Estatua de piedra sin cabeza

Escultura de piedra sin cabeza que representa a un obispo.

El trabajo de Arman

10000 Cendrillons

Técnica mixta sobre lienzo. Armand Fernandez, alias Arman, nació en Niza en 1928. Es recordado como uno de los exponentes más significativos e influyentes del movimiento artístico “Nouveau Réalisme”, la decadencia europea del New Dada americano. El Nouveau Réalisme se desarrolló en la década de 1960 en Francia en torno a la figura del crítico Pierre Restany. Representa una forma de hacer arte anticonvencional, que retoma muchos aspectos de las vanguardias de principios de siglo, como la relegación de la pintura y la escultura a técnicas de segundo orden. Por otro lado, se da valor artístico a los objetos de uso común, pertenecientes a la esfera cotidiana, que se presentan en las obras exactamente en su objetividad, sin la acción descontextualizadora que caracterizaba al ready-mades de Duchamp. La posguerra, caracterizada por cambios radicales desde el punto de vista social y económico, está representada por los exponentes del Nouveau Réalisme de manera provocativa y crítica a través de sus productos: objetos sobreabundantes, residuos, residuos inconvenientes, etc. Cada artista expresa esta filosofía de forma personal y original; Arman es conocido por sus acumulaciones rayanas en lo obsesivo. Su trabajo parte de las calles, donde recoge lo que se tira, se olvida. Los objetos en desuso, lo que se considera basura, se convierten en protagonistas de sus "esculturas", induciendo al público a reflexionar sobre las implicaciones de la sociedad de consumo. La obra en cuestión es una composición irónica titulada 10000 Cendrillons o 10000 Cinderella. Consta de seis pares de zapatos Prada cortados por la mitad, montados en lona y cubiertos de charol. La obra es conceptual y su interpretación está vinculada a la comprensión de la filosofía del artista y del período histórico en el que trabajó. Representa una visión personal y crítica, iluminada por el título burlón, del consumismo desenfrenado. Arman lleva a cabo la “profanación” de un objeto, el zapato de Prada, que se considera un simulacro en el mundo de la moda, un objeto de deseo. Con su trabajo demuestra cómo básicamente, un zapato de diseñador al que atribuimos el valor de un símbolo de estatus, no es más que un zapato y en definitiva un simple objeto que, como cualquier otro, se convertirá en un desperdicio. El trabajo proviene del estudio del artista en Nueva York y está autenticado por correo electrónico de la Fondation A.R.M.A.N. que muestra el número de archivo. La Fundación A.R.M.AN. Actualmente es la única institución con derecho a emitir certificaciones para las obras de Arman. También se adjunta una fotografía de la obra firmada por el artista indicando el número de archivo, título, medidas y técnica. En el reverso de la fotografía se encuentra el sello de la Galería de Arte Dante Vecchiato, que a principios de la década de 2000 fue el punto de referencia para la distribución de las obras de Arman en Italia. El producto, debido al desgaste de los materiales utilizados, presenta signos de deterioro (desmoronamiento de los tacones de los zapatos), que requieren restauración y restauración.

Arnaldo Soldini, una visión del país

Óleo sobre cartón. Firmado en la parte inferior derecha. La pintura, que representa a las casas de pueblo y las vistas desde la parte superior, con el telón de fondo de montañas cubiertas de nieve y las nubes, que pertenece a la producción paisaje típico y exclusivo de la importante autor de brescia, en la que retrató siempre en los lugares nativos a él queridos y familiares. Una etiqueta en la parte posterior de la adquisición de la Galería, la Campana de Brescia, en el año 1978, y desde entonces ha estado en una colección privada. Presentado en una preciosa contemporáneo marco.

