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Pintura con Vista Arquitectónica y Personajes
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ARARPI0184973
Pintura con Vista Arquitectónica y Personajes

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Pintura con Vista Arquitectónica y Personajes

Pintura al óleo sobre lienzo. Una gran estructura arquitectónica, imponente en su clasicismo, con altas columnas torcidas y elaborados capiteles de estilo corintio, domina un paisaje lacustre suave y matizado, que bulle con la actividad diaria de pequeñas figuras de caminantes, pescadores y plebeyos, bien descritas en sus peculiaridad. La pintura se aproxima al costumbrismo de Viviano Codazzi (1604 -1670) a quien tradicionalmente se le atribuía. Originario de Bérgamo pero luego activo en Roma y Nápoles, Codazzi fue un famoso pintor de perspectivas, considerado por muchos como el inventor de la vista y del capricho arquitectónico. Próximo también al género Bamboccianti, se distinguió por el cuidado descriptivo de los diversos protagonistas, sus gestos, su vestimenta, cuidado que indica una visión y un estudio de la vida cotidiana, leído e interpretado sin filtros literarios pero con marcado naturalismo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

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Pintura atribuida a Jacob Jordaens
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ARARPI0183431
Pintura atribuida a Jacob Jordaens

"L'arc en ciel" siglo XVII

ARARPI0183431
Pintura atribuida a Jacob Jordaens

"L'arc en ciel" siglo XVII

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVII. La gran escena bucólica presenta un amplio paisaje que empuja la mirada hacia la lejana costa del mar; en él el cielo se va abriendo paulatinamente, revelando destellos de azul a la izquierda, mientras que a la derecha, entre las nubes más oscuras que quedaron de la tormenta, se revela un gran arco iris. En primer plano, un grupo de pastores y pastoras disfrutan de juegos amorosos, discretos y festivos, en medio de sus rebaños, que descansan y beben del cercano arroyo. Toda la escena está animada por una dimensión de alegre relajación y refrigerio, como si el arco iris hubiera devuelto la serenidad al ambiente, trayendo luz y con ella serenidad al mundo. La atribución a Jordaens está ligada tanto a la tipología de tema, el pastoril, tema recurrente en la producción del artista flamenco, como a las modalidades pictóricas: en esta obra encontramos sus colores cálidos y luminosos, los fuertes contrastes de luz y sombra, las figuras robustas de rostros rojos y sanos, a veces con rasgos satíricos, las composiciones llenas de figuras que dan un aire de vitalidad sensual. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de época.

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Estatua Alegoría del Otoño en Mármol Blanco
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ARARAR0183427
Estatua Alegoría del Otoño en Mármol Blanco

Italia mediados del siglo XIX

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Estatua Alegoría del Otoño en Mármol Blanco

Italia mediados del siglo XIX

Estatua femenina en mármol blanco estatuario, personificación alegórica del otoño, Italia mediados del siglo XIX. Figura entera vestida a la antigua usanza con toga, tocado de hojas de parra y racimos de uvas, estos últimos colocados también en el lado izquierdo; con su brazo derecho sostiene frutos de otoño. Descansando sobre una base circular. Pequeños descansos.

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9.500,00€

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Pintado con Mar Tormentoso
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ARARPI0184972
Pintado con Mar Tormentoso

ARARPI0184972
Pintado con Mar Tormentoso

Pintura al óleo sobre lienzo. Según la etiqueta del reverso, el cuadro fue presentado en la "Exposición de Pintura Barroca Veneciana" de 1943, con el título "En el puerto al atardecer" y la atribución a Marco Ricci. La atribución puede estar motivada por la habilidad ejecutiva, que a través de pinceladas rápidas y sueltas, logra plasmar con sensibilidad la realidad natural del mar tormentoso. Al respecto, véanse las imágenes similares publicadas por Rodolfo Pallucchini en el artículo "Studi ricceschi: contribución a Marco" publicado en la revista Arte veneta (vol. IX, 1955). Las producciones paisajísticas y marinas de Ricci (que, sin embargo, no fueron su producción más extensa) se caracterizan por luces poderosas y emotivas, por árboles secos y retorcidos, rocas y torres, cúmulos que se abren de repente en vagos destellos azules, olas espumosas, un complejo repertorio que transfigura la naturaleza en una representación dramática e inquieta, en la que también se inserta el hombre como elemento integrante. También en esta pintura encontramos estos elementos muy dramáticos pero a la vez escenográficos, con algunas figuras humanas, tres hombres en un pequeño bote en primer plano, que apenas se distinguen del mar y las rocas que los rodean, así como el barco a la izquierda hundiéndose engullido por el mar. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

