El trabajo de Arman

10000 Cendrillons

Técnica mixta sobre lienzo. Armand Fernández, en el arte, Arman nació en Niza en el año 1928. Él es recordado como uno de los líderes más importantes e influyentes del movimiento artístico "Nouveau Réalisme", la declinación de los europeo-americanos de Nueva Dada. El Nouveau Réalisme desarrollado en los años '60 en Francia en torno a la figura del crítico Pierre Restany. Es una forma de hacer arte, anti-convencional, que incorpora muchos de los aspectos de las vanguardias de principios de siglo, como por ejemplo el relegamento de la pintura y la escultura técnicas de segundo orden. Por contra se da valor artístico de los objetos ordinarios, de la esfera de la vida cotidiana, que se presentan en las obras exactamente en su objetividad, sin la acción decontestualizzante que caracteriza a los ready-mades de Duchamp. El período de la posguerra, que se caracteriza por cambios radicales desde el punto de vista de la social y la económica está representada por los exponentes de la Nouveau Réalisme provocadoramente, y la crítica a través de sus productos: los objetos en la sobre-abundancia, productos de desecho, residuos torpe, y así sucesivamente. Cada artista declina esta filosofía en una forma personal y original; Arman es conocida por sus acumulaciones hasta el límite de la obsesión. Su trabajo se lleva a los movimientos de las calles, donde se recoge lo que se tira, olvidado. Los objetos que no están en uso, lo que se considera basura se convierte en el protagonista de sus "esculturas", induciendo al público a una reflexión sobre las implicaciones de la sociedad de consumo. La obra en cuestión es una composición de la ironía, titulado 10000 Cendrillons, es decir, 10000 día cinderellas. Consta de seis pares de zapatos de diseño, Prada corte en la mitad, montado sobre tela y cubiertos con pintura. El trabajo es conceptual y su interpretación está ligada a la comprensión de la filosofía de la artista y el período histórico en el que trabajaba. Representa una visión personal y crítica, alumbrada por el título de la burla, del consumismo desenfrenado. Arman el trabajo de la "profanación" de un objeto, los zapatos de Prada, el cual es considerado como un simulacro, en el mundo de la moda, un objeto de deseo. Demuestra con su trabajo como en la parte inferior, un zapato firmado, a la que atribuimos el valor de un símbolo de estatus, no es nada más que un zapato, y por último un simple objeto que como cualquier otro se convertirá en un residuo. El trabajo viene de estudio de la artista en Nueva York y es autenticado por el correo electrónico de la Fundación A. R. M. A. N. devuelve el número del archivo. La Fundación A. R. M. AN. actualmente, es la única institución autorizada para emitir la certificación de las obras de Arman. Adjunto también una foto de la obra firmado por el artista, indicando el número del archivo, el título, el tamaño y la técnica. En la parte de atrás de la fotografía es el sello de la Galería de Dante Vecchiato, que en los primeros años de 2000, ha sido el punto de referencia para la distribución de obras por Arman en Italia.

Arnaldo Soldini, una visión del país

Óleo sobre cartón. Firmado en la parte inferior derecha. La pintura, que representa a las casas de pueblo y las vistas desde la parte superior, con el telón de fondo de montañas cubiertas de nieve y las nubes, que pertenece a la producción paisaje típico y exclusivo de la importante autor de brescia, en la que retrató siempre en los lugares nativos a él queridos y familiares. Una etiqueta en la parte posterior de la adquisición de la Galería, la Campana de Brescia, en el año 1978, y desde entonces ha estado en una colección privada. Presentado en una preciosa contemporáneo marco.

