Erté, Romain de Tirtoff

Grupo de cuatro dibujos

Gouache sobre papel. Firmado en la parte delantera. Cada dibujo va a la parte de atrás es el sello de Erté, el nombre de la serie a la que pertenecen, con el título y la fecha de realización, el que se lleva a cabo entre los años 1953 y 1954. Tres de ellos pertenecen a la serie "Les nouvelles", y, en particular, a "La nouvelle Calédonie": "Danseurs",Nº 12421; "Deuxième maniquí",Nº 12418; "Maniquí" Nº 12603. La cuarta de las características de diseño el Nº 12374 y sólo el título de "Le corbeau volant imiter l'aigle" (El cuervo que vuela, imitando el águila). Es sofisticado y eficaz de los modelos de dibujos realizados por el artista nacido en rusia francés Romain de Tirtoff (seudónimo de Erté deriva de las iniciales de su nombre). Él fue un dibujante y diseñador, ha trabajado para que el sastre de parís Poiret, colaboró en la revista Harper Bazaar, fue el autor de los telones,decorados y el vestuario para comedias musicales en Francia y en los Estados unidos, y para la película. Es considerado uno de los mayores representantes del Arte Deco. Las cuatro obras se presentan en un marco con vidrio en el frente y la espalda.

Alegoría de Pietro Bardellino

Alegórica escena con putti y flores,c.1780

Óleo sobre lienzo. En la escena, en forma de óvalo, y claramente concebido como sovraporta, algunos niños gordita jugando con los niños. La obra es atribuida a Pietro Bardellino, el pintor napolitano, en la producción de la que se encuentran numerosas escenas alegóricas, de forma similar, teniendo más de la moda francesa - en particular en el '700 es una reminiscencia de las invenciones de François Boucher - utilizar el tema de la infancia a encarnar alegorías del renacimiento y el barroco. El Bardellino fue particularmente activo en la decoración interior de las residencias de los nobles napolitanos, y, de hecho, hay varias obras atribuidas a él que tenía una función, a menudo de sovraporta. El significado alegórico de ellos, sin embargo, es, sin duda, y tal vez intencionalmente susceptibles de diferentes interpretaciones dependiendo del cliente y de la utilización de la villa. En la escena algunos de los querubines, sombreros, viseras para el sol, jugando con las flores que los desbordamientos de los grandes ollas sobre sus hombros. Las flores se utilizan principalmente como una alegoría del sentido del olfato. Para apreciar la simpatía de la representación, de la luz y brillante, donde destacan los de Bardellino, la investigación de los colores es tan leve como para lograr efectos de color pastel, la drástica reducción de los contrastes de claroscuro, la exactitud en la decoloración de los contornos de las figuras. La pintura, restaurado y ritelato, se presenta en el marco de la napolitana contemporáneo (el último cuarto del siglo XVIII) , decorado con rocaille. En madera tallada y tiene un motivo floral en la corona, que culmina en una cornisa con shell. El marco está lacada, con piezas talladas de oro de la meca.

Alegoría de Pietro Bardellino

Alegórica escena con putti y cabras,1780 ca.

Óleo sobre lienzo. En la escena, en forma de óvalo, y claramente concebido como sovraporta, algunos niños gordita jugando con los niños. La obra es atribuida a Pietro Bardellino, el pintor napolitano, en la producción de la que se encuentran numerosas escenas alegóricas, de forma similar, teniendo más de la moda francesa - en particular en el '700 es una reminiscencia de las invenciones de François Boucher - utilizar el tema de la infancia a encarnar alegorías del renacimiento y el barroco. El Bardellino fue particularmente activo en la decoración interior de las residencias de los nobles napolitanos, y, de hecho, hay varias obras atribuidas a él que tenía una función, a menudo de sovraporta. El significado alegórico de ellos, sin embargo, es, sin duda, y tal vez intencionalmente susceptibles de diferentes interpretaciones dependiendo del cliente y de la utilización de la villa. La misma escena se propone aquí se encuentra a menudo en la producción de Bardellino, incluso en un formato diferente, a veces se describe en la serie de alegorías de los sentidos, y en este caso sería la que se muestra el Tacto, o como una alegoría de los elementos, y por lo tanto sería de la Tierra. En cualquier caso, agradecemos la amabilidad de la representación, de la luz y brillante, donde destacan los de Bardellino, la investigación de los colores es tan leve como para lograr efectos de color pastel, la drástica reducción de los contrastes de claroscuro, la exactitud en la decoloración de los contornos de las figuras. La pintura, restaurado y ritelato, se presenta en el marco de la napolitana contemporáneo (el último cuarto del siglo XVIII) , decorado con rocaille. En madera tallada y tiene un motivo floral en la corona, que culmina en una cornisa con shell. El marco está lacada, con piezas talladas de oro de la meca.