Alegoría del amor

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa. Se trata de una divertida escena alegórica de amor profano, que pretende demostrar cómo todas las personas, de cualquier clase social y de todas las edades, pueden caer en la trampa del enamoramiento. El fondo del lienzo está ocupado por una enorme red de guarda, la red de canasta utilizada en algunos tipos de pesca, sobre cuya boca se sienta un putto violinista, decidido a tocar; la trampa está abarrotada de parejas, mientras que un desfile de otros pasa junto a ella para llegar a su entrada. Entre ellos hay parejas de ancianos y jóvenes, parejas de ricos y pobres, nobles, burgueses y proletarios: todos tienen expresiones alegres y ligeras, se miran enamorados o miran con bondad la felicidad de los demás. Dentro de la olla hay incluso un par de miembros de la realeza, que corresponden en características y vestimenta al elector palatino de Renania, Giovanni Guglielmo del Palatinado-Neuburg y a su segunda esposa Anna Maria Luisa de'Medici. En el reverso del cuadro hay una etiqueta con una atribución histórica a Jan Frans Douven (1656-1727): el artista holandés que a partir de 1682 se trasladó a Düsseldorf como pintor oficial en la corte del elector palatino de Renania, principalmente creando escenas de la vida diaria del príncipe y su segunda esposa. Por lo tanto, la etiqueta confirmaría el área de atribución a un artista del norte de Europa de los siglos XVII y XVIII. La pintura proviene de una colección histórica milanesa. Tiene rastros de restauraciones y parche. En un marco elegante.

Cuatro retratos del rey Condottieri

Temple aceitosa sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. Se cree que las cuatro grandes obras formaron parte del aparato decorativo de un gran palacio. La técnica empleada - un temple untuoso aplicado sobre lienzo con una preparación muy ligera y un rayado rápido sin referencias precisas de las figuras - subraya la rapidez de ejecución, orientada a obtener obras con fines puramente decorativos en poco tiempo. Los cuatro grandes retratos muestran las figuras de reyes, reconocibles por diferentes atributos reales (coronas, cetros, mantos reales), pero representados como líderes, por lo tanto con armaduras y / o armas. La peculiaridad es que los personajes pertenecen a diferentes épocas y orígenes geográficos, como para rendir homenaje a las grandes figuras reales de la historia. La identificación de los personajes no es segura, aunque es posible hipotetizar algunos nombres: el rey con la corona de pobre metal pero con cúspides muy puntiagudas, que sostiene una espada con empuñadura en forma de cabeza de pájaro y está cubierta con un manto de tela tosca y una coraza sencilla de la que brotan elementos de piel, podría ser Atila, el rey de los hunos; la figura oriental, con un turbante adornado con piedras preciosas, podría ser un sultán otomano, como Suleiman; el guerrero con la armadura característica de la antigua Grecia, con el casco coronado por un dragón y el peto ricamente decorado con frisos, podría ser Alejandro Magno; Finalmente, el joven rey en armadura completa y coronada con un "sombrero de armas" casco, debido a sus características fisonómicas, se pudo identificar en Pedro I el Grande, zar de Rusia (1672-1725), aquí en un joven retrato. Las cuatro pinturas, aún en el primer lienzo, muestran huellas de restauraciones y adiciones, con algunos pequeños parches en el reverso. Provienen de una colección histórica boloñesa. Se presentan en marcos estilizados.

Lamentación por el Cristo muerto

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. Insertadas en un paisaje del Renacimiento tardío, la composición de las figuras se ordena según una diagonal ascendente hacia la izquierda y culminando más precisamente con las tres cruces del Calvario a lo lejos; En el centro está el cuerpo de Cristo, extendido aunque también de forma oblicua, detrás del cual tres figuras, San Juan, María en el centro y una mujer piadosa, la única representada con ropa del siglo XVII, probablemente retratando a una persona cercana al cliente. La obra puede situarse en la producción cultural lombardo-veneciana de la primera mitad del siglo XVI, más precisamente en la actividad pictórica que floreció entre Brescia, Garda y Verona, que tuvo máxima expresión en las formas manieristas de Giovanni Demio (1500- 1570 ca). En particular, algunos elementos se encuentran en la obra, especialmente en las formas de vestimenta y poses (por ejemplo de San Giovanni), que hacen referencia a modelos de molde rafaelesco muy utilizados, gracias a la mediación de grabadores como Marcantonio Raimondi (1480 - 1534 bis), lo que contribuyó a la difusión de las obras de los maestros. La pintura, restaurada y revestida, tiene amplias renovaciones. Se presenta en un marco antiguo, que data de alrededor del siglo XVII, repintado.

