser Ludovico d'Angiò; a la derecha una santa mártir joven, bien señalada por la palmera y el crucifijo que sostiene en sus brazos, y que podría ser Santa Giulia de Córcega. La pintura, ya restaurada y revestida, se presenta en un marco de estilo dorado.

Moisés y las hijas de Jetro

Temple sobre papel, aplicado sobre tableros duros. El episodio bíblico narrado en el libro del Éxodo cuenta cómo el joven Moisés, todavía en la corte del faraón de Egipto, defiende a las siete hijas del sacerdote Jetro, molestadas por unos pastores madianitas mientras sacan agua del bien. Tras esta intervención, Moisés recibirá como esposa a una de las hijas de Jetro, Sefora. Sujeto ampliamente replanteado en el arte, se presenta aquí con especial atención al componente del retrato, con una particular exacerbación de los rasgos expresivos, tanto en los rostros como en las poses, de los personajes. La escena es muy viva, con la figura de Moisés en el centro, vigorosa y combativa, que divide el campo en dos: a su izquierda las siete muchachas, cada una caracterizada por un comportamiento diferente; a la derecha los pastores importunos, que sufren la ira de Moisés. Al fondo, un paisaje típico de las producciones del siglo XVIII, con una ruina arquitectónica detrás del pozo. La obra se presenta en un marco de estilo.

Retrato de Príncipe

Pintura al óleo sobre lienzo. En la parte posterior hay una escritura de fantasía "Prince Hansen Frederik Lodewik 1779"; la ropa es apropiada para un noble del siglo XVIII, pero no es posible rastrearla hasta ninguna persona real. La pintura ha sido restaurada y revestida; se presenta en un marco elegante.

Giovanni Sottocornola copia de

Luz y trabajo

Pintura al óleo sobre lienzo. En la parte inferior derecha, las palabras "Da Sottocornola". Copia casi contemporánea del conocido cuadro de Giovanni Sottocornola, que se presentó en el Permanente en 1914, obtuvo el Premio Cassani. La obra retrata a María, la hija del pintor, empeñada en coser. En los años posteriores a 1898, el pintor milanés de hecho se dedicó a los retratos íntimos y escenas de género, principalmente de temas femeninos e infantiles, inspirados en los afectos familiares y en su propio entorno doméstico, reproduciendo frecuentemente a su esposa e hijas. La pintura tiene algunas gotas de color a lo largo del margen derecho. En el marco de.

Antonio De Simone

El barco Astrea 1904

Gouache sobre papel. Firmado y fechado en 1904 abajo a la derecha. A la izquierda el nombre del barco. Antonio De Simone pertenece a la categoría de maestros marinistas, categoría que nació desde el siglo XVI y tuvo un gran fervor en los Estados de gran tradición marinera, desde Holanda a Inglaterra, desde Francia a España en Italia y casi en todas partes en el resto de el continente europeo. tomando como objeto todo lo relacionado con la vida marinera. La mayor popularidad de este género artístico se alcanzó en el siglo XIX y continuó hasta la década de 1940, en el último período de la navegación y el advenimiento de los barcos de vapor. En Italia, los artistas de las escuelas de pintura y del mar de Campania y Liguria produjeron muchas pinturas, algunas de las cuales son los llamados "retratos de barcos": este grupo incluye la producción de los hermanos napolitanos De Simone, que se especializaron precisamente en el retratos de barcos de lujo importantes y famosos, tanto de vela y barcos de vapor. El gouache se presenta en un marco

Antonio De Simone

El barco Astrea 1904

Gouache sobre papel. Firmado y fechado en 1904 abajo a la derecha. A la izquierda el nombre del barco. Antonio De Simone pertenece a la categoría de maestros marinistas, categoría que nació desde el siglo XVI y tuvo un gran fervor en los Estados de gran tradición marinera, desde Holanda a Inglaterra, desde Francia a España en Italia y casi en todas partes en el resto de el continente europeo. tomando como objeto todo lo relacionado con la vida marinera. La mayor popularidad de este género artístico se alcanzó en el siglo XIX y continuó hasta la década de 1940, en el último período de la navegación y el advenimiento de los barcos de vapor. En Italia, los artistas de las escuelas de pintura y del mar de Campania y Liguria produjeron muchas pinturas, algunas de las cuales son los llamados "retratos de barcos": este grupo incluye la producción de los hermanos napolitanos De Simone, que se especializaron precisamente en el retratos de barcos de lujo importantes y famosos, tanto de vela y barcos de vapor. El gouache se presenta en un marco.