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Cuadro del siglo XVII con Escena de la Captura de Santo Tomás de Aquino
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Cuadro del siglo XVII con Escena de la Captura de Santo Tomás de Aquino

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Cuadro del siglo XVII con Escena de la Captura de Santo Tomás de Aquino

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. Vástago de un antiguo linaje longobardo de Aquino (en la provincia de Frosinone), Tommaso (nacido hacia 1226) fue a estudiar a Nápoles, en 1243 ingresó en la orden de los predicadores dominicos en contra de los deseos de sus parientes, pero durante el viaje a la El norteño fue arrestado por sus hermanos y estuvo preso durante aproximadamente un año. En la escena, el joven santo del centro, ya vestido con el hábito dominico, está rodeado por ambos lados por cuatro figuras ricamente ataviadas, precisamente sus familiares, entre ellos probablemente su madre, que lo sostienen amablemente, casi abrazándolo, mientras con gestos de las manos y las miradas afligidas y amorosas tratan de convencerlo, casi rogándole. Las figuras también están ubicadas en una prisión, como lo indican las rejas en la ventana de la derecha, para subrayar la acción coercitiva realizada. Ricos y detallados son los detalles de la vestimenta de los personajes, con colores vivos que contrastan con el vestido de Tommaso, movimientos plásticos propiamente del gusto barroco. Ya restaurada y rebasada, la pintura se encuentra en buen estado, con evidentes cuarteaduras. Se presenta en marco antiguo re-lacado y re-dorado.

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Escultura de Hércules
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ARTART0000182
Escultura de Hércules

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Escultura de Hércules

Escultura de piedra de Vicenza que representa a Hércules, según la iconografía típica: un hombre musculoso y barbudo, con un garrote en los hombros; se le representa con una postura dinámica que crea un movimiento en espiral, característico del gusto barroco.

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Escultura en madera que representa la maternidad tardomanierista
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ARARAR0178563
Escultura en madera que representa la maternidad tardomanierista

Italia principios del siglo XVII

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Escultura en madera que representa la maternidad tardomanierista

Italia principios del siglo XVII

Escultura tardomanierista en nogal redondo que representa una figura femenina con la mano izquierda levantada sobre el pecho desnudo, en referencia a la maternidad y la fertilidad. Falta el niño y parte del abrigo.

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2.450,00€

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Gran Paisaje con Escena de Caza
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Gran Paisaje con Escena de Caza

Cacería de venados

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Gran Paisaje con Escena de Caza

Cacería de venados

Óleo sobre lienzo. La escena, que transcurre en un bosque país, en las ruinas arquitectónicas, se centra en el animado y rico grupo de figuras de los cazadores, vestido en forma de gente de a caballo, armados con espadas y lanzas, y con la ayuda de los perros, de dar el golpe final para el ciervo es ahora heridos y moribundos. El gran formato de relieve el cliente importante, subrayó, también, por la vinculación de pintura similar. El estilo se refiere a la pintura de el norte-oeste de italia; pinturas de este tamaño y de tales sujetos, a menudo en pares, se encuentra de forma difusa en el pequeño castillos en lombardía y piamonte, por ejemplo, en el inventario de 1739 del castillo de Orio Canavese (al norte de Turín) se describen, en el hall central, "dos pinturas de gran formato bislonghi composiciones que representan dos caza un Venado, y el otro de el Jabalí sin marcos", que luego puede ser encontrado, después de su venta posterior en otros inventarios. Restaurado y ritelato. Presentado en un elegante ambiente.

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Pintura atribuida a Gaspard Dughet
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Pintura atribuida a Gaspard Dughet

Paisaje clásico con figuras del siglo XVII.

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Pintura atribuida a Gaspard Dughet

Paisaje clásico con figuras del siglo XVII.

Pintura al óleo sobre lienzo. En un gran paisaje verde por donde fluye un río, emerge un pueblo en el centro; en primer plano a la derecha, sobre el camino hay un grupo de mujeres, vestidas con túnicas de colores. la pintura retoma las modalidades pictóricas de Gaspard Dughet, el pintor romano formado en la escuela de Poussin, que se dedicó principalmente a la producción paisajística, con una nueva libertad y una fresca naturalidad encaminada a descubrir un mundo real y mágico a la vez, pagano Naturaleza libre y salvaje. En la producción de Dughet las figuras humanas nunca fueron dominantes, ausentes en las primeras producciones y luego introducidas solo a pedido de la clientela, llegando a adoptar un tipo particular de figuras sin mayores cambios a lo largo de su carrera: figuras elegantes, de porte suelto, vestidas de túnica corta, vagamente antigua, generalmente anónima y perteneciente al pueblo. Tales rasgos se encuentran en esta obra, aunque la atribución a Dughet es incierta, y se piensa más bien situarlo en su círculo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