Emilio Rizzi

Par de dibujos

Lápiz sobre papel. Firmado al pie, acompañado de la inscripción: "Estudio para la Misa en el Campo". Se trata, por tanto, de dos bocetos inéditos, preparatorios del famoso cuadro del artista cremonese, ahora conservado en el Museo del Risorgimento del castillo de Brescia. Pintado en 1938, el trabajo, el aceite en la lona, es la pintura más grande por Rizzi (longitud de 6,57 m - altura 2,55 m) y fue elaborado en un considerable número de dibujos de lápiz y carboncillo sobre papel a partir de la formación de polvo. Ambientada en el paisaje del Bajo Piave, escenario de trágicas batallas durante la Primera Guerra Mundial, la escena retoma el momento más solemne de la misa, que es la elevación durante la Consagración Eucarística: cada uno de los presentes se entrega a la meditación de diferentes formas. y las poses de los soldados acentúan el sentido trágico de la escena. Los dos bocetos son el estudio de dos poses diferentes de recogimiento en oración de dos soldados. Se presentan en un marco.

Retrato de Eleonora Lampugnani

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. La señora rica representada va acompañada de la inscripción identificativa en la parte superior derecha que dice "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478": se trata, por tanto, de Eleonora Lampugnani, esposa de Bartolomeo Del Corno. La familia Lampugnani es una antigua familia patricia de Milán (el nombre deriva del distrito de Lampugnano), con residencias en Legnano y Busto Arsizio, y a la que Filippo Maria Visconti (duque de Milán) asignó el feudo de Trecate en el siglo XV; el marido de la noble pertenecía en cambio a la noble familia piamontesa Corno (originalmente llamada Del Corno). La mujer noble está representada de pie, con un espléndido vestido ricamente bordado y adornado con encajes; apoya la mano en una preciosa caja con incrustaciones de marfil, probablemente una vitrina, símbolo de riqueza y poder, coronada por un jarrón con flores, más bien un símbolo de vanidad. La pintura tiene una restauración antigua en las manos, que son de menor calidad que la del rostro, la ropa, el frasco de vidrio. La pintura proviene de una antigua colección lombarda. La fecha 1478 reportada con la inscripción, no está muy en consonancia con la indumentaria del siglo XVI: según la historia de la familia de origen del cuadro, la fecha que apareció antes de la última restauración fue 1578, y por lo tanto sería un cambio realizado. por error del restaurador.

Luigi Cavenaghi

Virgen rezando

Óleo sobre cartón. En el reverso, la indicación manuscrita "Bozzetto di Luigi Cavenaghi". Es probablemente un boceto preparatorio para un fresco por el famoso restaurador y pintor Luigi Cavenaghi: la Virgen rezando se inserta dentro de un arco de medio punto, sobre un fondo de oro, flanqueado por la inscripción latina "Ave María, gratia ..", incompleta porque justo incompleto. Luigi Cavenaghi, originario de Caravaggio (Bg), se formó artísticamente en Milán, primero como restaurador y luego como pintor. Considerado uno de los más importantes restauradores de pintura italiana, en su larga y exitosa carrera estuvo involucrado en la recuperación de importantes pinturas murales, a menudo asociadas con "descubrimientos". La culminación, tanto desde el punto de vista técnico como conceptual, fue la restauración de la Última Cena de Leonardo da Vinci en S. Maria delle Grazie en Milán, realizada en 1908 sin compensación como homenaje a Leonardo. Su producción pictórica estuvo ligada en gran medida a la actividad de restaurador, configurándose no tanto como una creación original, sino como una reconstrucción en el estilo, una restauración imaginativa, un cruce entre restauración y rehacer. La pintura que aquí se propone podría formar parte de esta producción. Se presentan los marcos de finales del siglo XIX y principios del XX.

