Serigrafía de Luca Alinari

Billar 1990

Serigrafía sobre papel. Firmado abajo a la derecha; número de serie 57/125 abajo a la izquierda. El artista florentino Luca Alinari ha desarrollado su producción artística, tanto pictórica y gráfica, en una búsqueda cerca de la combinación libre de objetos y figuras dentro de atmósferas fantásticas y suspendidos, por sugerencia de la investigación Neodadaísmo y Pop Art. Técnicas de pintura, en la que se colores fluorescentes combinados, calcomanía, collage, transposiciones fotográficas. Ha expuesto en toda Italia y en todo el mundo. La obra se presenta en un marco.

Xavier Bueno

Chicas

Óleo sobre lienzo cartón. Firmado en la parte inferior izquierda. Tras su infancia en España, su país natal, Ginebra y París, en 1940 Xavier Bueno se trasladó a Italia, en Fiesole, donde se unió a su hermano Antonio, Pietro Annigoni y Gregorio Sciltian. al grupo de "Pintores Modernos de la Realidad", cuyo manifiesto proponía una observación "objetiva" de la verdad, de la naturaleza y su fiel reproducción posible. La experiencia de la guerra civil española primero y luego la italiana orientó cada vez más al artista hacia un realismo ligado a razones de fuerte contenido social. 1953 supuso un importante punto de inflexión en la carrera de Xavier: fue el año de la adhesión explícita a la poética del realismo socialista, adhesión que llegó después de un itinerario personal que lo vio practicar la pintura "comprometida" desde la preguerra, con un claro avance. arte de la izquierda italiana. Otra etapa fundamental en la carrera de Xavier fue el viaje a Brasil en 1954: el artista regresó de esta experiencia lleno de entusiasmo y con una serie de tintas cuyos principales protagonistas son niños, adolescentes, obreros. A partir de este momento, el tema de la infancia se volvió cada vez más recurrente, poco a poco los personajes fueron retratados inmóviles, en una especie de niebla irreal, desprovista de profundidad, de rigor de perspectiva, en la que emergen como evocados. El trabajo aquí presentado pertenece a esta producción. Entre 1959 y 1964 Xavier creó el ciclo de "Niños", imágenes sufrientes y melancólicas obras simbólicas de una humanidad humillada y oprimida, que el artista presentó en la exposición "España libre". Su técnica también sufrió una evolución, que le llevó a buscar un espesamiento del material, espesado por la adición de arena a la pintura; el uso del collage, ya experimentado por él en naturalezas muertas, se hizo patente también en el campo del retrato figurativo. El material de sus pinturas llegó a ser tal que las definió como "fresco sobre lienzo". Obra presentada en marco.

Giuseppe Ajmone

Movimiento,1982

Óleo sobre lienzo. Firmado en la parte inferior derecha. La parte de atrás contó con el título y la firma. Giuseppe Ajmone, artista de la Valsesia y se formó en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, fue uno de los firmantes del Manifiesto del Realismo en 1946. Además de los bodegones y paisajes, dominante en su primer periodo artístico, Ajmone usted está interesado en la tendencia de los desnudos que caracterizan a una gran parte de su producción artística realizada por los mediados de los años Sesenta hasta el presente. En el marco.

Giuseppe Ajmone

Desnudo,1964

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo derecha; título, una fecha posterior a la espalda. Giuseppe Ajmone, artista de la Valsesia y se formó en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, fue uno de los firmantes del Manifiesto del Realismo en 1946. Además de los bodegones y paisajes, dominante en su primer periodo artístico, Ajmone usted está interesado en la tendencia de los desnudos que caracterizan a una gran parte de su producción artística realizada por los mediados de los años Sesenta hasta el presente. En el marco.

Otto Gutfreund,la escultura en arcilla

Busto femenino

La escultura en arcilla. Firmado en la parte inferior de la espalda. Otto Gutfreund fue el escultor checo-checoslovaco que, después de estudiar arte en Praga y París, se hizo famoso en los años '10 para sus esculturas en el estilo cubista. Después de haber visto el servicio activo en la primera guerra mundial, pasó a un estilo más realista,después de la fase de "retorno al orden" después de la guerra, que caracteriza a las artes. Sus esculturas, principalmente en bronce, se utiliza, sin embargo, también el uso de la arcilla y la cerámica.

La obra de Ugo Carrega

Vago en el pensamiento...,1990

Grabado y esmalte sobre madera. Firma y fecha en la parte posterior. El artista y el poeta, natural de Génova, pero activo principalmente en Milán, Carrega fue uno de los principales exponentes de la poesía visual, a pesar de que prediligesse el término "Nueva Escritura", una escritura experimental, que combina con signos de extracción son diferentes. Basado en 1965, la revista "Herramienta: cuadernos de escritura simbiótica",que es una forma de poesía experimental en la que actúan igualmente signos de diferente naturaleza, verbal, diseñadores gráficos y a la propuesta de trabajo es un ejemplo de una concepción del arte..

Pequeña escultura firmada Cantones (1946)

Escultura de bronce que representa el busto de una figura masculina en una base de madera recubierto de negro. De bronce, parcialmente dorada. Y. 117/120. Firma del autor incussa.