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7.800,00€

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Lamentación por el Cristo muerto
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Lamentación por el Cristo muerto

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Lamentación por el Cristo muerto

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. Insertadas en un paisaje del Renacimiento tardío, la composición de las figuras se ordena según una diagonal ascendente hacia la izquierda y culminando más precisamente con las tres cruces del Calvario a lo lejos; En el centro está el cuerpo de Cristo, extendido aunque también de forma oblicua, detrás del cual tres figuras, San Juan, María en el centro y una mujer piadosa, la única representada con ropa del siglo XVII, probablemente retratando a una persona cercana al cliente. La obra puede situarse en la producción cultural lombardo-veneciana de la primera mitad del siglo XVI, más precisamente en la actividad pictórica que floreció entre Brescia, Garda y Verona, que tuvo máxima expresión en las formas manieristas de Giovanni Demio (1500- 1570 ca). En particular, algunos elementos se encuentran en la obra, especialmente en las formas de vestimenta y poses (por ejemplo de San Giovanni), que hacen referencia a modelos de molde rafaelesco muy utilizados, gracias a la mediación de grabadores como Marcantonio Raimondi (1480 - 1534 bis), lo que contribuyó a la difusión de las obras de los maestros. La pintura, restaurada y revestida, tiene amplias renovaciones. Se presenta en un marco antiguo, que data de alrededor del siglo XVII, repintado.

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4.200,00€

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Santos Nazario y Celso
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Santos Nazario y Celso

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Santos Nazario y Celso

Pintura al óleo sobre lienzo. Nazario y Celso fueron dos mártires cristianos, que murieron en Milán en el 304 d.C., venerados tanto por la iglesia católica como por la ortodoxa, que viajaron a Italia como evangelizadores, sufriendo la persecución de los romanos. Según la tradición, los dos jóvenes fueron condenados a muerte y embarcados en un barco que los llevaría mar adentro, donde serían arrojados al mar. Cuenta la leyenda que, arrojados al mar, empezaron a caminar sobre el agua. Entonces estalló una tormenta que aterrorizó a los marineros, quienes pidieron ayuda a Nazario. Las aguas se calmaron de inmediato. El barco finalmente aterrizaría en Génova, y aquí Nazario y Celso continuaron su labor evangelizadora por toda Liguria y llegaron hasta Milán, donde finalmente fueron arrestados y condenados a muerte nuevamente. La pintura está en el primer lienzo y nunca ha sido restaurada, pero aunque necesite limpieza, está en buen estado (micro gotas de color). Se presenta en un marco contemporáneo, con carencias.

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Retrato de Eleonora Lampugnani
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Retrato de Eleonora Lampugnani

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Retrato de Eleonora Lampugnani

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. La señora rica representada va acompañada de la inscripción identificativa en la parte superior derecha que dice "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478": se trata, por tanto, de Eleonora Lampugnani, esposa de Bartolomeo Del Corno. La familia Lampugnani es una antigua familia patricia de Milán (el nombre deriva del distrito de Lampugnano), con residencias en Legnano y Busto Arsizio, y a la que Filippo Maria Visconti (duque de Milán) asignó el feudo de Trecate en el siglo XV; el marido de la noble pertenecía en cambio a la noble familia piamontesa Corno (originalmente llamada Del Corno). La mujer noble está representada de pie, con un espléndido vestido ricamente bordado y adornado con encajes; apoya la mano en una preciosa caja con incrustaciones de marfil, probablemente una vitrina, símbolo de riqueza y poder, coronada por un jarrón con flores, más bien un símbolo de vanidad. La pintura tiene una restauración antigua en las manos, que son de menor calidad que la del rostro, la ropa, el frasco de vidrio. La pintura proviene de una antigua colección lombarda. La fecha 1478 reportada con la inscripción, no está muy en consonancia con la indumentaria del siglo XVI: según la historia de la familia de origen del cuadro, la fecha que apareció antes de la última restauración fue 1578, y por lo tanto sería un cambio realizado. por error del restaurador.