Xavier Bueno

Chico, 1966

Óleo sobre lienzo cartón. Firmado en la parte inferior izquierda. Firma adicional, fecha y título en el reverso. Después de su infancia transcurrió en España, su país natal, Ginebra y París, en 1940 Xavier Bueno trasladó a Italia, en Florencia, donde se unió al grupo de "Pintores Modernos de la Realidad" con su hermano Antonio, Pietro Annigoni y Gregorio Sciltian., cuyo manifiesto proponía una observación "objetiva" de la verdad, de la naturaleza y su reproducción fiel posible. La experiencia de la guerra civil española primero y luego la italiana orientó cada vez más al artista hacia un realismo ligado a razones de fuerte contenido social. 1953 supuso un importante punto de inflexión en la carrera de Xavier: fue el año de su adhesión explícita a la poética del realismo socialista, adhesión que llegó después de un itinerario personal que lo vio practicar la pintura "comprometida" desde la preguerra, con un claro avance en el arte de la izquierda italiana. Otra etapa fundamental en la carrera de Xavier fue el viaje a Brasil en 1954: el artista regresó de esta experiencia lleno de entusiasmo y con una serie de tintas cuyos principales protagonistas son niños, adolescentes, obreros. A partir de ese momento, el tema de la infancia se volvió cada vez más recurrente, poco a poco los personajes fueron representados inmóviles, en una especie de niebla irreal, desprovista de incluso profundidad, de rigor de perspectiva, en la que emergen como evocados. El trabajo aquí presentado pertenece a esta producción. Entre 1959 y 1964 Xavier creó el ciclo de "Niños", imágenes sufrientes y melancólicas obras simbólicas de una humanidad humillada y oprimida, que el artista presentó en la exposición "España libre". Su técnica también sufrió una evolución, que le llevó a buscar un espesamiento del material, espesado por la adición de arena a la pintura; el uso del collage, ya experimentado por él en naturalezas muertas, se hizo patente también en el campo del retrato figurativo. El material de sus pinturas llegó a ser tal que llegó a definirlas como "fresco sobre lienzo". Obra presentada en marco.

Par de Esculturas de Mármol Leones

Pareja de leones agazapados en mármol de Carrara finamente tallado. Soporte en madera patinada con efecto mármol no coetáneo.

Giovanni Beltrami

Virgen con el niño

Aceite en la mesa. En el centro, en el borde del vestido rojo, está escrito en letra antigua "G.Beltrami fecit". Hermosa composición en estilo neorrenacentista, la obra se remonta al artista Giovanni Beltrami quien, a raíz de la corriente en boga en el siglo XIX que replanteó los estilos artísticos del siglo XV-XVI, incursionó en este mesa con un tema sagrado. Pintor, ilustrador y crítico de arte milanés, además de amante de la pintura sobre vidrio y el mosaico, Il Beltrami creció en el Milán de la Scapigliatura, buscando con su estilo una mediación entre las tendencias modernas y la tradición. En el campo pictórico se consagró sobre todo como paisajista, pero siempre fue considerado un artista de gran y variado talento, que incluyó en su repertorio numerosas obras de temática sagrada, especialmente como decorador de interiores e iglesias. La pintura se presenta en un bello marco coetáneo, una pequeña capilla, dorada y con una decoración superior.