Sin título por Arman

Jeté

Técnica mixta sobre lienzo. Armand Fernández, en el arte, Arman nació en Niza en el año 1928. Él es recordado como uno de los líderes más importantes e influyentes del movimiento artístico "Nouveau Réalisme", la declinación de los europeo-americanos de Nueva Dada. El Nouveau Réalisme desarrollado en los años '60 en Francia en torno a la figura del crítico Pierre Restany. Es una forma de hacer arte, anti-convencional, que incorpora muchos de los aspectos de las vanguardias de principios de siglo, como por ejemplo el relegamento de la pintura y la escultura técnicas de segundo orden. Por contra se da valor artístico de los objetos ordinarios, de la esfera de la vida cotidiana, que se presentan en las obras exactamente en su objetividad, sin la acción decontestualizzante que caracteriza a los ready-mades de Duchamp. El período de la posguerra, que se caracteriza por cambios radicales desde el punto de vista de la social y la económica está representada por los exponentes de la Nouveau Réalisme provocadoramente, y la crítica a través de sus productos: los objetos en la sobre-abundancia, productos de desecho, residuos torpe, y así sucesivamente. Cada artista declina esta filosofía en una forma personal y original; Arman es conocida por sus acumulaciones hasta el límite de la obsesión. Su trabajo se lleva a los movimientos de las calles, donde se recoge lo que se tira, olvidado. Los objetos que no están en uso, lo que se considera basura se convierte en el protagonista de sus "esculturas", induciendo al público a una reflexión sobre las implicaciones de la sociedad de consumo. La obra en cuestión se compone de un violín corte está montado sobre un lienzo se ponen en la mesa con restos de la mezcla de colores. El título es Jeté, en italiano, "Arrojado", la referencia al mundo de los desechos es directa e inmediata. Parte de la serie "Colères," operaciones "dissemblage", es decir, la destrucción de los instrumentos musicales de la tradición burguesa: violines, violas, trompetas, y los pianos que son descuartizados, quemados, o disecados. En este ciclo de obras revela el impulso destructivo. El gesto es importante, central en la filosofía de la Nouveau Réalisme. Como dijo el mismo Arman "yo Creo que en la acción de la destrucción hay un deseo de detener el tiempo, la suspensión de los eventos de pegar, juntos en el poliéster..." El trabajo que viene desde el estudio del artista en Nueva York y es autenticado por el correo electrónico de la Fundación A. R. M. A. N. devuelve el número del archivo. La Fundación A. R. M. A. N. es actualmente la única institución autorizada para emitir la certificación de las obras de Arman. Adjunto también una foto de la obra firmado por el artista, indicando el número del archivo, el título, el tamaño y la técnica. En la parte de atrás de la fotografía es el sello de la Galería de Dante Vecchiato, que en los primeros años de 2000, ha sido el punto de referencia para la distribución de obras por Arman en Italia.

Nicolas - Pierre Loir, el ámbito de aplicación de

El descanso en la huida a Egipto

Óleo sobre lienzo. La obra de gran dimensión, con el pretexto de la narración de la huida a Egipto para crear un amplio paisaje en la pintura, deudor de la impresión clasicista de Nicolas Poussin. Más que la mano del maestro, sin embargo, es pensar de algunos de sus seguidores, como Nicolas Pierre Loir, o de otros autores franceses de su alcance. Restaurado y ritelato, tiene pequeñas gotas de color.

Busto de Augusto

Un busto de mármol blanco de la escultura que representa al emperador romano Octavio Augusto.

Retrato de John Carteret

El conde de Granville, en 1744

Óleo sobre lienzo. John Carteret, segundo Conde de Granville (1690 -1763), y fue un importante diplomático y político británico del siglo XVIII, (el Señor presidente del Consejo de 1751 a 1763). El gran retrato, que lo presenta en una capacidad oficial, y en conmemoración de su investidura para el recuento se llevó a cabo en 1744, lleva en la parte superior derecha de la escritura con el nombre, título y fecha. La pintura está acompañado por un certificado de autenticidad emitido por Bucaro la antigüedad de Gorla Minore (VA). Ya restaurado y ritelato, se presenta en el estilo de marco.

San Juan El Bautista

Aceite en el panel. El Bautista es presentado como iconográfico vestido de pieles, pero envuelto en un manto rojo, símbolo del martirio, sosteniendo con una mano un personal coronada por una Cruz, el símbolo de su papel de precursor que se anticipa a la muerte de Cristo, y envuelto el bloque de título que muestra las palabras que pronunció Juan, viendo a Jesús en el Jordán ("Ecce Agnus Dei"; el otro lado, levantado hacia la parte superior, seleccione el cielo, como una invitación a volver nuestra mirada a la dimensión espiritual de la vida. El Santo se coloca en un paisaje rico en el follaje, que enmarcan la figura, haciendo hincapié en la verticalidad, también recogido de las montañas en el fondo, con la clara intención de invocar el impulso al alza. En la parte de atrás de la mesa hay un escrito antiguo no es descifrada. La pintura está en buen estado; no es una violación de la tabla a la derecha. Se presenta en un antiguo y hermoso marco, en la parte de atrás de las cuales son pequeñas losas de la colección.

Gran Paisaje con escena de Caza

La caza de jabalí

Óleo sobre lienzo. La escena, que está ubicado a los pies de una montaña, a la orilla de un río donde se tiene la intención de trabajar como un pescador con su línea y se centra en la animada y rica grupo de figuras de los cazadores, vestido en forma de gente de a caballo, armados con espadas y lanzas, y con la ayuda de los perros, de dar el golpe final para el jabalí, el ahora herido y moribundo. El gran formato de relieve el cliente importante, subrayó, también, por la vinculación de pintura similar. Restaurado y ritelato, se presenta en el estilo de marco.

