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35 cm 226 cm

28 cm 179 cm

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Alegoría del amor
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Alegoría del amor

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Alegoría del amor

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa. Se trata de una divertida escena alegórica de amor profano, que pretende demostrar cómo todas las personas, de cualquier clase social y de todas las edades, pueden caer en la trampa del enamoramiento. El fondo del lienzo está ocupado por una enorme red de guarda, la red de canasta utilizada en algunos tipos de pesca, sobre cuya boca se sienta un putto violinista, decidido a tocar; la trampa está abarrotada de parejas, mientras que un desfile de otros pasa junto a ella para llegar a su entrada. Entre ellos hay parejas de ancianos y jóvenes, parejas de ricos y pobres, nobles, burgueses y proletarios: todos tienen expresiones alegres y ligeras, se miran enamorados o miran con bondad la felicidad de los demás. Dentro de la olla hay incluso un par de miembros de la realeza, que corresponden en características y vestimenta al elector palatino de Renania, Giovanni Guglielmo del Palatinado-Neuburg y a su segunda esposa Anna Maria Luisa de'Medici. En el reverso del cuadro hay una etiqueta con una atribución histórica a Jan Frans Douven (1656-1727): el artista holandés que a partir de 1682 se trasladó a Düsseldorf como pintor oficial en la corte del elector palatino de Renania, principalmente creando escenas de la vida diaria del príncipe y su segunda esposa. Por lo tanto, la etiqueta confirmaría el área de atribución a un artista del norte de Europa de los siglos XVII y XVIII. La pintura proviene de una colección histórica milanesa. Tiene rastros de restauraciones y parche. En un marco elegante.

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Cuatro retratos del rey Condottieri
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Cuatro retratos del rey Condottieri

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Cuatro retratos del rey Condottieri

Temple aceitosa sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. Se cree que las cuatro grandes obras formaron parte del aparato decorativo de un gran palacio. La técnica empleada - un temple untuoso aplicado sobre lienzo con una preparación muy ligera y un rayado rápido sin referencias precisas de las figuras - subraya la rapidez de ejecución, orientada a obtener obras con fines puramente decorativos en poco tiempo. Los cuatro grandes retratos muestran las figuras de reyes, reconocibles por diferentes atributos reales (coronas, cetros, mantos reales), pero representados como líderes, por lo tanto con armaduras y / o armas. La peculiaridad es que los personajes pertenecen a diferentes épocas y orígenes geográficos, como para rendir homenaje a las grandes figuras reales de la historia. La identificación de los personajes no es segura, aunque es posible hipotetizar algunos nombres: el rey con la corona de pobre metal pero con cúspides muy puntiagudas, que sostiene una espada con empuñadura en forma de cabeza de pájaro y está cubierta con un manto de tela tosca y una coraza sencilla de la que brotan elementos de piel, podría ser Atila, el rey de los hunos; la figura oriental, con un turbante adornado con piedras preciosas, podría ser un sultán otomano, como Suleiman; el guerrero con la armadura característica de la antigua Grecia, con el casco coronado por un dragón y el peto ricamente decorado con frisos, podría ser Alejandro Magno; Finalmente, el joven rey en armadura completa y con la corona "sombrero de armas" casco, usado en la Edad Media tardía, se refiere a un gobernante del siglo 15, a quien el collar con los lugares de águila imperial en uno de los miembros de la realeza familias derivadas de el Sacro Imperio Romano. Las cuatro pinturas, aún en el primer lienzo, muestran huellas de restauraciones y adiciones, con algunos pequeños parches en el reverso. Provienen de una colección histórica boloñesa. Se presentan en marcos estilizados.