S. Paolo Eremita y S. Antonio Abate

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. El cuadro representa en primer plano a la izquierda, a la sombra de frondosos árboles, a los dos santos sentados en las rocas, compartiendo un pan; San Pablo vestido tradicionalmente con pieles de animales, San Antonio el abad con el hábito de la orden y el libro de oraciones en la mano. Los dos santos se han representado a menudo juntos porque tienen muchos rasgos en común: ambos vivieron en el siglo III, ambos egipcios, muy jóvenes dejaron todas sus propiedades para dedicarse a una vida de completa soledad, viviendo en oración y pobreza. Sant'Antonio Abate fue uno de los ermitaños más famosos de la historia de la Iglesia. San Pablo Ermitaño también vivió toda su vida en el desierto en completa soledad, según el relato hagiográfico, alimentado únicamente del pan que le traía regularmente un cuervo. A medida que se acercaba su muerte recibió la visita de Sant'Antonio Abate, con quien compartió este pan. En esta representación, el contexto del paisaje no se refiere a las tierras desérticas de Egipto, sino que se ubican en un paisaje alpino nórdico. A la derecha un paisaje ermitaño, aunque verde y con un pequeño riachuelo en la parte inferior derecha. La pintura, ya restaurada y revestida, tiene un rizado muy evidente. Se presenta en un marco elegante.

Alberto Salietti

Retrato femenino

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Retrato de una mujer joven con un vestido de noche negro, animada por el gran mantón floral que lleva colgado sobre un hombro. Obra del artista romaña Alberto Salietti, que a pesar de haber desarrollado casi toda su carrera artística en los campos de Milán y Liguria, Alberto Salietti -pintor, grabador, mosaiquista y pintor de frescos- sigue siendo un punto de referencia para los pintores romanos, especialmente entre dos guerras. Al mudarse con su familia a Milán, Salietti asistió a la Academia Brera hasta 1914. Tras la Bienal de Venecia de 1924 pasó a formar parte del movimiento Novecento del que se convirtió en secretario en 1925. En 1926 expuso en la "Primera exposición del siglo XX italiano" y en 1927 fue uno de los fundadores del "Grupo de los siete modernos pintores", junto con Funi, Sironi, Tosi, Carrà, Marussig y Bernasconi. Como retratista y paisajista, Salietti, que se inspiró pacientemente en influencias postimpresionistas, secesionistas y del siglo XX, hizo una contribución original al arte italiano entre las dos guerras, distinguiéndose por su adhesión alegre y optimista a la realidad. La pintura se presenta en un marco.

La figura está tallada con el marco del portal

La figura del posadero, está tallada en la ronda y pintado en policromada, que se inserta en un portal tallado sarmientos con hojas de vid, de oro gouache de un período posterior. La escultura representa a un host en el acto de la realización de una cesta de fruta. La escultura se encuentra bien definido, con una vuelta de tuerca y la expresividad en la cara. Muestra una influencia nórdica; está completamente pintado en policromada, está vestida de púrpura y bordes de la correa, el oro y la cesta verde con ramas de uvas negras. El portal, que probablemente añadida al final del siglo XVII., está hecho con vides que la guita, la creación de un momento de aguda, a partir de los dos grandes jefes de la barroca y termina en la cara de alas de querubín. Esta parte, probablemente nacido a un tema religioso, es completamente de oro.

Busto de mujer en mármol de Carrara

El busto representa a una mujer noble, ricamente vestida. Ciertamente un retrato, como se desprende de la gran tipificación fisonómica del rostro; el retratado tiene una mirada y una actitud austeras, elemento que distinguió los retratos escultóricos de la época. El cabello se recoge en la nuca en un elaborado peinado trenzado. El cuello está decorado con una gargantilla con un medallón central y varios hilos de perlas. Lleva un vestido que deja los hombros al descubierto, rematado con un fino borde de encaje y un lazo en medio del pecho. Gran destreza del escultor en el uso del cincel para rematar los detalles y en el renderizado material de los tejidos.