Gran Paisaje con escena de Caza

Caza de los ciervos

Óleo sobre lienzo. La escena, que transcurre en un bosque país, en las ruinas arquitectónicas, se centra en el animado y rico grupo de figuras de los cazadores, vestido en forma de gente de a caballo, armados con espadas y lanzas, y con la ayuda de los perros, de dar el golpe final para el ciervo es ahora heridos y moribundos. El gran formato de relieve el cliente importante, subrayó, también, por la vinculación de pintura similar. Restaurado y ritelato, se presenta en el estilo de marco.

Escena mitológica de Giovanni Battista Recchi

Dánae y la lluvia de oro

Óleo sobre lienzo. En esta maravillosa representación de el cliente, ciertamente, privada y laica, el pintor se enfrenta con el tema de Danae, el tema de la mitología griega, los seres y practicada por los pintores de la talla de Tiziano, Correggio, Orazio y Artemisia Gentileschi, Rembrandt, y otros, hasta los cuadros de Klimt. El mito dice que Zeus hizo la mortal Dánae a través de una lluvia de oro; de esta unión nació de la semidiós Perseo. En nuestra pintura de la lluvia de oro se convierte en monedas de oro, cada detectable con una moneda de la época. En una de las monedas que caen desde el cielo se ha fijado en la firma de la artista, una cosa rara para una pintura antigua, lo que hace posible asignar con certeza la pintura, y que da testimonio de la importancia que la obra tuvo en su momento por el autor y que actualmente tiene para los estudios de la Lombard pintura del siglo Xvii. En el fondo usted echar un vistazo a una ciudad que ofrece vistas a un lago, con toda probabilidad, una representación de la época, de la ciudad de Como, el lugar de nacimiento de Recchi. Es posible que el cliente privado de la pintura tenía que ver con el cambio de moneda fecha de la precisión con la que se describe el morir eje o en la moneda de la rotación de las monedas que caen del cielo. El estilo de la pintura aún pertenece a la tarde en el manierismo de lombardía, practicada también por los pintores de la talla de Simone Peterzano (el maestro de Caravaggio), pero ya está atento a la descripción de la realidad, la natural dado, como queda claro en la representación de las hojas marchitas sobre la cabeza de Danae, una lección de Caravaggio podrán encontrar una completa maduración. La pintura, ritelato y con huellas de restauración acorde con el estilo y la época, está en muy buenas condiciones. Presentado en un marco dorado en el estilo.

Hieronymus III Francken

La negación de Pedro

Óleo sobre tabla de roble, procedentes de una colección histórica importante. La colección fue comenzada por un antepasado de la familia que estaba en Viena en 1798 y en Wurzburgo hasta 1813, como compañero de exilio de Ferdinand III, duque magnífico de Toscana. La colección fue trasladada a su localización permanente en Florencia con la caída de Napoleón, y la importancia misma que intentamos a través de copiar un inventario compilado en 1881. En el número 14 (correspondiente a la indicada en el bloque de título presente en la parte trasera de la tabla) tenemos la descripción del compilador: "... madera de pie dos y cuatro y media pulgadas de largo y un pie y 8 y media pulgadas de alto, representando el Pedro negando a Jesús Cristo a la doncella en Anne. Ves al Salvador desde lejos llevado adelante a ese Pontífice para ser examinado, en medio de un montón de gentuza y soldados ". 60 años una atribución inicial a Bruegel fue negada y atribuida a Francken. La composición fue evidentemente exitosa porque hay otras versiones del taller (ver por ejemplo un aceite en el cobre del mismo tema y tamaño que se muestran reacios a la subasta de Koller en 18/09/2015). Presentado en marco vintage ulteriormente.

Falso Eje con un bodegón con Frutas y Juego

Trompe l'oeil,1757

Óleo sobre lienzo. La firma no descifrada en el centro a lo largo de la olla de barro con tapa, con la fecha. Composición fascinante, rico en citas y referencias bibliográficas, que identifican el propietario definitivamente como un erudito o académico. En la esquina superior izquierda, una falsa pintadas con la frase "Pero llegó la noche y el mundo ascose", en la Jerusalén entrega de Torquato Tasso (canto 11°, estrofa LXXXII). Abajo está la imagen de dos jugadores identificados como "Tradasso palatino" (Tradasso es el antiguo nombre de la bajo, sino que también alude el título, haga el fanfarrón) y Guido da Sury", un par de mercenarios. El de abajo gato se une otra frase, "Agrega ahora la astucia para el robo", una alusión a los objetivos claros de la felina hacia la liebre colgado a su lado, también acompañada de una sentencia., "Nec dedit fuga salutem" alludente a la innecesaria de escape de los animales, desde los cazadores. En la parte superior de dos jugadores-mercenarios, una carta dirigida a "Pisstoia - sig. Gismondi (?)" o Giannoli(?). La composición se completa en la parte inferior por un rico repertorio de frutas, platos y un pollo asado. La pintura se presenta en un entorno magnífico emiliana coetáneas.

