El trabajo de Marco Lodola

Hombre viejo trío,2000

Esmalte sobre metacrilato. En la parte de atrás de la firma, título y fecha de la obra. Entrena por primera vez en la Academia de Florencia, y de allí a Milán, Marco Lodola se ha establecido como un artista polifacético y ecléctica de arte visual y se ha unido a otras disciplinas (literatura, el diseño, la música). Se ha especializado en particular en la producción de obras en los plásticos,forma, y color con colorantes, acrílico mediante el uso de una técnica personal. Su ssculture tiene una segunda fase de lado a lado con la luz, creando luminoso esculturas, estatuas hechas de plexiglás, iluminado internamente con tubos de luz, que caracterizan a la producción artística. Ha trabajado en la publicidad y gráfica, dramático y musical, en colaboración con diversos públicos y privados de las administraciones en Italia.

La pintura de Sergio Sergi

Retrato de un tigre

Óleo sobre lienzo. Firmado en la parte inferior derecha. Sergio Sergi, nacido en Piacenza, vive y trabaja en Parma. Su trayectoria artística se ha desarrollado en torno a la investigación del natural proceso evolutivo, investigando el desarrollo de la Orden de los Primates, de la que extrae su origen el Hombre, a través de la representación de todas las Familias con Géneros afines, entre los más importantes, de las más de 200 especies vivas en el planeta. Esto le llevó a especializarse como un artista de retratos de animales. Entre sus exposiciones recordamos que en el año 2019 en los "Leones futuristas".

La pintura de Sergio Sergi

El rugido de 2007

Óleo sobre lienzo. Firmado en la parte inferior derecha. A la espalda en el marco de esta otra firma con el título y la fecha de creación. Sergio Sergi, nacido en Piacenza, vive y trabaja en Parma. Su trayectoria artística se ha desarrollado en torno a la investigación del natural proceso evolutivo, investigando el desarrollo de la Orden de los Primates, de la que extrae su origen el Hombre, a través de la representación de todas las Familias con Géneros afines, entre los más importantes, de las más de 200 especies vivas en el planeta. Esto le llevó a especializarse como un artista de retratos de animales. Entre sus exposiciones recordamos que en el año 2019 en los "Leones futuristas".

La pintura de Sergio Sergi

Retrato de un león

Óleo sobre lienzo. Firmado en la parte inferior derecha. Piacenza, vive y trabaja en Parma. Su trayectoria artística se ha desarrollado en torno a la investigación del natural proceso evolutivo, investigando el desarrollo de la Orden de los Primates, de la que extrae su origen el Hombre, a través de la representación de todas las Familias con Géneros afines, entre los más importantes, de las más de 200 especies vivas en el planeta. Esto le llevó a especializarse como un artista de retratos de animales. Entre sus exposiciones recordamos que en el año 2019 en los "Leones futuristas".

La pintura de Sergio Sergi

retrato de tigre blanco

Óleo sobre lienzo. Firmado en la parte inferior derecha. Sergio Sergi, nacido en Piacenza, vive y trabaja en Parma. Su trayectoria artística se ha desarrollado en torno a la investigación del natural proceso evolutivo, investigando el desarrollo de la Orden de los Primates, de la que extrae su origen el Hombre, a través de la representación de todas las Familias con Géneros afines, entre los más importantes, de las más de 200 especies vivas en el planeta. Esto le llevó a especializarse como un artista de retratos de animales. Entre sus exposiciones recordamos que en el año 2019 en los "Leones futuristas".

Caballo de bronce para Ludovico De Luigi (1933)

Escultura de bronce que representa a un caballo en movimiento. De edición limitada. 79/100 y firma del autor incussa en el lado de la firma de la marca Venturi Arte.

Loredano Rizzotti

Milán:edad barandillas

Óleo sobre lienzo. Firmado en la parte inferior izquierda de la página. El artista milanés, Loredano Rizzotti ha elegido en 1982 a cabo su propio estudio en Milán, en la zona de Naviglio Grande, un lugar de inspiración y profundo a la derecha de las primeras manifestaciones pictóricas, con imágenes impactantes de rejas y balcones, patios y escenas de la vida cotidiana que siempre han caracterizado su estilo inicial. En este primer período es el lugar de la obra propuesta. Al tiempo de llegar a un amplio reconocimiento a nivel nacional e internacional, evolucionar, y variar los estilos y los temas de sus obras, que son, sin embargo, en relación con algunas vertientes principales: tras las rejas, las puertas, los libros, los viajes, los instrumentos musicales. En el marco.

Giuseppe Ajmone

Movimiento,1982

Óleo sobre lienzo. Firmado en la parte inferior derecha. La parte de atrás contó con el título y la firma. Giuseppe Ajmone, artista de la Valsesia y se formó en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, fue uno de los firmantes del Manifiesto del Realismo en 1946. Además de los bodegones y paisajes, dominante en su primer periodo artístico, Ajmone usted está interesado en la tendencia de los desnudos que caracterizan a una gran parte de su producción artística realizada por los mediados de los años Sesenta hasta el presente. En el marco.

