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31 cm 226 cm

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Sección Arte Seleccionado : lo mejor de nuestro catálogo de pinturas, esculturas y obras de arte.

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El trabajo de Arman
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ARTCON0000756

El trabajo de Arman

10000 Cendrillons

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El trabajo de Arman

10000 Cendrillons

Técnica mixta sobre lienzo. Armand Fernandez, alias Arman, nació en Niza en 1928. Es recordado como uno de los exponentes más significativos e influyentes del movimiento artístico “Nouveau Réalisme”, la decadencia europea del New Dada americano. El Nouveau Réalisme se desarrolló en la década de 1960 en Francia en torno a la figura del crítico Pierre Restany. Representa una forma de hacer arte anticonvencional, que retoma muchos aspectos de las vanguardias de principios de siglo, como la relegación de la pintura y la escultura a técnicas de segundo orden. Por otro lado, se da valor artístico a los objetos de uso común, pertenecientes a la esfera cotidiana, que se presentan en las obras exactamente en su objetividad, sin la acción descontextualizadora que caracterizaba al ready-mades de Duchamp. La posguerra, caracterizada por cambios radicales desde el punto de vista social y económico, está representada por los exponentes del Nouveau Réalisme de manera provocativa y crítica a través de sus productos: objetos sobreabundantes, residuos, residuos inconvenientes, etc. Cada artista expresa esta filosofía de forma personal y original; Arman es conocido por sus acumulaciones rayanas en lo obsesivo. Su trabajo parte de las calles, donde recoge lo que se tira, se olvida. Los objetos en desuso, lo que se considera basura, se convierten en protagonistas de sus "esculturas", induciendo al público a reflexionar sobre las implicaciones de la sociedad de consumo. La obra en cuestión es una composición irónica titulada 10000 Cendrillons o 10000 Cinderella. Consta de seis pares de zapatos Prada cortados por la mitad, montados en lona y cubiertos de charol. La obra es conceptual y su interpretación está vinculada a la comprensión de la filosofía del artista y del período histórico en el que trabajó. Representa una visión personal y crítica, iluminada por el título burlón, del consumismo desenfrenado. Arman lleva a cabo la “profanación” de un objeto, el zapato de Prada, que se considera un simulacro en el mundo de la moda, un objeto de deseo. Con su trabajo demuestra cómo básicamente, un zapato de diseñador al que atribuimos el valor de un símbolo de estatus, no es más que un zapato y en definitiva un simple objeto que, como cualquier otro, se convertirá en un desperdicio. El trabajo proviene del estudio del artista en Nueva York y está autenticado por correo electrónico de la Fondation A.R.M.A.N. que muestra el número de archivo. La Fundación A.R.M.AN. Actualmente es la única institución con derecho a emitir certificaciones para las obras de Arman. También se adjunta una fotografía de la obra firmada por el artista indicando el número de archivo, título, medidas y técnica. En el reverso de la fotografía se encuentra el sello de la Galería de Arte Dante Vecchiato, que a principios de la década de 2000 fue el punto de referencia para la distribución de las obras de Arman en Italia. El producto, debido al desgaste de los materiales utilizados, presenta signos de deterioro (desmoronamiento de los tacones de los zapatos), que requieren restauración y restauración.

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Alegoría del amor
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ARARPI0097148