La huida de Eneas de Troya

Óleo sobre lienzo. Toda la escena se reproduce en el claroscuro de negro y rojo, con las llamas de fuego que todavía está latente entre las torres y las torres de la ciudad: en el primer plano las figuras de Eneas con su padre Anchises en su hombro, y su pequeño hijo Ascanius a su lado mientras que huir de la ciudad; a la derecha, en el segundo piso, el caballo de Troya. A pesar de la cercanía a la misma materia de Alessio De Marqués (1684-1752), la pintura también se refiere como el estilo de la pintura flamenca. Restaurado y ritelato. Se presenta en el antiguo marco.

Alessandro Papetti

Pier 12, 2014

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior derecha. Firma, fecha y título adicionales en el reverso. Nacido y formado en Milán, donde todavía trabaja, Alessandro Papetti comenzó en la década de 1980 y aún continúa exponiendo en exposiciones y galerías primero en Italia y luego en el extranjero, tanto en Europa como en los Estados Unidos. Desde 1995 su actividad se desarrolla entre Milán y París. La producción artística de papetti se llevó a cabo de acuerdo con los temas: comenzó con la serie de retratos en los años 80 y 90, y más tarde se dedicó, en el siglo 21, a los hallazgos (interiores de fábrica) y la arqueología industrial, con el ciclo de 'Agua , para luego llegar a los Paisajes, los Interiores y la serie de Astilleros, a la que pertenece la obra propuesta. Puertos industriales, diques secos y cascos gigantes, los cuerpos de los barcos expresados en su tamaño y fragilidad, se presentan a través de pinceladas frenéticas y pastosas, a veces materiales, con la intención de "salir" de la realidad, de situarse en relación con el “Contenedor” con una actitud psicológica diferente, para buscar una dimensión esquiva de la existencia. La obra se presenta en un marco.

Gran Paisaje con escena de Caza

Caza de los ciervos

Óleo sobre lienzo. La escena, que transcurre en un bosque país, en las ruinas arquitectónicas, se centra en el animado y rico grupo de figuras de los cazadores, vestido en forma de gente de a caballo, armados con espadas y lanzas, y con la ayuda de los perros, de dar el golpe final para el ciervo es ahora heridos y moribundos. El gran formato de relieve el cliente importante, subrayó, también, por la vinculación de pintura similar. El estilo se refiere a la pintura de el norte-oeste de italia; pinturas de este tamaño y de tales sujetos, a menudo en pares, se encuentra de forma difusa en el pequeño castillos en lombardía y piamonte, por ejemplo, en el inventario de 1739 del castillo de Orio Canavese (al norte de Turín) se describen, en el hall central, "dos pinturas de gran formato bislonghi composiciones que representan dos caza un Venado, y el otro de el Jabalí sin marcos", que luego puede ser encontrado, después de su venta posterior en otros inventarios. Restaurado y ritelato. Presentado en un elegante ambiente.

Gran Paisaje con escena de Caza

La caza de jabalí

Óleo sobre lienzo. La escena, que está ubicado a los pies de una montaña, a la orilla de un río donde se tiene la intención de trabajar como un pescador con su línea y se centra en la animada y rica grupo de figuras de los cazadores, vestido en forma de gente de a caballo, armados con espadas y lanzas, y con la ayuda de los perros, de dar el golpe final para el jabalí, el ahora herido y moribundo. El gran formato de relieve el cliente importante, subrayó, también, por la vinculación de pintura similar. El estilo se refiere a la pintura de el norte-oeste de italia; pinturas de este tamaño y de tales sujetos, a menudo en pares, se encuentra de forma difusa en el pequeño castillos en lombardía y piamonte, por ejemplo, en el inventario de 1739 del castillo de Orio Canavese (al norte de Turín) se describen, en el hall central, "dos pinturas de gran formato bislonghi composiciones que representan dos caza un Venado, y el otro de el Jabalí sin marcos", que luego puede ser encontrado, después de su venta posterior en otros inventarios. Restaurado y ritelato. Presentado en un elegante ambiente.