Otto Gutfreund,la escultura en arcilla

Busto femenino

La escultura en arcilla. Firmado en la parte inferior de la espalda. Otto Gutfreund fue el escultor checo-checoslovaco que, después de estudiar arte en Praga y París, se hizo famoso en los años '10 para sus esculturas en el estilo cubista. Después de haber visto el servicio activo en la primera guerra mundial, pasó a un estilo más realista,después de la fase de "retorno al orden" después de la guerra, que caracteriza a las artes. Sus esculturas, principalmente en bronce, se utiliza, sin embargo, también el uso de la arcilla y la cerámica.

Raymond Hains

American Express,1990 c.

Serigrafía sobre el plástico. En la parte de atrás de este sello con la firma del artista y numerada Nº 20/50. Francés fotógrafo y pintor, Raymond Hains fue un experimentador y creativo del medio fotográfico, con el que él ha trazado las directrices de un nuevo enfoque para la percepción de la realidad. Entre sus logros incluyen: fotografías, abstracto, explosión, texto, cortometrajes, obras creadas con medios informáticos. Pertenece a la corriente del Nouveau Réalisme, que fue fundada en Francia en las décadas de 1960-1970 , mientras que desarrolló el Op Art en Europa y el Arte Pop en los Estados unidos: el nuevo visual artística que tuvo el tema "materiales derivados de la realidad, incluso la más trivial" . El trabajo fue presentado en el marco.

Oscar Di Prata

Composición abstracta

Óleo sobre cartón prensado. Firmado en la parte inferior derecha. Bresciano pintor, pero él consiguió su formación artística en la Academia de Bellas artes de Venecia, y después de la segunda guerra mundial, se dedicó inicialmente al paisaje, especialmente en las consecuencias de sus viajes a París y en los países Bajos. A partir de los años cincuenta en adelante, su pintura se volvió hacia la abstracción. También conocido por sus frescos y mosaicos. En la composición de la propuesta, se encuentra entre un grupo de figuras geométricas de un pequeño vistazo de el mosaico, casi un descanso de edad que salen de un montón de escombros. En el marco.

La composición de Giannetto Fieschi

El idealismo,1966

Técnica mixta sobre lienzo. Firmado en la parte superior derecha. En la parte inferior derecha de esta dedicación, y la fecha de 1966. En la parte de atrás del título. Giannetto Fieschi, pintor italiano de origen noble, nacido en la Val Brembana, pero él sacó su formación artística en Génova, se llevó a cabo, durante sus largas estancias en el extranjero (París, Barcelona, Nueva York), los estudios de semántica de gráficos. Después de un temprano informal-espacio se ha recuperado el elemento figurativo, anticipando las tendencias del pop art. En sus composiciones, presenta fuertes sugerencias surrealista signo de la decadencia y a la poesía escatológica-simbólico, que trata con temas que van desde la violencia, el conocimiento y el eros. Está ocupado toda forma de arte , incluyendo el correo del arte, la caligrafía, es el autor de libros de dibujos y ensayos sobre el arte sacro contemporáneo, y el valor ético de la pintura mural es considerado el intelectual de arte. El trabajo viene de una importante colección de brescia. Se presenta en un marco.

La obra de Ugo Carrega

Vago en el pensamiento...,1990

Grabado y esmalte sobre madera. Firma y fecha en la parte posterior. El artista y el poeta, natural de Génova, pero activo principalmente en Milán, Carrega fue uno de los principales exponentes de la poesía visual, a pesar de que prediligesse el término "Nueva Escritura", una escritura experimental, que combina con signos de extracción son diferentes. Basado en 1965, la revista "Herramienta: cuadernos de escritura simbiótica",que es una forma de poesía experimental en la que actúan igualmente signos de diferente naturaleza, verbal, diseñadores gráficos y a la propuesta de trabajo es un ejemplo de una concepción del arte..

Pequeña escultura firmada Cantones (1946)

Escultura de bronce que representa el busto de una figura masculina en una base de madera recubierto de negro. De bronce, parcialmente dorada. Y. 117/120. Firma del autor incussa.

Pequeña escultura firmada Cantones

Escultura de bronce que representa busto femenino en la base de madera brillante color negro. Y. 110/120. La firma de la artista incussa.