El trabajo de Arman

10000 Cendrillons

Técnica mixta sobre lienzo. Armand Fernández, en el arte, Arman nació en Niza en el año 1928. Él es recordado como uno de los líderes más importantes e influyentes del movimiento artístico "Nouveau Réalisme", la declinación de los europeo-americanos de Nueva Dada. El Nouveau Réalisme desarrollado en los años '60 en Francia en torno a la figura del crítico Pierre Restany. Es una forma de hacer arte, anti-convencional, que incorpora muchos de los aspectos de las vanguardias de principios de siglo, como por ejemplo el relegamento de la pintura y la escultura técnicas de segundo orden. Por contra se da valor artístico de los objetos ordinarios, de la esfera de la vida cotidiana, que se presentan en las obras exactamente en su objetividad, sin la acción decontestualizzante que caracteriza a los ready-mades de Duchamp. El período de la posguerra, que se caracteriza por cambios radicales desde el punto de vista de la social y la económica está representada por los exponentes de la Nouveau Réalisme provocadoramente, y la crítica a través de sus productos: los objetos en la sobre-abundancia, productos de desecho, residuos torpe, y así sucesivamente. Cada artista declina esta filosofía en una forma personal y original; Arman es conocida por sus acumulaciones hasta el límite de la obsesión. Su trabajo se lleva a los movimientos de las calles, donde se recoge lo que se tira, olvidado. Los objetos que no están en uso, lo que se considera basura se convierte en el protagonista de sus "esculturas", induciendo al público a una reflexión sobre las implicaciones de la sociedad de consumo. La obra en cuestión es una composición de la ironía, titulado 10000 Cendrillons, es decir, 10000 día cinderellas. Consta de seis pares de zapatos de diseño, Prada corte en la mitad, montado sobre tela y cubiertos con pintura. El trabajo es conceptual y su interpretación está ligada a la comprensión de la filosofía de la artista y el período histórico en el que trabajaba. Representa una visión personal y crítica, alumbrada por el título de la burla, del consumismo desenfrenado. Arman el trabajo de la "profanación" de un objeto, los zapatos de Prada, el cual es considerado como un simulacro, en el mundo de la moda, un objeto de deseo. Demuestra con su trabajo como en la parte inferior, un zapato firmado, a la que atribuimos el valor de un símbolo de estatus, no es nada más que un zapato, y por último un simple objeto que como cualquier otro se convertirá en un residuo. El trabajo viene de estudio de la artista en Nueva York y es autenticado por el correo electrónico de la Fundación A. R. M. A. N. devuelve el número del archivo. La Fundación A. R. M. AN. actualmente, es la única institución autorizada para emitir la certificación de las obras de Arman. Adjunto también una foto de la obra firmado por el artista, indicando el número del archivo, el título, el tamaño y la técnica. En la parte de atrás de la fotografía es el sello de la Galería de Dante Vecchiato, que en los primeros años de 2000, ha sido el punto de referencia para la distribución de obras por Arman en Italia.

Arnaldo Soldini, una visión del país

Óleo sobre cartón. Firmado en la parte inferior derecha. La pintura, que representa a las casas de pueblo y las vistas desde la parte superior, con el telón de fondo de montañas cubiertas de nieve y las nubes, que pertenece a la producción paisaje típico y exclusivo de la importante autor de brescia, en la que retrató siempre en los lugares nativos a él queridos y familiares. Una etiqueta en la parte posterior de la adquisición de la Galería, la Campana de Brescia, en el año 1978, y desde entonces ha estado en una colección privada. Presentado en una preciosa contemporáneo marco.