Max Marra

Composición abstracta con figuras, 1985

Técnica mixta sobre lienzo de la junta. Firmado Max Marra y fechado '85 inferior derecha. Max Marra, nacido en Paola (Cosenza), italia, actualmente vive y trabaja en Lissone (Monza-italia). La artista multidisciplinaria desde los años '80, orienta su investigación hacia la integración de dibujo, la pintura y la escultura, utilizando materiales de la fuerte valor comunicativo que combina el lenguaje artístico de las vanguardias. Numerosas apariciones en exposiciones nacionales e internacionales, así como numerosas exposiciones en instituciones públicas y privadas galerías en Italia y en el extranjero. El trabajo fue presentado en el marco.

Otto Gutfreund,la escultura en arcilla

Busto femenino

La escultura en arcilla. Firmado en la parte inferior de la espalda. Otto Gutfreund fue el escultor checo-checoslovaco que, después de estudiar arte en Praga y París, se hizo famoso en los años '10 para sus esculturas en el estilo cubista. Después de haber visto el servicio activo en la primera guerra mundial, pasó a un estilo más realista,después de la fase de "retorno al orden" después de la guerra, que caracteriza a las artes. Sus esculturas, principalmente en bronce, se utiliza, sin embargo, también el uso de la arcilla y la cerámica.

Dibujo atribuido a Renato Guttuso

La serie "tarot"

Técnica mixta sobre papel. Firmado en la parte inferior derecha. La parte de atrás de la estampilla de la Galería Orler. Probablemente es la muestra utilizada para la impresión de litografías de "El Tarot" ,creado por el artista en los años '70. El trabajo en el marco.

La obra de Ugo Carrega

Vago en el pensamiento...,1990

Grabado y esmalte sobre madera. Firma y fecha en la parte posterior. El artista y el poeta, natural de Génova, pero activo principalmente en Milán, Carrega fue uno de los principales exponentes de la poesía visual, a pesar de que prediligesse el término "Nueva Escritura", una escritura experimental, que combina con signos de extracción son diferentes. Basado en 1965, la revista "Herramienta: cuadernos de escritura simbiótica",que es una forma de poesía experimental en la que actúan igualmente signos de diferente naturaleza, verbal, diseñadores gráficos y a la propuesta de trabajo es un ejemplo de una concepción del arte..

Pequeña escultura firmada Cantones (1946)

Escultura de bronce que representa el busto de una figura masculina en una base de madera recubierto de negro. De bronce, parcialmente dorada. Y. 117/120. Firma del autor incussa.

Pequeña escultura firmada Cantones

Escultura de bronce que representa busto femenino en la base de madera brillante color negro. Y. 110/120. La firma de la artista incussa.

Dibujo de Vladimir Velickovic

Sin título

Tinta sobre papel aplicado a panel de masonite.. Firmado y fechado 30 /3/1965 en la parte inferior izquierda de la página. Bocetos de las cabezas y los cuerpos humanos deformes. Nacido en Belgrado (Yugoslavia), y se graduó en Arquitectura en su ciudad, pronto se pasa a la pintura, la afirmación de sí mismo hasta el punto de convertirse en el representante de Yugoslavia en la Bienal de identificación de 1972 Venecia. Testigo en su propia infancia, de las atrocidades cometidas por los nazis en su país, y su pintura expresa el dolor y la violencia de estas memorias. la pintura de personas o animales (especialmente los ratones o perros), cuyos cuerpos se enfrentan con situaciones dramáticas y terroríficas, tratando de dejar "en primer lugar, una cicatriz" en la memoria del observador de su imagen.

Bernard Aubertin

Dessin de Feu (el pájaro de fuego), 2009

Técnica mixta sobre cartón. Aplicación de fósforos quemados en un pedazo de cartón, cubierto por la señal de la quema de la pintura. Pieza única, firmada y fechada en la parte inferior derecha. Aubertin es considerado el pintor "monocromo", que centró su investigación artística en el color rojo, como el fuego, la energía: a partir de 1958, comenzó a crear su famoso monocromo lienzos de color rojo, el llamado Tableaux-Feu (fuego final), creado con una variedad de artículos, los clavos (Tableau Clous), de alambre de hierro (Tableaux Fil de Fer), fósforos (Parcours d'Allumettes), y una variedad de materiales, de las velas, a las redes de hierro. En su metafísica de la pintura, a través de la red que pretende transponer en el lienzo de la energía del alma, el ser espiritual. A partir de los años '60 Aubertin, introdujo en su repertorio el fuego, la manifestación física de su color rojo. Producido tantas composiciones abstractas utilizando cerillas que, cuando se enciende, se creó una variación espontánea generada por la naturaleza de la llama. Entre los '80 y los '90, su producción artística, volvió a actuaciones en las que él mismo dio a las llamas los pianos y los automóviles, mientras que en los últimos años, el color rojo, el blanco y negro fue reemplazado por el blanco, negro y oro. El trabajo fue presentado en el marco.