Sagrada familia y los Ángeles

Óleo sobre cobre en un marco octogonal. En la pintura, en torno a la figura de el Niño dormido en los brazos de María, nos encontramos,en la adoración, San José y varios ángeles. En la parte inferior, una visión del paisaje. La pintura se presenta en un bello marco octogonal de madera ebonised y bronce dorado.Se conserva entre los dos marcos de ebanizzate, una frontera en bronce de oro cincelado contiene reservas en plata con rosetas de bronce. Exteriormente, decorado con encaje de bronce calado con querubines alternando con llamas siempre en bronce dorado. Una de estas llamas se sustituye, hay señales de los clavos, que indican la falta de otras decoraciones en los espejos de plata.

Giovanni Battista Salvi, Copia de

Madonna En La Oración

Óleo sobre lienzo. Un fascinante copia de la Virgen en la oración, de la que tomo nota de innumerables réplicas de Sassoferrato y su taller, de la Galería Nacional de Londres, la versión de la Accademia Carrara de Bérgamo, en la Pinacoteca del Castello Sforzesco de Milán, el museo de Todi. La cantidad de réplicas y copias de épocas posteriores, como la nuestra, da testimonio del éxito que tuvo y tiene hoy en día la imagen de la Virgen niña en la oración, con una mirada de profundo pensamiento, la cara humildemente bajar, representado con simples colores blanco, rojo y azul y delicados juegos de sombras en la cara y las manos. La primera versión fue, en realidad, Guido Reni, extendido luego por la versión con el grabado de Jean Barón, que entonces era probable que a partir de la cual el Sassoferrato, derivada de su composición. La pintura,restaurado y ritelato, se presenta en un marco eficaz para el frontón final de '800, en el estilo renacentista, en la tabla grabada y dorada con representaciones de lo grotesco. La parte posterior del marco está forrado y parcialmente reconstruida con la madera, el más antiguo (siglo XVII).

Estatua de piedra

Estatua en mármol de Verona, que representa la figura de la mujer se coloca en el pie con una mano apoyada en un tronco, y en la otra un manojo de espigas de trigo, símbolo de la fertilidad; se puede ver un tocado en ruinas que se asemeja a una corona. La iconografía se refiere a la diosa griega de la Fortuna Políticas. La base cuadrada reforzada con cemento, que es típico de las estatuas en el Veneto, adornaban los palacios y de las entradas.

La figura está tallada con el marco del portal

La figura del posadero, está tallada en la ronda y pintado en policromada, que se inserta en un portal tallado sarmientos con hojas de vid, de oro gouache de un período posterior. La escultura representa a un host en el acto de la realización de una cesta de fruta. La escultura se encuentra bien definido, con una vuelta de tuerca y la expresividad en la cara. Muestra una influencia nórdica; está completamente pintado en policromada, está vestida de púrpura y bordes de la correa, el oro y la cesta verde con ramas de uvas negras. El portal, que probablemente añadida al final del siglo XVII., está hecho con vides que la guita, la creación de un momento de aguda, a partir de los dos grandes jefes de la barroca y termina en la cara de alas de querubín. Esta parte, probablemente nacido a un tema religioso, es completamente de oro.

La educación de Cupido

Teresa Buttini Revelli

Pintado sobre pergamino. Copia de la famosa obra de Correggio, ahora se conserva en la National Gallery de Londres; ampliamente replicado en el pasado, es aquí finamente reproducido por el autor, firma y fecha de la obra en la parte de atrás. En el marco.

Cupido que la fábrica de arco

Pintado sobre pergamino, copia de la famosa obra de Parmigianino, hoy conservado en Viena. El tema, ampliamente replicado en el pasado, de Rubens a Joseph Heintz el anciano, es aquí finamente reproducido por el autor, firma y fecha de la obra a la espalda. Contemporáneo de marco.

El alcance de Denijs Calvaert

Virgen con el Niño y San Giovannino

Óleo sobre lienzo. La pintura, la construcción, el color, y la fisonomía, se refiere al ámbito de la bolonia de la década del '500, y en particular a la obra del pintor de Amberes, y de los alumnos que trabajan alrededor de la escuela. Restaurado y ritelato, se presenta en el estilo de marco.