Sin título por Arman

Jeté

Técnica mixta sobre lienzo. Armand Fernández, en el arte, Arman nació en Niza en el año 1928. Él es recordado como uno de los líderes más importantes e influyentes del movimiento artístico "Nouveau Réalisme", la declinación de los europeo-americanos de Nueva Dada. El Nouveau Réalisme desarrollado en los años '60 en Francia en torno a la figura del crítico Pierre Restany. Es una forma de hacer arte, anti-convencional, que incorpora muchos de los aspectos de las vanguardias de principios de siglo, como por ejemplo el relegamento de la pintura y la escultura técnicas de segundo orden. Por contra se da valor artístico de los objetos ordinarios, de la esfera de la vida cotidiana, que se presentan en las obras exactamente en su objetividad, sin la acción decontestualizzante que caracteriza a los ready-mades de Duchamp. El período de la posguerra, que se caracteriza por cambios radicales desde el punto de vista de la social y la económica está representada por los exponentes de la Nouveau Réalisme provocadoramente, y la crítica a través de sus productos: los objetos en la sobre-abundancia, productos de desecho, residuos torpe, y así sucesivamente. Cada artista declina esta filosofía en una forma personal y original; Arman es conocida por sus acumulaciones hasta el límite de la obsesión. Su trabajo se lleva a los movimientos de las calles, donde se recoge lo que se tira, olvidado. Los objetos que no están en uso, lo que se considera basura se convierte en el protagonista de sus "esculturas", induciendo al público a una reflexión sobre las implicaciones de la sociedad de consumo. La obra en cuestión se compone de un violín corte está montado sobre un lienzo se ponen en la mesa con restos de la mezcla de colores. El título es Jeté, en italiano, "Arrojado", la referencia al mundo de los desechos es directa e inmediata. Parte de la serie "Colères," operaciones "dissemblage", es decir, la destrucción de los instrumentos musicales de la tradición burguesa: violines, violas, trompetas, y los pianos que son descuartizados, quemados, o disecados. En este ciclo de obras revela el impulso destructivo. El gesto es importante, central en la filosofía de la Nouveau Réalisme. Como dijo el mismo Arman "yo Creo que en la acción de la destrucción hay un deseo de detener el tiempo, la suspensión de los eventos de pegar, juntos en el poliéster..." El trabajo que viene desde el estudio del artista en Nueva York y es autenticado por el correo electrónico de la Fundación A. R. M. A. N. devuelve el número del archivo. La Fundación A. R. M. A. N. es actualmente la única institución autorizada para emitir la certificación de las obras de Arman. Adjunto también una foto de la obra firmado por el artista, indicando el número del archivo, el título, el tamaño y la técnica. En la parte de atrás de la fotografía es el sello de la Galería de Dante Vecchiato, que en los primeros años de 2000, ha sido el punto de referencia para la distribución de obras por Arman en Italia.

Adrien Manglard, un Paisaje con una escena de la caballería

Paisaje con una escena de la caballería

Óleo sobre lienzo. En la pintura, está en el primer plano de una escena de la caballería, probablemente inspirado por la "Jerusalén de entrega" de Tasso, que se ve a dos guerreros vestidos con armadura y un emplumada cascos, escudos imbracciati y espadas dibujadas, tanto flanqueado por dos señoras, a punto de enfrentarse en un duelo por la posesión de un buzón de correo en el suelo entre los dos contendientes; ayudar a la disputa de un tercer caballero roja con una caída de un caballo con una bahía y una cuarta en el camino de vuelta, apoyado contra una doble palo, también en plena sello-de-guerra. La escena transcurre en un desfiladero en las montañas con una torre de la derecha, en la cara de "la marina con el mar en la tormenta" y un "a la vista de la costa" en el fondo. La pintura se ajuste con alivio significativo en el catálogo de Adrien Manglard, por la singularidad de la escena, figurativo, combinado con las evidentes cualidades del paisaje, expresó el último por el sabor de la original creatividad y el cumplimiento de la perspectiva, el rendimiento es de las rocas de las olas y las islas lejanas. La atribución a Manglard puede ser confirmado por las comparaciones con varias de sus obras, como la configuración, ya que fue un exitoso pintor de "marina", tanto en la tormenta, y en la serena atmósfera de tranquilidad. Para este propósito, puede consultar la monografía de S. Maddalo (Adrien Manglard 1695-1760, Multigrafica editrice, Roma, 1982), con particular referencia a las figuras 34-39 y 41, con un enfoque de "marina" de similar valor, incluyendo el Ciclo del Palazzo Ducale, Colorno, las pinturas en el Museo de Guéret, y en el Palazzo Boncompagni Ludovisi, y el fresco del Palacio Chigi. En estas pinturas se encuentran similares y a veces casi los parámetros correspondientes inventiva, con un partido de la túnica de la pintura de la lona del objeto. Se debe subrayar, en particular, la hermosa interpretación de las tormentas del cielo y el mar tempestuoso, que acredite el cuidado de la observación de estos fenómenos por Manglard. Sin embargo, su validez como un pintor de la figura es corroborada por un examen general del plan de estudios, incluyendo, en particular, la "Llamada de los primeros apóstoles", que data de 1731. En la pintura hay las iniciales AM en el casete, representado en el centro de la parte inferior. La obra está acompañada por la experiencia de la atribución de la prof. Giancarlo Sestieri. Restaurado y ritelata; se presentan en su totalidad estilo de marco.