Dibujo de Vladimir Velickovic

Sin título

Tinta sobre papel aplicado a panel de masonite.. Firmado y fechado 30 /3/1965 en la parte inferior izquierda de la página. Bocetos de las cabezas y los cuerpos humanos deformes. Nacido en Belgrado (Yugoslavia), y se graduó en Arquitectura en su ciudad, pronto se pasa a la pintura, la afirmación de sí mismo hasta el punto de convertirse en el representante de Yugoslavia en la Bienal de identificación de 1972 Venecia. Testigo en su propia infancia, de las atrocidades cometidas por los nazis en su país, y su pintura expresa el dolor y la violencia de estas memorias. la pintura de personas o animales (especialmente los ratones o perros), cuyos cuerpos se enfrentan con situaciones dramáticas y terroríficas, tratando de dejar "en primer lugar, una cicatriz" en la memoria del observador de su imagen.

Bernard Aubertin

Dessin de Feu (el pájaro de fuego), 2009

Técnica mixta sobre cartón. Aplicación de fósforos quemados en un pedazo de cartón, cubierto por la señal de la quema de la pintura. Pieza única, firmada y fechada en la parte inferior derecha. Aubertin es considerado el pintor "monocromo", que centró su investigación artística en el color rojo, como el fuego, la energía: a partir de 1958, comenzó a crear su famoso monocromo lienzos de color rojo, el llamado Tableaux-Feu (fuego final), creado con una variedad de artículos, los clavos (Tableau Clous), de alambre de hierro (Tableaux Fil de Fer), fósforos (Parcours d'Allumettes), y una variedad de materiales, de las velas, a las redes de hierro. En su metafísica de la pintura, a través de la red que pretende transponer en el lienzo de la energía del alma, el ser espiritual. A partir de los años '60 Aubertin, introdujo en su repertorio el fuego, la manifestación física de su color rojo. Producido tantas composiciones abstractas utilizando cerillas que, cuando se enciende, se creó una variación espontánea generada por la naturaleza de la llama. Entre los '80 y los '90, su producción artística, volvió a actuaciones en las que él mismo dio a las llamas los pianos y los automóviles, mientras que en los últimos años, el color rojo, el blanco y negro fue reemplazado por el blanco, negro y oro. El trabajo fue presentado en el marco.

Bernard Aubertin

Dessin de Feu (el pájaro de fuego), 2009

Técnica mixta sobre cartón. Aplicación de fósforos quemados en un pedazo de cartón, cubierto por la señal de la quema de la pintura. Pieza única, firmada y fechada en la parte inferior derecha. Aubertin es considerado el pintor "monocromo", que centró su investigación artística en el color rojo, como el fuego, la energía: a partir de 1958, comenzó a crear su famoso monocromo lienzos de color rojo, el llamado Tableaux-Feu (fuego final), creado con una variedad de artículos, los clavos (Tableau Clous), de alambre de hierro (Tableaux Fil de Fer), fósforos (Parcours d'Allumettes), y una variedad de materiales, de las velas, a las redes de hierro. En su metafísica de la pintura, a través de la red que pretende transponer en el lienzo de la energía del alma, el ser espiritual. A partir de los años '60 Aubertin, introdujo en su repertorio el fuego, la manifestación física de su color rojo. Producido tantas composiciones abstractas utilizando cerillas que, cuando se enciende, se creó una variación espontánea generada por la naturaleza de la llama. Entre los '80 y los '90, su producción artística, volvió a actuaciones en las que él mismo dio a las llamas los pianos y los automóviles, mientras que en los últimos años, el color rojo, el blanco y negro fue reemplazado por el blanco, negro y oro. El trabajo fue presentado en el marco.

Tapiz de Pablo Echaurren

Sin título

Tapiz. Firmado en la parte inferior derecha. Pintor ,dibujante y escritor italiano, nacido en Roma, pero el hijo de el arte del pintor surrealista chileno Roberto Matta, Pablo Echaurren da vida a una vasta producción desarrollados en el signo de la contaminación entre los géneros, entre el arte y las artes aplicadas, de acuerdo a un enfoque de diseño, manual y mental, típico de el laboratorio, de acuerdo con el concepto de que un artista es un inventor en todo el campo. La experiencia, por lo tanto, en la pintura, la cerámica, la ilustración, el cómic, la escritura, la de vídeo. La propuesta de trabajo, aún sin título, propone un naturalista de los sujetos, las mariposas en vuelo, las vistas, el estilo de la ilustración. El trabajo se presenta en un marco negro y labrado.