Par de naturalezas muertas con jarrón de flores y pájaros

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. Hermosas composiciones con un ramo de flores variadas en tonos rojos (que hacen referencia a las tapas de las mesas), blancos y marrones, presentados en preciosos jarrones de metal repujado; Curiosa es la presencia en ambos lienzos del pajarito colocado sobre la mesa junto al jarrón. Las dos composiciones hacen referencia a la gran producción de naturalezas muertas, que comenzó a desarrollarse ampliamente a partir del siglo XVII gracias a Caravaggio que creía "que tenía tanta manufactura para hacer un buen cuadro de flores, como de figuras". Esta afirmación dio dignidad y autonomía a la naturaleza muerta y el inicio de una producción de obras de varios autores, comenzando por la escuela romana caravaggesca pero extendiéndose luego ampliamente a la producción del norte de Italia y flamenco, que llega hasta el siglo XX. Este tipo de pintura se suele encontrar por parejas para un pedido específico del cliente, dada la finalidad expresa del mobiliario que tenía. Las dos obras propuestas aquí se presentan en un marco contemporáneo notable, en madera tallada con volutas frondosas y doradas.

Figura masculina

Pintura al óleo sobre lienzo. Es el estudio de la vida, probablemente para una escena más amplia, de una figura de un remero: el modelo está en la pose requerida por el personaje, con el pie apoyado en un escalón y las manos sosteniendo un bastón genérico a modo de remo. Aunque de corte académico, está bien acabado, en las formas, en la anatomía ya completa, en las elecciones cromáticas. Restaurado y revestido (desafortunadamente con algunas áreas de restauración de color ineficaz), se presenta en un marco de estilo.

Virgen con el niño

Pintura al óleo sobre lienzo. Muy humana, terrenal, esta imagen de la maternidad de María: ninguna luz particular, ningún halo, incluso el velo de María es de un color apagado, el color de la tierra; por otro lado, la ternura de los gestos y miradas tanto de la madre como del recién nacido es intensa. Restaurado y revestido, se presenta en un marco de época.

Bodegón con langosta

Pintura al óleo sobre lienzo. La obra va acompañada de una foto auténtica de los años 70-80 de un experto de la Corte de Milán, que la atribuye al área holandesa de la primera mitad del siglo XVIII, asumiendo el nombre de Tomas Smith (1680-1750). ). La composición, muy sobria y desnuda, se divide en dos franjas horizontales bastante claras, la superior dada por el fondo oscuro y vacío, la inferior creada por el blanco jaspeado de la superficie de apoyo, que evoca el mármol de un altar; en el centro, el elemento de unión entre las dos partes, el bodegón, compuesto por algunos elementos, la langosta, un pan, un cáliz, un frasco. En la parte trasera hay varios parches. La pintura se presenta en un marco estilizado.

Paisaje con Casolare

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela de ingles. Firmado abajo a la derecha (L. Weston). La pintura va acompañada de fotografías de expertos de las décadas de 1970 y 1980, que lo atribuyen a Lambert Weston (1804-1895). Se presenta en un marco elegante.

Pietro Cortellezzi

Virgen con el niño

Fresco. Formado en Milán, procedente de la provincia de Varese, Pietro Cortellezzi se estableció como un fresconte en las iglesias, especialmente en Lombardía y Véneto. En particular, en Milán, uno de sus frescos de las Cuatro Estaciones se puede encontrar en el salón de honor del Palazzo Marino, creado para la restauración de los daños causados por los bombardeos de 1943; otro ciclo en la iglesia de los Santos Gervasio y Protaso. La obra se presenta en un marco.