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Retrato de Eleonora Lampugnani
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Retrato de Eleonora Lampugnani

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Retrato de Eleonora Lampugnani

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. La señora rica representada va acompañada de la inscripción identificativa en la parte superior derecha que dice "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478": se trata, por tanto, de Eleonora Lampugnani, esposa de Bartolomeo Del Corno. La familia Lampugnani es una antigua familia patricia de Milán (el nombre deriva del distrito de Lampugnano), con residencias en Legnano y Busto Arsizio, y a la que Filippo Maria Visconti (duque de Milán) asignó el feudo de Trecate en el siglo XV; el marido de la noble pertenecía en cambio a la noble familia piamontesa Corno (originalmente llamada Del Corno). La mujer noble está representada de pie, con un espléndido vestido ricamente bordado y adornado con encajes; apoya la mano en una preciosa caja con incrustaciones de marfil, probablemente una vitrina, símbolo de riqueza y poder, coronada por un jarrón con flores, más bien un símbolo de vanidad. La pintura tiene una restauración antigua en las manos, que son de menor calidad que la del rostro, la ropa, el frasco de vidrio. La pintura proviene de una antigua colección lombarda. La fecha 1478 reportada con la inscripción, no está muy en consonancia con la indumentaria del siglo XVI: según la historia de la familia de origen del cuadro, la fecha que apareció antes de la última restauración fue 1578, y por lo tanto sería un cambio realizado. por error del restaurador.

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Xavier Bueno
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Xavier Bueno

Chico, 1966

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Xavier Bueno

Chico, 1966

Óleo sobre lienzo cartón. Firmado en la parte inferior izquierda. Firma adicional, fecha y título en el reverso. Después de su infancia transcurrió en España, su país natal, Ginebra y París, en 1940 Xavier Bueno trasladó a Italia, en Florencia, donde se unió al grupo de "Pintores Modernos de la Realidad" con su hermano Antonio, Pietro Annigoni y Gregorio Sciltian., cuyo manifiesto proponía una observación "objetiva" de la verdad, de la naturaleza y su reproducción fiel posible. La experiencia de la guerra civil española primero y luego la italiana orientó cada vez más al artista hacia un realismo ligado a razones de fuerte contenido social. 1953 supuso un importante punto de inflexión en la carrera de Xavier: fue el año de su adhesión explícita a la poética del realismo socialista, adhesión que llegó después de un itinerario personal que lo vio practicar la pintura "comprometida" desde la preguerra, con un claro avance en el arte de la izquierda italiana. Otra etapa fundamental en la carrera de Xavier fue el viaje a Brasil en 1954: el artista regresó de esta experiencia lleno de entusiasmo y con una serie de tintas cuyos principales protagonistas son niños, adolescentes, obreros. A partir de ese momento, el tema de la infancia se volvió cada vez más recurrente, poco a poco los personajes fueron representados inmóviles, en una especie de niebla irreal, desprovista de incluso profundidad, de rigor de perspectiva, en la que emergen como evocados. El trabajo aquí presentado pertenece a esta producción. Entre 1959 y 1964 Xavier creó el ciclo de "Niños", imágenes sufrientes y melancólicas obras simbólicas de una humanidad humillada y oprimida, que el artista presentó en la exposición "España libre". Su técnica también sufrió una evolución, que le llevó a buscar un espesamiento del material, espesado por la adición de arena a la pintura; el uso del collage, ya experimentado por él en naturalezas muertas, se hizo patente también en el campo del retrato figurativo. El material de sus pinturas llegó a ser tal que llegó a definirlas como "fresco sobre lienzo". Obra presentada en marco.

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Giovanni Baglione, atribuido a
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Giovanni Baglione, atribuido a

Herodías recibe la cabeza del Bautista

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Giovanni Baglione, atribuido a