Bernard Aubertin

Dessin de feu,1974

Aplicación de fósforos quemados en un pedazo de cartón, de metal. En la parte de atrás hay una etiqueta de la Galería Centro de Brescia, con los datos de la obra y la firma del artista. Aubertin es considerado el pintor "monocromo", que centró su investigación artística en el color rojo, como el fuego, la energía: a partir de 1958, comenzó a crear su famoso monocromo lienzos de color rojo, el llamado Tableaux-Feu (fuego final), creado con una variedad de artículos, los clavos (Tableau Clous), de alambre de hierro (Tableaux Fil de Fer), fósforos (Parcours d'Allumettes), y una variedad de materiales, de las velas, a las redes de hierro. En su metafísica de la pintura, a través de la red que pretende transponer en el lienzo de la energía del alma, el ser espiritual. A partir de los años '60 Aubertin, introdujo en su repertorio el fuego, la manifestación física de su color rojo. Producido tantas composiciones abstractas utilizando cerillas que, cuando se enciende, se creó una variación espontánea generada por la naturaleza de la llama. Entre los '80 y los '90, su producción artística, volvió a actuaciones en las que él mismo dio a las llamas los pianos y los automóviles, mientras que en los últimos años, el color rojo, el blanco y negro fue reemplazado por el blanco, negro y oro. La obra se acompaña de Auténtico expedido por el Archivo de obras de Bernard Aubertin, Sin Almacenamiento DFEA47-1000237523.

Bernard Aubertin

Alvéoles,1990

Cartón pintado sobre la mesa. El cartón, pintadas de rojo, se trabajó para evocar las celdas de una colmena; se aplica a una tabla pintada de negro. A la parte trasera de la firma, el título y la fecha de la obra. Aubertin es considerado el pintor "monocromo", que centró su investigación artística en el color rojo, como el fuego, la energía: a partir de 1958, comenzó a crear su famoso monocromo lienzos de color rojo, el llamado Tableaux-Feu (fuego final), creado con una variedad de artículos, los clavos (Tableau Clous), de alambre de hierro (Tableaux Fil de Fer), fósforos (Parcours d'Allumettes), y una variedad de materiales, de las velas, a las redes de hierro. En su metafísica de la pintura, a través de la red que pretende transponer en el lienzo de la energía del alma, el ser espiritual. A partir de los años '60 Aubertin, introdujo en su repertorio el fuego, la manifestación física de su color rojo. Producido tantas composiciones abstractas utilizando cerillas que, cuando se enciende, se creó una variación espontánea generada por la naturaleza de la llama. Entre los '80 y los '90, su producción artística, volvió a actuaciones en las que él mismo dio a las llamas los pianos y los automóviles, mientras que en los últimos años, el color rojo, el blanco y negro fue reemplazado por el blanco, negro y oro. La obra se acompaña de auténtico expedido por el Archivo de obras, Benard Aubertin, N. Almacenamiento MAR09-1000230523

La escultura de François Thevenin y Sido

Formación arborea,1973

Escultura en metales, troquelado, forjada y soldada. Firma y fecha en la parte inferior izquierda de la página. François Thevenin fue un artista ecléctico y de múltiples facetas, que se expresa como un arquitecto, diseñador y poeta, pero sobre todo como escultor, a través de el uso de el material que él favorecida, la de bronce. En sus esculturas en bronce combinar el genio de la técnica y la inspiración poética. Trabajó muchos años en pareja con su esposa, Gisèle Sidoti, arte Sido.