Grupo de cuatro paneles pintados

Escenas pastorales

Giuseppe Valsecchi

Gran paisaje fluvial con figura

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado en la parte inferior derecha, con una dedicatoria a su esposa y fecha, '36, así como en números romanos XV (datación fascista). El artista lecco Giuseppe Valsecchi, a pesar de haber compartido el compromiso humano y social del movimiento milanés de Corrente (al que se adhirieron artistas como Guttuso, Treccani, Sassu), no descuidó una vena más evocadora e íntima que se plasma tanto en el la producción de retratos y paisajes, inspirado por las vistas desde las ventanas de sus casas. Pequeñas gotas de color difuso. EL extenso paisaje ofrece una visión del río en medio del campo; a la derecha la figura de un pescador.

Gran Tapa de Nueva Guinea

Tejido elaborado con corteza y decorado. Espléndido ejemplo de arte-artesanía, que hace referencia a uno de los métodos más antiguos para obtener ropa sin recurrir a tejer o tejer, pero utilizando la corteza interior de determinadas especies arbóreas. Es un método que se ha practicado en África Central, Sudeste Asiático, Japón, Norteamérica y desde Mesoamérica hasta las regiones de los Andes, Amazonas y Gran Chaco. El término Tapa denota en particular todos los tejidos de corteza de Oceanía, pero en realidad es una palabra originaria de las Islas Fiji. Dependiendo de la zona en que se producen estos tejidos de corteza, se utilizan diferentes especies de árboles: mientras que en África se utiliza la higuera, en Indonesia y las islas del Pacífico la corteza más utilizado es el de la morera de papel, con la que el más alto Se producen tejidos de calidad, que permanecen blancos y se pueden decorar de diferentes formas. Si alguna vez la tela de corteza se usó a diario, incluso simplemente envuelta alrededor del cuerpo, a lo largo de los siglos ha sido reemplazada por el algodón, pero aún hoy se prefiere a las telas occidentales para ocasiones rituales y ceremoniales; sobre todo, estos tejidos siguen siendo importantes bienes de intercambio, obsequios de valor en ocasiones de nacimientos, cumpleaños, bodas (con intercambios entre los familiares del novio y los de la novia), funerales y presentaciones ceremoniales a la familia real. A esto se suma la producción impulsada por el floreciente mercado turístico de este tejido. La tapa que aquí se presenta está decorada con motivos geométricos repetidos, que evocan las chozas y la calle del pueblo. El borde superior no es recto, pero tiene forma de grandes franjas triangulares. Se presenta montado sobre un panel y cerrado en una caja de plexiglás.

Attilio Pratella alcance de

Vista costera de la bahía de Nápoles

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado Att. Pratella abajo a la derecha. En la parte posterior, declaración de atribución al arquitecto paisajista napolitano. El tema está muy cerca de la producción de Pratella, que prefirió los puertos deportivos de la bahía de Nápoles, su ciudad natal. También forma parte de ese gran número de cuadros cuya atribución es incierta, debido a una calidad estilística que no se ajusta a la mano de Pratella. Sin embargo de buena calidad y agradable en el ambiente, la pintura se presenta en un marco.

Lamentación por el Cristo muerto

Cuadro monocromático sobre plato de porcelana. En la parte inferior derecha está la firma A. Barbero y la fecha de 1864. El cuadro, monocromático a modo de grupo escultórico, ofrece la dramática escena de la deposición de Jesús en la Cruz y el llanto sobre su cuerpo de su madre María. , las mujeres piadosas y de Nicodemo. La pintura se presenta en un marco dorado coetáneo.

Serigrafía de Luca Alinari

Billar 1990

Serigrafía sobre papel. Firmado abajo a la derecha; número de serie 57/125 abajo a la izquierda. El artista florentino Luca Alinari ha desarrollado su producción artística, tanto pictórica y gráfica, en una búsqueda cerca de la combinación libre de objetos y figuras dentro de atmósferas fantásticas y suspendidos, por sugerencia de la investigación Neodadaísmo y Pop Art. Técnicas de pintura, en la que se colores fluorescentes combinados, calcomanía, collage, transposiciones fotográficas. Ha expuesto en toda Italia y en todo el mundo. La obra se presenta en un marco.