Herodías recibe la cabeza del Bautista

Pintura al óleo sobre lienzo. Inspirada en los relatos evangélicos de la vida de Juan el Bautista, la escena muestra a la reina Herodías recibiendo la cabeza del predicador en un plato, que su hija Salomé le había pedido a Herodes a cambio de su danza. Herodías está representada aquí en toda su realeza, con la corona y el cetro, vestida con ropas y joyas, pero con una expresión distante e indiferente, casi aburrida, incluso frente al espectáculo macabro, mientras realiza el gesto de apartar con desdén. de sí misma el trofeo que un sirviente le está entregando en bandeja. La obra, ya subastado en Dorotheum en 2008, se publicó y bien descrito en el texto "estudios de historia del arte en honor de Fabricio Lemme", publicado en 2017, en el capítulo de Michele Nicolaci (historiador del arte experto en la pintura del siglo XVII) , que lo presenta como un cuadro inédito de Giovanni Baglione. Fue un artista y escritor romano, conocido sobre todo por haber escrito "La vida de pintores, escultores y arquitectos desde el pontificado de Gregorio XIII de 1572 hasta la época del Papa Urbano Octavo" en 1642, la primera colección publicada de biografías de artistas. en la Roma del siglo XVII. También es de considerable importancia su escrito "Las nueve iglesias de Roma", publicado en 1639. Su actividad pictórica se desarrolló entre Roma y Nápoles; inicialmente de estilo manierista tardío, cuando conoció a Caravaggio, se adaptó a su estilo casi llegando a la imitación, tanto que despertó la indignación y el escarnio de Merisi, así como la escasa consideración de sus colegas romanos; aislado e insultado, Baglione volvió a su estilo personal, pero sin embargo pudo lograr un buen éxito en la alta sociedad romana, gracias también a su capacidad para ganarse el favor de los poderosos y reinventarse a sí mismo como un hombre de letras en la corte de Barberini. . Su punto de inflexión estilístico con la vuelta a un enfoque manierista tuvo lugar hacia 1630 y se definió en una producción caracterizada por el forzamiento compositivo y los personajes casi caricaturizados. Esta Herodías también se puede situar en este período: aunque en la forma redundante y excesiva, casi irónica de retratar al personaje, esta obra no carece de elegancia, en la pose teatral de la mujer, pero también del sirviente, en el hábil juego. de contrastes. cromática (en el vestido de la reina, sino también en las diferencias entre los encarnados), en la sobreabundancia de la ropa y joyas. El lienzo ha sido restaurado y revestido. Se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX. Publicación adjunta al cuadro.

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El trabajo de Arman
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El trabajo de Arman

10000 Cendrillons

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El trabajo de Arman

10000 Cendrillons

Técnica mixta sobre lienzo. Armand Fernández, en el arte, Arman nació en Niza en el año 1928. Él es recordado como uno de los líderes más importantes e influyentes del movimiento artístico "Nouveau Réalisme", la declinación de los europeo-americanos de Nueva Dada. El Nouveau Réalisme desarrollado en los años '60 en Francia en torno a la figura del crítico Pierre Restany. Es una forma de hacer arte, anti-convencional, que incorpora muchos de los aspectos de las vanguardias de principios de siglo, como por ejemplo el relegamento de la pintura y la escultura técnicas de segundo orden. Por contra se da valor artístico de los objetos ordinarios, de la esfera de la vida cotidiana, que se presentan en las obras exactamente en su objetividad, sin la acción decontestualizzante que caracteriza a los ready-mades de Duchamp. El período de la posguerra, que se caracteriza por cambios radicales desde el punto de vista de la social y la económica está representada por los exponentes de la Nouveau Réalisme provocadoramente, y la crítica a través de sus productos: los objetos en la sobre-abundancia, productos de desecho, residuos torpe, y así sucesivamente. Cada artista declina esta filosofía en una forma personal y original; Arman es conocida por sus acumulaciones hasta el límite de la obsesión. Su trabajo se lleva a los movimientos de las calles, donde se recoge lo que se tira, olvidado. Los objetos que no están en uso, lo que se considera basura se convierte en el protagonista de sus "esculturas", induciendo al público a una reflexión sobre las implicaciones de la sociedad de consumo. La obra en cuestión es una composición de la ironía, titulado 10000 Cendrillons, es decir, 10000 día cinderellas. Consta de seis pares de zapatos de diseño, Prada corte en la mitad, montado sobre tela y cubiertos con pintura. El trabajo es conceptual y su interpretación está ligada a la comprensión de la filosofía de la artista y el período histórico en el que trabajaba. Representa una visión personal y crítica, alumbrada por el título de la burla, del consumismo desenfrenado. Arman el trabajo de la "profanación" de un objeto, los zapatos de Prada, el cual es considerado como un simulacro, en el mundo de la moda, un objeto de deseo. Demuestra con su trabajo como en la parte inferior, un zapato firmado, a la que atribuimos el valor de un símbolo de estatus, no es nada más que un zapato, y por último un simple objeto que como cualquier otro se convertirá en un residuo. El trabajo viene de estudio de la artista en Nueva York y es autenticado por el correo electrónico de la Fundación A. R. M. A. N. devuelve el número del archivo. La Fundación A. R. M. AN. actualmente, es la única institución autorizada para emitir la certificación de las obras de Arman. Adjunto también una foto de la obra firmado por el artista, indicando el número del archivo, el título, el tamaño y la técnica. En la parte de atrás de la fotografía es el sello de la Galería de Dante Vecchiato, que en los primeros años de 2000, ha sido el punto de referencia para la distribución de obras por Arman en Italia.