Francesco Pogliaghi, Podría Ser Inaugurado

Composición abstracta

Técnica mixta sobre placa de metal (del piso al estante de metal). Un gran central inscripción "Naturaleza", aplicado al collage, está precedida por una carta del accidente cerebrovascular, que convierte a la palabra "Snature", y está rodeado por las palabras, pintado y grabado en color. Nació en Madrid y luego se mudó a menudo con su familia a lo largo de Europa, gracias a los nómadas de la familia de este joven pintor y un artista de la calle ha sido capaz de ponerse en contacto con el primer europeo manifestaciones de arte público. La reunión con el graffiti se remonta a 1996 y se cayó en el amor a primera vista: los jóvenes pogliaghi, podría ser inaugurado asiste a convenciones al entrar en el contacto con los más prestigiosos representantes, tanto italianos como extranjeros. Su graffiti evolucionar a partir de un año a otro, a desarrollar de forma gráfica y contaminar más y más de las producciones creativas de la artista. Pogliaghi, podría ser inaugurado, se involucra, sin embargo, con las más diversas técnicas expresivas, adquirir una amplia y un conocimiento específico del procesamiento de los materiales utilizados en su producción no son ilustraciones, escultura, obra del material, y los estudios de las estructuras, la metafísica, el color de los experimentos. Motivo dominante de sus producciones es siempre el signo urbano que hace de diseño: el signo, la caligrafía, la "etiqueta", de hecho, se convierte en una imagen, una figura, un dibujo, un concepto.

El Abrazo

Escultura de bronce

Gran fundición en bronce, mecanizado en ambos lados y montado en la estructura de madera a contraluz. Anónimo autor, la obra, a pesar de su sensualidad y el erotismo es delicado y equilibrado.

Panel Decorativo De Pared Metálica

Panel decorativo trabajado en metal, compuesto de varios elementos soldados que son, en efecto, una especie de pino cubierto por las nubes, y una serie de círculos concéntricos que se irradian a partir de la figura. El trabajo es una reminiscencia en el estilo de la producción de la artista Max Neufeldt artista de California, conocido por sus esculturas de metal hecha con la técnica de collage de piezas soldadas, a menudo combinado con otros materiales.

El paisaje de Carlo Aimetti

La pequeña casa roja (Valle Intelvi), 1969

El aceite en la madera contrachapada. Firmado en la parte inferior derecha. Para volver más esta firma, fecha y título de la obra. Un nativo de la provincia de Varea, Carlo Aimetti es principalmente dedicado al paisaje , la pintura con el personal técnico, jardines, parques, montañas, mares, lagos, En particular, es una reminiscencia de su producción dedicada a los paisajes de su natal Valle, el Lago y el Valle de Intelvi. En el marco.

La escultura de Paul Wunderlich

Langosta,1983

La escultura en bronce y vidrio. Esta firma del artista en el centro de la parte inferior. LA etiqueta de la parte posterior de la edición Rosenthal "Jahresobjekt en glass" ,de 1983, serie limitada, no.529/1000. L Wunderlich Profesor de técnicas gráficas, en particular, la litografía, y grabados, en las más importantes academias de arte en alemania y en París,desde 1980, la mayoría concentrados en la escultura; en particular, es bien conocido por las obras de el tema de lo erótico y lo surrealista, en un segundo periodo, orienta su producción hacia el realismo mágico, del cual se convirtió en un importante representante. El trabajo se aplica a la placa original de madera negro.

La figura de Saverio Terruso

Terremoto

Témpera sobre papel. En la parte de atrás está la firma de la artista, con el título y una dedicación. Saverio Terruso, un pintor del temperamento, de la esencia del mediterráneo, vinculado culturalmente y emocionalmente a sus tierras de origen, Sicilia, cuenta entre su producción de una amplia gama de trabajos que ellos quieren transmitir la autenticidad y el encanto de un mundo rural que se encuentra ahora en el punto de desaparecer por completo; en su mayoría son representados por los personajes de los agricultores de las zonas rurales " con coppola, en el trabajo o en un restaurante, o las mujeres melancolía encerrados en sus mantones de manila, y las curvas acerca de sus actividades diarias en el hogar, o los protagonistas de las procesiones. Su pintura se caracteriza por los tonos más dramáticos, con fuertes tensiones de deformación y con colores muy brillantes y en ocasiones contradictorias. El diseño de la propuesta expresa la intensidad dramática, tanto en los colores y en las formas, con la intención de invocar la fuerte emoción del trágico suceso al que se refiere. Presentado en el marco.