Alegoría del amor

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Alegoría del amor

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa. Se trata de una divertida escena alegórica de amor profano, que pretende demostrar cómo todas las personas, de cualquier clase social y de todas las edades, pueden caer en la trampa del enamoramiento. El fondo del lienzo está ocupado por una enorme red de guarda, la red de canasta utilizada en algunos tipos de pesca, sobre cuya boca se sienta un putto violinista, decidido a tocar; la trampa está abarrotada de parejas, mientras que un desfile de otros pasa junto a ella para llegar a su entrada. Entre ellos hay parejas de ancianos y jóvenes, parejas de ricos y pobres, nobles, burgueses y proletarios: todos tienen expresiones alegres y ligeras, se miran enamorados o miran con bondad la felicidad de los demás. Dentro de la olla hay incluso un par de miembros de la realeza, que corresponden en características y vestimenta al elector palatino de Renania, Giovanni Guglielmo del Palatinado-Neuburg y a su segunda esposa Anna Maria Luisa de'Medici. En el reverso del cuadro hay una etiqueta con una atribución histórica a Jan Frans Douven (1656-1727): el artista holandés que a partir de 1682 se trasladó a Düsseldorf como pintor oficial en la corte del elector palatino de Renania, principalmente creando escenas de la vida diaria del príncipe y su segunda esposa. Por lo tanto, la etiqueta confirmaría el área de atribución a un artista del norte de Europa de los siglos XVII y XVIII. La pintura proviene de una colección histórica milanesa. Tiene rastros de restauraciones y parche. En un marco elegante.

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Cuatro retratos del rey Condottieri
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ARARPI0100957

Cuatro retratos del rey Condottieri

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Cuatro retratos del rey Condottieri

Temple aceitosa sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. Se cree que las cuatro grandes obras formaron parte del aparato decorativo de un gran palacio. La técnica empleada - un temple untuoso aplicado sobre lienzo con una preparación muy ligera y un rayado rápido sin referencias precisas de las figuras - subraya la rapidez de ejecución, orientada a obtener obras con fines puramente decorativos en poco tiempo. Los cuatro grandes retratos muestran las figuras de reyes, reconocibles por diferentes atributos reales (coronas, cetros, mantos reales), pero representados como líderes, por lo tanto con armaduras y / o armas. La peculiaridad es que los personajes pertenecen a diferentes épocas y orígenes geográficos, como para rendir homenaje a las grandes figuras reales de la historia. La identificación de los personajes no es segura, aunque es posible hipotetizar algunos nombres: el rey con la corona de pobre metal pero con cúspides muy puntiagudas, que sostiene una espada con empuñadura en forma de cabeza de pájaro y está cubierta con un manto de tela tosca y una coraza sencilla de la que brotan elementos de piel, podría ser Atila, el rey de los hunos; la figura oriental, con un turbante adornado con piedras preciosas, podría ser un sultán otomano, como Suleiman; el guerrero con la armadura característica de la antigua Grecia, con el casco coronado por un dragón y el peto ricamente decorado con frisos, podría ser Alejandro Magno; Finalmente, el joven rey en armadura completa y coronada con un "sombrero de armas" casco, debido a sus características fisonómicas, se pudo identificar en Pedro I el Grande, zar de Rusia (1672-1725), aquí en un joven retrato. Las cuatro pinturas, aún en el primer lienzo, muestran huellas de restauraciones y adiciones, con algunos pequeños parches en el reverso. Provienen de una colección histórica boloñesa. Se presentan en marcos estilizados.

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Retrato de Eleonora Lampugnani
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ARARPI0097145

Retrato de Eleonora Lampugnani

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Retrato de Eleonora Lampugnani

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. La señora rica representada va acompañada de la inscripción identificativa en la parte superior derecha que dice "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478": se trata, por tanto, de Eleonora Lampugnani, esposa de Bartolomeo Del Corno. La familia Lampugnani es una antigua familia patricia de Milán (el nombre deriva del distrito de Lampugnano), con residencias en Legnano y Busto Arsizio, y a la que Filippo Maria Visconti (duque de Milán) asignó el feudo de Trecate en el siglo XV; el marido de la noble pertenecía en cambio a la noble familia piamontesa Corno (originalmente llamada Del Corno). La mujer noble está representada de pie, con un espléndido vestido ricamente bordado y adornado con encajes; apoya la mano en una preciosa caja con incrustaciones de marfil, probablemente una vitrina, símbolo de riqueza y poder, coronada por un jarrón con flores, más bien un símbolo de vanidad. La pintura tiene una restauración antigua en las manos, que son de menor calidad que la del rostro, la ropa, el frasco de vidrio. La pintura proviene de una antigua colección lombarda. La fecha 1478 reportada con la inscripción, no está muy en consonancia con la indumentaria del siglo XVI: según la historia de la familia de origen del cuadro, la fecha que apareció antes de la última restauración fue 1578, y por lo tanto sería un cambio realizado. por error del restaurador.