Alessandro Papetti

Pier 12, 2014

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior derecha. Otra firma, la fecha y el título en la parte posterior. Nacido y formado en Milán,donde aún funciona, Alessandro Papetti se ha iniciado desde los años '80, y sigue exhibición en exposiciones y galerías en Italia y en el extranjero, en Europa y en los Estados unidos. Desde 1995, su actividad está teniendo lugar entre Milán y París. La producción artística del Canto tuvo lugar por temas: fiesta con la serie de Retratos en los '80 y los '90, posteriormente se dedicó, en el siglo xxi, y los Hallazgos interno (de fábrica) y la Arqueología industrial, para el ciclo del Agua y, a continuación, a los Paisajes, a los Interiores y a la serie de los Astilleros, a la que pertenece el trabajo propuesto. Industriales, puertos, diques secos y gigantesco cascos, los cuerpos de los buques, expresó en su tamaño y en su fragilidad, se presentan a través de los trazos de pincel frenético y suave, a veces material, y con la intención de "salir" de la realidad, de estar en relación con el "contenedor" con un diferente perfil psicológico, para la búsqueda de una dimensión de la existencia difícil de alcanzar. El trabajo fue presentado en el marco.

Gran Paisaje con escena de Caza

La caza de jabalí

Óleo sobre lienzo. La escena, que está ubicado a los pies de una montaña, a la orilla de un río donde se tiene la intención de trabajar como un pescador con su línea y se centra en la animada y rica grupo de figuras de los cazadores, vestido en forma de gente de a caballo, armados con espadas y lanzas, y con la ayuda de los perros, de dar el golpe final para el jabalí, el ahora herido y moribundo. El gran formato de relieve el cliente importante, subrayó, también, por la vinculación de pintura similar. El estilo se refiere a la pintura de el norte-oeste de italia; pinturas de este tamaño y de tales sujetos, a menudo en pares, se encuentra de forma difusa en el pequeño castillos en lombardía y piamonte, por ejemplo, en el inventario de 1739 del castillo de Orio Canavese (al norte de Turín) se describen, en el hall central, "dos pinturas de gran formato bislonghi composiciones que representan dos caza un Venado, y el otro de el Jabalí sin marcos", que luego puede ser encontrado, después de su venta posterior en otros inventarios. Restaurado y ritelato. Presentado en un elegante ambiente.

Gran Paisaje con escena de Caza

Caza de los ciervos

Óleo sobre lienzo. La escena, que transcurre en un bosque país, en las ruinas arquitectónicas, se centra en el animado y rico grupo de figuras de los cazadores, vestido en forma de gente de a caballo, armados con espadas y lanzas, y con la ayuda de los perros, de dar el golpe final para el ciervo es ahora heridos y moribundos. El gran formato de relieve el cliente importante, subrayó, también, por la vinculación de pintura similar. El estilo se refiere a la pintura de el norte-oeste de italia; pinturas de este tamaño y de tales sujetos, a menudo en pares, se encuentra de forma difusa en el pequeño castillos en lombardía y piamonte, por ejemplo, en el inventario de 1739 del castillo de Orio Canavese (al norte de Turín) se describen, en el hall central, "dos pinturas de gran formato bislonghi composiciones que representan dos caza un Venado, y el otro de el Jabalí sin marcos", que luego puede ser encontrado, después de su venta posterior en otros inventarios. Restaurado y ritelato. Presentado en un elegante ambiente.