Dibujo de Vladimir Velickovic

Sin título

Tinta sobre papel aplicado a panel de masonite.. Firmado y fechado 30 /3/1965 en la parte inferior izquierda de la página. Bocetos de las cabezas y los cuerpos humanos deformes. Nacido en Belgrado (Yugoslavia), y se graduó en Arquitectura en su ciudad, pronto se pasa a la pintura, la afirmación de sí mismo hasta el punto de convertirse en el representante de Yugoslavia en la Bienal de identificación de 1972 Venecia. Testigo en su propia infancia, de las atrocidades cometidas por los nazis en su país, y su pintura expresa el dolor y la violencia de estas memorias. la pintura de personas o animales (especialmente los ratones o perros), cuyos cuerpos se enfrentan con situaciones dramáticas y terroríficas, tratando de dejar "en primer lugar, una cicatriz" en la memoria del observador de su imagen.

Bernard Aubertin

Dessin de feu,1974

Aplicación de fósforos quemados en un pedazo de cartón, de metal. En la parte de atrás hay una etiqueta de la Galería Centro de Brescia, con los datos de la obra y la firma del artista. Aubertin es considerado el pintor "monocromo", que centró su investigación artística en el color rojo, como el fuego, la energía: a partir de 1958, comenzó a crear su famoso monocromo lienzos de color rojo, el llamado Tableaux-Feu (fuego final), creado con una variedad de artículos, los clavos (Tableau Clous), de alambre de hierro (Tableaux Fil de Fer), fósforos (Parcours d'Allumettes), y una variedad de materiales, de las velas, a las redes de hierro. En su metafísica de la pintura, a través de la red que pretende transponer en el lienzo de la energía del alma, el ser espiritual. A partir de los años '60 Aubertin, introdujo en su repertorio el fuego, la manifestación física de su color rojo. Producido tantas composiciones abstractas utilizando cerillas que, cuando se enciende, se creó una variación espontánea generada por la naturaleza de la llama. Entre los '80 y los '90, su producción artística, volvió a actuaciones en las que él mismo dio a las llamas los pianos y los automóviles, mientras que en los últimos años, el color rojo, el blanco y negro fue reemplazado por el blanco, negro y oro. La obra se acompaña de Auténtico expedido por el Archivo de obras de Bernard Aubertin, Sin Almacenamiento DFEA47-1000237523.

La figura de Saverio Terruso

Terremoto

Témpera sobre papel. En la parte de atrás está la firma de la artista, con el título y una dedicación. Saverio Terruso, un pintor del temperamento, de la esencia del mediterráneo, vinculado culturalmente y emocionalmente a sus tierras de origen, Sicilia, cuenta entre su producción de una amplia gama de trabajos que ellos quieren transmitir la autenticidad y el encanto de un mundo rural que se encuentra ahora en el punto de desaparecer por completo; en su mayoría son representados por los personajes de los agricultores de las zonas rurales " con coppola, en el trabajo o en un restaurante, o las mujeres melancolía encerrados en sus mantones de manila, y las curvas acerca de sus actividades diarias en el hogar, o los protagonistas de las procesiones. Su pintura se caracteriza por los tonos más dramáticos, con fuertes tensiones de deformación y con colores muy brillantes y en ocasiones contradictorias. El diseño de la propuesta expresa la intensidad dramática, tanto en los colores y en las formas, con la intención de invocar la fuerte emoción del trágico suceso al que se refiere. Presentado en el marco.

Diseño de Gianni Colombo

Tinta sobre papel de plata. Firmado en la parte inferior derecha. El trabajo es acompañado por la auténtica fotos (recto y verso), emitido por la Comisión de Arte de la Gianni Colombo Archivo (Auténtico Nº 1333), que coloca el trabajo en la serie de obra gráfica "sin título", realizada por el artista aproximadamente alrededor de 1970. Gianni Colombo nació en Milán y se formó en la Academia de Bellas Artes de Brera, ha experimentado desde una edad temprana, los materiales, y diferentes idiomas, desde la cerámica a los gráficos, de la fotografía al cine; en 1959, fue uno de los fundadores del Grupo T cuyos eventos colectivos y personales teníamos un programa destinado a la recuperación de los temas de las vanguardias históricas, en particular, los futuristas, dadaístas y constructivistas), elaborados en función de los experimentos y de la investigación artística es más reciente, con el objetivo de la abolición de todas las fronteras, estática, entre la pintura, la escultura y la arquitectura. Por los años '60 experimentó con su primer cinética de las obras, en el que para superar la tradicional concepción de una obra de arte, se ha experimentado con nuevas estructuras de la percepción, a través del juego de la luz, a través del plexiglás, proyecciones de luz en los espejos colocados en la vibración, las formas y los movimientos de la virtual aparente, estructuras móviles, hasta la creación de entornos habitables, entre las cuales la más famosa es la elástica del Espacio, que representa el mayor resultado de su fase cinevisuale. La propuesta de trabajo que se presenta en el marco.

Fotopittura de Marco Nereo Rotelli

Sin título,1990

Vidrio pintado en un cuadro. Firmado y fechado en la parte de atrás. Acompañado por la auténtica fotos con el sello de el atelier, la firma del artista y la fecha. Marco Nereo Rotelli es un pintor y un escultor veneciano que crea sus obras entre filósofos, músicos, fotógrafos, y, sobre todo, por la interacción con el poema que, con el tiempo, se ha convertido en una referencia constante para su trabajo, que persigue fundamentalmente un trabajo de investigación sobre la luz y la dimensión poética. Ha realizado o participado en la creación de grandes instalaciones, tanto en Italia como en el extranjero.