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Luigi Cavenaghi
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Luigi Cavenaghi

Virgen rezando

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Luigi Cavenaghi

Virgen rezando

Óleo sobre cartón. En el reverso, la indicación manuscrita "Bozzetto di Luigi Cavenaghi". Es probablemente un boceto preparatorio para un fresco por el famoso restaurador y pintor Luigi Cavenaghi: la Virgen rezando se inserta dentro de un arco de medio punto, sobre un fondo de oro, flanqueado por la inscripción latina "Ave María, gratia ..", incompleta porque justo incompleto. Luigi Cavenaghi, originario de Caravaggio (Bg), se formó artísticamente en Milán, primero como restaurador y luego como pintor. Considerado uno de los más importantes restauradores de pintura italiana, en su larga y exitosa carrera estuvo involucrado en la recuperación de importantes pinturas murales, a menudo asociadas con "descubrimientos". La culminación, tanto desde el punto de vista técnico como conceptual, fue la restauración de la Última Cena de Leonardo da Vinci en S. Maria delle Grazie en Milán, realizada en 1908 sin compensación como homenaje a Leonardo. Su producción pictórica estuvo ligada en gran medida a la actividad de restaurador, configurándose no tanto como una creación original, sino como una reconstrucción en el estilo, una restauración imaginativa, un cruce entre restauración y rehacer. La pintura que aquí se propone podría formar parte de esta producción. Se presentan los marcos de finales del siglo XIX y principios del XX.

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Xavier Bueno
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ARARCO0093033

Xavier Bueno

Chico, 1966

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Xavier Bueno

Chico, 1966

Óleo sobre lienzo cartón. Firmado en la parte inferior izquierda. Firma adicional, fecha y título en el reverso. Después de su infancia transcurrió en España, su país natal, Ginebra y París, en 1940 Xavier Bueno trasladó a Italia, en Florencia, donde se unió al grupo de "Pintores Modernos de la Realidad" con su hermano Antonio, Pietro Annigoni y Gregorio Sciltian., cuyo manifiesto proponía una observación "objetiva" de la verdad, de la naturaleza y su reproducción fiel posible. La experiencia de la guerra civil española primero y luego la italiana orientó cada vez más al artista hacia un realismo ligado a razones de fuerte contenido social. 1953 supuso un importante punto de inflexión en la carrera de Xavier: fue el año de su adhesión explícita a la poética del realismo socialista, adhesión que llegó después de un itinerario personal que lo vio practicar la pintura "comprometida" desde la preguerra, con un claro avance en el arte de la izquierda italiana. Otra etapa fundamental en la carrera de Xavier fue el viaje a Brasil en 1954: el artista regresó de esta experiencia lleno de entusiasmo y con una serie de tintas cuyos principales protagonistas son niños, adolescentes, obreros. A partir de ese momento, el tema de la infancia se volvió cada vez más recurrente, poco a poco los personajes fueron representados inmóviles, en una especie de niebla irreal, desprovista de incluso profundidad, de rigor de perspectiva, en la que emergen como evocados. El trabajo aquí presentado pertenece a esta producción. Entre 1959 y 1964 Xavier creó el ciclo de "Niños", imágenes sufrientes y melancólicas obras simbólicas de una humanidad humillada y oprimida, que el artista presentó en la exposición "España libre". Su técnica también sufrió una evolución, que le llevó a buscar un espesamiento del material, espesado por la adición de arena a la pintura; el uso del collage, ya experimentado por él en naturalezas muertas, se hizo patente también en el campo del retrato figurativo. El material de sus pinturas llegó a ser tal que llegó a definirlas como "fresco sobre lienzo". Obra presentada en marco.

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