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Sin título por Arman
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ARTCON0000755

Sin título por Arman

Jeté

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Sin título por Arman

Jeté

Técnica mixta sobre lienzo. Armand Fernández, en el arte, Arman nació en Niza en el año 1928. Él es recordado como uno de los líderes más importantes e influyentes del movimiento artístico "Nouveau Réalisme", la declinación de los europeo-americanos de Nueva Dada. El Nouveau Réalisme desarrollado en los años '60 en Francia en torno a la figura del crítico Pierre Restany. Es una forma de hacer arte, anti-convencional, que incorpora muchos de los aspectos de las vanguardias de principios de siglo, como por ejemplo el relegamento de la pintura y la escultura técnicas de segundo orden. Por contra se da valor artístico de los objetos ordinarios, de la esfera de la vida cotidiana, que se presentan en las obras exactamente en su objetividad, sin la acción decontestualizzante que caracteriza a los ready-mades de Duchamp. El período de la posguerra, que se caracteriza por cambios radicales desde el punto de vista de la social y la económica está representada por los exponentes de la Nouveau Réalisme provocadoramente, y la crítica a través de sus productos: los objetos en la sobre-abundancia, productos de desecho, residuos torpe, y así sucesivamente. Cada artista declina esta filosofía en una forma personal y original; Arman es conocida por sus acumulaciones hasta el límite de la obsesión. Su trabajo se lleva a los movimientos de las calles, donde se recoge lo que se tira, olvidado. Los objetos que no están en uso, lo que se considera basura se convierte en el protagonista de sus "esculturas", induciendo al público a una reflexión sobre las implicaciones de la sociedad de consumo. La obra en cuestión se compone de un violín corte está montado sobre un lienzo se ponen en la mesa con restos de la mezcla de colores. El título es Jeté, en italiano, "Arrojado", la referencia al mundo de los desechos es directa e inmediata. Parte de la serie "Colères," operaciones "dissemblage", es decir, la destrucción de los instrumentos musicales de la tradición burguesa: violines, violas, trompetas, y los pianos que son descuartizados, quemados, o disecados. En este ciclo de obras revela el impulso destructivo. El gesto es importante, central en la filosofía de la Nouveau Réalisme. Como dijo el mismo Arman "yo Creo que en la acción de la destrucción hay un deseo de detener el tiempo, la suspensión de los eventos de pegar, juntos en el poliéster..." El trabajo que viene desde el estudio del artista en Nueva York y es autenticado por el correo electrónico de la Fundación A. R. M. A. N. devuelve el número del archivo. La Fundación A. R. M. A. N. es actualmente la única institución autorizada para emitir la certificación de las obras de Arman. Adjunto también una foto de la obra firmado por el artista, indicando el número del archivo, el título, el tamaño y la técnica. En la parte de atrás de la fotografía es el sello de la Galería de Dante Vecchiato, que en los primeros años de 2000, ha sido el punto de referencia para la distribución de obras por Arman en Italia.

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