Escena mitológica de Giovanni Battista Recchi

Dánae y la lluvia de oro

Óleo sobre lienzo. En esta maravillosa representación de el cliente, ciertamente, privada y laica, el pintor se enfrenta con el tema de Danae, el tema de la mitología griega, los seres y practicada por los pintores de la talla de Tiziano, Correggio, Orazio y Artemisia Gentileschi, Rembrandt, y otros, hasta los cuadros de Klimt. El mito dice que Zeus hizo la mortal Dánae a través de una lluvia de oro; de esta unión nació de la semidiós Perseo. En nuestra pintura de la lluvia de oro se convierte en monedas de oro, cada detectable con una moneda de la época. En una de las monedas que caen desde el cielo se ha fijado en la firma de la artista, una cosa rara para una pintura antigua, lo que hace posible asignar con certeza la pintura, y que da testimonio de la importancia que la obra tuvo en su momento por el autor y que actualmente tiene para los estudios de la Lombard pintura del siglo Xvii. En el fondo usted echar un vistazo a una ciudad que ofrece vistas a un lago, con toda probabilidad, una representación de la época, de la ciudad de Como, el lugar de nacimiento de Recchi. Es posible que el cliente privado de la pintura tenía que ver con el cambio de moneda fecha de la precisión con la que se describe el morir eje o en la moneda de la rotación de las monedas que caen del cielo. El estilo de la pintura aún pertenece a la tarde en el manierismo de lombardía, practicada también por los pintores de la talla de Simone Peterzano (el maestro de Caravaggio), pero ya está atento a la descripción de la realidad, la natural dado, como queda claro en la representación de las hojas marchitas sobre la cabeza de Danae, una lección de Caravaggio podrán encontrar una completa maduración. La pintura, ritelato y con huellas de restauración acorde con el estilo y la época, está en muy buenas condiciones. Presentado en un marco dorado en el estilo.

Falso Eje con un bodegón con Frutas y Juego

Trompe l'oeil,1757

Óleo sobre lienzo. La firma no descifrada en el centro a lo largo de la olla de barro con tapa, con la fecha. Composición fascinante, rico en citas y referencias bibliográficas, que identifican el propietario definitivamente como un erudito o académico. En la esquina superior izquierda, una falsa pintadas con la frase "Pero llegó la noche y el mundo ascose", en la Jerusalén entrega de Torquato Tasso (canto 11°, estrofa LXXXII). Abajo está la imagen de dos jugadores identificados como "Tradasso palatino" (Tradasso es el antiguo nombre de la bajo, sino que también alude el título, haga el fanfarrón) y Guido da Sury", un par de mercenarios. El de abajo gato se une otra frase, "Agrega ahora la astucia para el robo", una alusión a los objetivos claros de la felina hacia la liebre colgado a su lado, también acompañada de una sentencia., "Nec dedit fuga salutem" alludente a la innecesaria de escape de los animales, desde los cazadores. En la parte superior de dos jugadores-mercenarios, una carta dirigida a "Pisstoia - sig. Gismondi (?)" o Giannoli(?). La composición se completa en la parte inferior por un rico repertorio de frutas, platos y un pollo asado. La pintura se presenta en un entorno magnífico emiliana coetáneas.

Estatua de piedra

Estatua en mármol de Verona, que representa la figura de la mujer se coloca en el pie con una mano apoyada en un tronco, y en la otra un manojo de espigas de trigo, símbolo de la fertilidad; se puede ver un tocado en ruinas que se asemeja a una corona. La iconografía se refiere a la diosa griega de la Fortuna Políticas. La base cuadrada reforzada con cemento, que es típico de las estatuas en el Veneto, adornaban los palacios y de las entradas.

La figura está tallada con el marco del portal

La figura del posadero, está tallada en la ronda y pintado en policromada, que se inserta en un portal tallado sarmientos con hojas de vid, de oro gouache de un período posterior. La escultura representa a un host en el acto de la realización de una cesta de fruta. La escultura se encuentra bien definido, con una vuelta de tuerca y la expresividad en la cara. Muestra una influencia nórdica; está completamente pintado en policromada, está vestida de púrpura y bordes de la correa, el oro y la cesta verde con ramas de uvas negras. El portal, que probablemente añadida al final del siglo XVII., está hecho con vides que la guita, la creación de un momento de aguda, a partir de los dos grandes jefes de la barroca y termina en la cara de alas de querubín. Esta parte, probablemente nacido a un tema religioso, es completamente de oro.

La educación de Cupido

Teresa Buttini Revelli

Pintado sobre pergamino. Copia de la famosa obra de Correggio, ahora se conserva en la National Gallery de Londres; ampliamente replicado en el pasado, es aquí finamente reproducido por el autor, firma y fecha de la obra en la parte de atrás. En el marco.

Cupido que la fábrica de arco

Pintado sobre pergamino, copia de la famosa obra de Parmigianino, hoy conservado en Viena. El tema, ampliamente replicado en el pasado, de Rubens a Joseph Heintz el anciano, es aquí finamente reproducido por el autor, firma y fecha de la obra a la espalda. Contemporáneo de marco.