Bernard Aubertin

Dessin de Feu (el pájaro de fuego), 2009

Técnica mixta sobre cartón. Aplicación de fósforos quemados en un pedazo de cartón, cubierto por la señal de la quema de la pintura. Pieza única, firmada y fechada en la parte inferior derecha. Aubertin es considerado el pintor "monocromo", que centró su investigación artística en el color rojo, como el fuego, la energía: a partir de 1958, comenzó a crear su famoso monocromo lienzos de color rojo, el llamado Tableaux-Feu (fuego final), creado con una variedad de artículos, los clavos (Tableau Clous), de alambre de hierro (Tableaux Fil de Fer), fósforos (Parcours d'Allumettes), y una variedad de materiales, de las velas, a las redes de hierro. En su metafísica de la pintura, a través de la red que pretende transponer en el lienzo de la energía del alma, el ser espiritual. A partir de los años '60 Aubertin, introdujo en su repertorio el fuego, la manifestación física de su color rojo. Producido tantas composiciones abstractas utilizando cerillas que, cuando se enciende, se creó una variación espontánea generada por la naturaleza de la llama. Entre los '80 y los '90, su producción artística, volvió a actuaciones en las que él mismo dio a las llamas los pianos y los automóviles, mientras que en los últimos años, el color rojo, el blanco y negro fue reemplazado por el blanco, negro y oro. El trabajo fue presentado en el marco.

Tapiz de Pablo Echaurren

Sin título

Tapiz. Firmado en la parte inferior derecha. Pintor ,dibujante y escritor italiano, nacido en Roma, pero el hijo de el arte del pintor surrealista chileno Roberto Matta, Pablo Echaurren da vida a una vasta producción desarrollados en el signo de la contaminación entre los géneros, entre el arte y las artes aplicadas, de acuerdo a un enfoque de diseño, manual y mental, típico de el laboratorio, de acuerdo con el concepto de que un artista es un inventor en todo el campo. La experiencia, por lo tanto, en la pintura, la cerámica, la ilustración, el cómic, la escritura, la de vídeo. La propuesta de trabajo, aún sin título, propone un naturalista de los sujetos, las mariposas en vuelo, las vistas, el estilo de la ilustración. El trabajo se presenta en un marco negro y labrado.

Bernard Aubertin

Dessin de feu,1974

Aplicación de fósforos quemados en un pedazo de cartón, de metal. En la parte de atrás hay una etiqueta de la Galería Centro de Brescia, con los datos de la obra y la firma del artista. Aubertin es considerado el pintor "monocromo", que centró su investigación artística en el color rojo, como el fuego, la energía: a partir de 1958, comenzó a crear su famoso monocromo lienzos de color rojo, el llamado Tableaux-Feu (fuego final), creado con una variedad de artículos, los clavos (Tableau Clous), de alambre de hierro (Tableaux Fil de Fer), fósforos (Parcours d'Allumettes), y una variedad de materiales, de las velas, a las redes de hierro. En su metafísica de la pintura, a través de la red que pretende transponer en el lienzo de la energía del alma, el ser espiritual. A partir de los años '60 Aubertin, introdujo en su repertorio el fuego, la manifestación física de su color rojo. Producido tantas composiciones abstractas utilizando cerillas que, cuando se enciende, se creó una variación espontánea generada por la naturaleza de la llama. Entre los '80 y los '90, su producción artística, volvió a actuaciones en las que él mismo dio a las llamas los pianos y los automóviles, mientras que en los últimos años, el color rojo, el blanco y negro fue reemplazado por el blanco, negro y oro. La obra se acompaña de Auténtico expedido por el Archivo de obras de Bernard Aubertin, Sin Almacenamiento DFEA47-1000237523.

Bernard Aubertin

Alvéoles,1990

Cartón pintado sobre la mesa. El cartón, pintadas de rojo, se trabajó para evocar las celdas de una colmena; se aplica a una tabla pintada de negro. A la parte trasera de la firma, el título y la fecha de la obra. Aubertin es considerado el pintor "monocromo", que centró su investigación artística en el color rojo, como el fuego, la energía: a partir de 1958, comenzó a crear su famoso monocromo lienzos de color rojo, el llamado Tableaux-Feu (fuego final), creado con una variedad de artículos, los clavos (Tableau Clous), de alambre de hierro (Tableaux Fil de Fer), fósforos (Parcours d'Allumettes), y una variedad de materiales, de las velas, a las redes de hierro. En su metafísica de la pintura, a través de la red que pretende transponer en el lienzo de la energía del alma, el ser espiritual. A partir de los años '60 Aubertin, introdujo en su repertorio el fuego, la manifestación física de su color rojo. Producido tantas composiciones abstractas utilizando cerillas que, cuando se enciende, se creó una variación espontánea generada por la naturaleza de la llama. Entre los '80 y los '90, su producción artística, volvió a actuaciones en las que él mismo dio a las llamas los pianos y los automóviles, mientras que en los últimos años, el color rojo, el blanco y negro fue reemplazado por el blanco, negro y oro. La obra se acompaña de auténtico expedido por el Archivo de obras, Benard Aubertin, N. Almacenamiento MAR09-1000230523