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8.000,00€

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Alegoría del amor
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Alegoría del amor

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Alegoría del amor

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa. Se trata de una divertida escena alegórica de amor profano, que pretende demostrar cómo todas las personas, de cualquier clase social y de todas las edades, pueden caer en la trampa del enamoramiento. El fondo del lienzo está ocupado por una enorme red de guarda, la red de canasta utilizada en algunos tipos de pesca, sobre cuya boca se sienta un putto violinista, decidido a tocar; la trampa está abarrotada de parejas, mientras que un desfile de otros pasa junto a ella para llegar a su entrada. Entre ellos hay parejas de ancianos y jóvenes, parejas de ricos y pobres, nobles, burgueses y proletarios: todos tienen expresiones alegres y ligeras, se miran enamorados o miran con bondad la felicidad de los demás. Dentro de la olla hay incluso un par de miembros de la realeza, que corresponden en características y vestimenta al elector palatino de Renania, Giovanni Guglielmo del Palatinado-Neuburg y a su segunda esposa Anna Maria Luisa de'Medici. En el reverso del cuadro hay una etiqueta con una atribución histórica a Jan Frans Douven (1656-1727): el artista holandés que a partir de 1682 se trasladó a Düsseldorf como pintor oficial en la corte del elector palatino de Renania, principalmente creando escenas de la vida diaria del príncipe y su segunda esposa. Por lo tanto, la etiqueta confirmaría el área de atribución a un artista del norte de Europa de los siglos XVII y XVIII. La pintura proviene de una colección histórica milanesa. Tiene rastros de restauraciones y parche. En un marco elegante.

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Retrato de Bartolomeo De Olevano
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Retrato de Bartolomeo De Olevano

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Retrato de Bartolomeo De Olevano

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. Es el retrato de pie de un hombre con armadura, en actitud orgullosa, casi en movimiento, con la mano apoyada en la empuñadura de su espada; arriba a la izquierda un escudo de armas; en la parte inferior derecha un cartucho pintado con una larga escritura en latín, que identifica al hombre. Se trata de Bartolomeo III Olevano, perteneciente a la poderosa familia de los nobles Olevano, señores feudales de numerosos pueblos de Pavía y Lomellina (donde aún existe su castillo), que tuvo una gran voz en los acontecimientos de Pavía y su campo hasta el siglo XVIII siglo. Bartolomeo III, nacido en 1512, se dedicó al arte de la guerra durante cuarenta años, realizando numerosas y honradas hazañas, fue prefecto de Mortara y Novara durante la dominación de Carlos V, maestro de soldados y embajador de Felipe II. Sus logros más importantes se resumen en el cartucho: una traducción del texto está disponible. El escudo de armas representado muestra a la izquierda el olivo del que la familia tomó su nombre. La pintura proviene de una importante colección histórica familiar lombarda.

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Retrato de un monarca escocés
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ARARPI0096279
Retrato de un monarca escocés

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Retrato de un monarca escocés

Pintura al óleo sobre lienzo. Intenso y de calidad, el cuadro representa a un monarca de la casa real de Escocia. Alrededor del retrato, en un marco ovalado pintado, hay algunas escrituras: el nombre Rober (t) aparece en la parte superior izquierda, el título Rex en la parte inferior izquierda y la abreviatura Scot a la derecha, que significa Scotorum; la escritura en la parte superior derecha no es identificable, pero parece ser un acrónimo. El hombre retratado viste un sombrero y una chaqueta adornada con piel de armiño, considerada la piel más noble reservada a la realeza. Lleva un colgante de oro alrededor del cuello, que representa dos hojas con el fruto del cardo, que en heráldica simboliza Escocia. Por tanto, la escritura y el colgante se refieren a un Roberto de Escocia, probablemente de la dinastía que reinó en el siglo XIV. El retrato también se realizó en el período romántico del siglo XIX, probablemente utilizando algunos grabados antiguos como inspiración. Restaurado y revestido, se presenta en un marco de época.

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6.000,00€

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ARTPIT0001596

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12.000,00€

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S. Paolo Eremita y S. Antonio Abate
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ARARPI0057281
S. Paolo Eremita y S. Antonio Abate

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S. Paolo Eremita y S. Antonio Abate

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. El cuadro representa en primer plano a la izquierda, a la sombra de frondosos árboles, a los dos santos sentados en las rocas, compartiendo un pan; San Pablo vestido tradicionalmente con pieles de animales, San Antonio el abad con el hábito de la orden y el libro de oraciones en la mano. Los dos santos se han representado a menudo juntos porque tienen muchos rasgos en común: ambos vivieron en el siglo III, ambos egipcios, muy jóvenes dejaron todas sus propiedades para dedicarse a una vida de completa soledad, viviendo en oración y pobreza. Sant'Antonio Abate fue uno de los ermitaños más famosos de la historia de la Iglesia. San Pablo Ermitaño también vivió toda su vida en el desierto en completa soledad, según el relato hagiográfico, alimentado únicamente del pan que le traía regularmente un cuervo. A medida que se acercaba su muerte recibió la visita de Sant'Antonio Abate, con quien compartió este pan. En esta representación, el contexto del paisaje no se refiere a las tierras desérticas de Egipto, sino que se ubican en un paisaje alpino nórdico. A la derecha un paisaje ermitaño, aunque verde y con un pequeño riachuelo en la parte inferior derecha. La pintura, ya restaurada y revestida, tiene un rizado muy evidente. Se presenta en un marco elegante.

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5.800,00€

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La huida de Eneas de Troya
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ARARPI0057135
La huida de Eneas de Troya

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La huida de Eneas de Troya

Óleo sobre lienzo. Toda la escena se reproduce en el claroscuro de negro y rojo, con las llamas de fuego que todavía está latente entre las torres y las torres de la ciudad: en el primer plano las figuras de Eneas con su padre Anchises en su hombro, y su pequeño hijo Ascanius a su lado mientras que huir de la ciudad; a la derecha, en el segundo piso, el caballo de Troya. A pesar de la cercanía a la misma materia de Alessio De Marqués (1684-1752), la pintura también se refiere como el estilo de la pintura flamenca. Restaurado y ritelato. Se presenta en el antiguo marco.

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6.000,00€

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La figura está tallada con el marco del portal
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ARTART0000073
La figura está tallada con el marco del portal

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La figura está tallada con el marco del portal

La figura del posadero, está tallada en la ronda y pintado en policromada, que se inserta en un portal tallado sarmientos con hojas de vid, de oro gouache de un período posterior. La escultura representa a un host en el acto de la realización de una cesta de fruta. La escultura se encuentra bien definido, con una vuelta de tuerca y la expresividad en la cara. Muestra una influencia nórdica; está completamente pintado en policromada, está vestida de púrpura y bordes de la correa, el oro y la cesta verde con ramas de uvas negras. El portal, que probablemente añadida al final del siglo XVII., está hecho con vides que la guita, la creación de un momento de aguda, a partir de los dos grandes jefes de la barroca y termina en la cara de alas de querubín. Esta parte, probablemente nacido a un tema religioso, es completamente de oro.

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2.500,00€

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Gran cuadro de tema mitológico
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ARARPI0167017
Gran cuadro de tema mitológico

El cuento de Apolo y Marsyas

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Gran cuadro de tema mitológico

El cuento de Apolo y Marsyas

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. El gran lienzo deriva de un grabado de 1562 del veneciano Giulio Sanuto, quien reprodujo fielmente la obra homónima de Bronzino (1503-1572), actualmente conservada en el Hermitage; respecto al original, el grabado añade el grupo de Musas y modifica el fondo del paisaje introduciendo vistas de los pueblos. La obra se divide en cuatro escenas, que hay que leer de derecha a izquierda. La primera escena representa el concurso musical entre Apolo y Silenus Marsyas, quien tocaba la flauta tan bien que era considerado superior al mismo dios; los dos contendientes están actuando, el dios con la lira y el sileno con la flauta incluso boca abajo (para aumentar la dificultad de la empresa), frente al rey Midas y la diosa Minerva, reconocible por sus atributos, el casco, la lanza y el escudo. En la segunda escena, Apolo intenta desollar a Marsyas para castigarlo por haber ganado el concurso musical; apoyarse en el suelo junto a él, su capa y su lira. En la tercera escena, es el rey Midas el que es castigado por el dios por haber preferido a Marsyas a él: Apolo le pone las orejas de burro a Midas, mientras Minerva observa. Finalmente, la cuarta escena, en primer plano a la izquierda, se caracteriza por una figura particular, identificada en el fiel sirviente y barbero del rey: ya que Midas le había ordenado guardar el secreto en sus orejas de burro, no pudiendo dejar de lo contrario, aliviado, cavó un hoyo en el suelo y gritó allí su secreto; en ese lugar, sin embargo, cuenta la leyenda que creció un matorral de juncos que con el viento susurró "El rey midas tiene orejas de burro", revelando así el temido secreto. La pintura ha sido previamente restaurada y rebasada, pero actualmente necesita más recuperación de color. En el reverso a lápiz hay una antigua atribución a la escuela de Ferrara ("Ercole da Ferrara"). Se presenta en un marco de estilo de finales del siglo XIX.

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7.800,00€

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