Giannetto Fieschi

El hijo pródigo,1968

Técnica mixta sobre lienzo. Firmado en la parte superior, con la firma roto en dos, el incipit en la esquina superior derecha, la última de las letras de la izquierda. En la parte de atrás presentar otra firma, la fecha y el título de la obra; de este modo también la etiqueta de la Galleria d'arte 32, Milano. La escena se refiere a la parábola del hijo pródigo, también conocido como el Padre misericordioso. Giannetto Fieschi, pintor italiano de origen noble, nacido en la Val Brembana, pero él sacó su formación artística en Génova, se llevó a cabo, durante sus largas estancias en el extranjero (París, Barcelona, Nueva York), los estudios de semántica de gráficos. Después de un temprano informal-espacio se ha recuperado el elemento figurativo, anticipando las tendencias del pop art. En sus composiciones, presenta fuertes sugerencias surrealista signo de la decadencia y a la poesía escatológica-simbólico, que trata con temas que van desde la violencia, el conocimiento y el eros. Está ocupado toda forma de arte , incluyendo el correo del arte, la caligrafía, es el autor de libros de dibujos y ensayos sobre el arte sacro contemporáneo, y el valor ético de la pintura mural es considerado el intelectual de arte. El trabajo viene de una importante colección de brescia. Se presenta en un marco.

La composición de Giannetto Fieschi

El idealismo,1966

Técnica mixta sobre lienzo. Firmado en la parte superior derecha. En la parte inferior derecha de esta dedicación, y la fecha de 1966. En la parte de atrás del título. Giannetto Fieschi, pintor italiano de origen noble, nacido en la Val Brembana, pero él sacó su formación artística en Génova, se llevó a cabo, durante sus largas estancias en el extranjero (París, Barcelona, Nueva York), los estudios de semántica de gráficos. Después de un temprano informal-espacio se ha recuperado el elemento figurativo, anticipando las tendencias del pop art. En sus composiciones, presenta fuertes sugerencias surrealista signo de la decadencia y a la poesía escatológica-simbólico, que trata con temas que van desde la violencia, el conocimiento y el eros. Está ocupado toda forma de arte , incluyendo el correo del arte, la caligrafía, es el autor de libros de dibujos y ensayos sobre el arte sacro contemporáneo, y el valor ético de la pintura mural es considerado el intelectual de arte. El trabajo viene de una importante colección de brescia. Se presenta en un marco.

I Ketut Días

Composición de animales exóticos, 1972

Óleo sobre lienzo. La firma, ubicación Penestanan Kelod y fecha '72 en la parte inferior derecha. Gran coral de la composición de una amplia variedad de animales exóticos, típico del hábitat en indonesia. I Ketut Días es uno de los artistas más populares de la animada escena de Penestanan Kelod, pueblo de la isla de Bali, conocida desde la década de 1930 como un pueblo de artistas en el restaurante, Walter Mentiras. Días, capaz de combinar los colores brillantes en las escenas que describen la vida cotidiana y tradicional de su pueblo, se caracteriza por la ausencia en los rostros de sus figuras de detalles anatómicos. Ha expuesto en varios museos, incluyendo el Museo de Arte Moderno de San Francisco (1964), el Museo Nacional de Singapur (1970), el Museo de Arte de Singapur (1994) y el Museo Nacional, en Yakarta (1995). El trabajo en el marco. Hay una lágrima en el borde izquierdo. Algunos pérdida de color de la propagación.

Giannetto Fieschi

Trabajo,1967

Técnica mixta sobre lienzo. Firmado en la parte superior, con la firma de al revés. EN la parte de atrás presentar otra firma, fecha y título de la obra; también hay sellos de Galleria San Michele, Brescia y Interarte Galería, Génova. Giannetto Fieschi, pintor italiano de origen noble, nacido en la Val Brembana, pero él sacó su formación artística en Génova, se llevó a cabo, durante sus largas estancias en el extranjero (París, Barcelona, Nueva York), los estudios de semántica de gráficos. Después de un temprano informal-espacio se ha recuperado el elemento figurativo, anticipando las tendencias del pop art. En sus composiciones, presenta fuertes sugerencias surrealista signo de la decadencia y a la poesía escatológica-simbólico, que trata con temas que van desde la violencia, el conocimiento y el eros. Está ocupado toda forma de arte , incluyendo el correo del arte, la caligrafía, es el autor de libros de dibujos y ensayos sobre el arte sacro contemporáneo, y el valor ético de la pintura mural es considerado el intelectual de arte. El trabajo viene de una importante colección de brescia. Se presenta en un marco.

La obra de Ugo Carrega

Vago en el pensamiento...,1990

Grabado y esmalte sobre madera. Firma y fecha en la parte posterior. El artista y el poeta, natural de Génova, pero activo principalmente en Milán, Carrega fue uno de los principales exponentes de la poesía visual, a pesar de que prediligesse el término "Nueva Escritura", una escritura experimental, que combina con signos de extracción son diferentes. Basado en 1965, la revista "Herramienta: cuadernos de escritura simbiótica",que es una forma de poesía experimental en la que actúan igualmente signos de diferente naturaleza, verbal, diseñadores gráficos y a la propuesta de trabajo es un ejemplo de una concepción del arte..

Franco Rognoni, El payaso

Franco Rognoni, El payaso. Óleo sobre cartón, firmado y fechado en la parte inferior derecha. En la parte de atrás símbolo numérico en lápiz.

Pequeña escultura firmada Cantones (1946)

Escultura de bronce que representa el busto de una figura masculina en una base de madera recubierto de negro. De bronce, parcialmente dorada. Y. 117/120. Firma del autor incussa.

Pequeña escultura firmada Cantones

Escultura de bronce que representa busto femenino en la base de madera brillante color negro. Y. 110/120. La firma de la artista incussa.

Renzo Nucara

Aire,1978

Acrílico y tinta sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior derecha. Para presentar otra firma,fecha, título, y la técnica, así como también el sello de la Galleria d'arte de Bérgamo. Renzo Nucara, el artista de la Crema que se forma en la Accademia di Brera, es uno de los cinco fundadores, en 1993, de las Grietas Grupo de Arte, el grupo de arte de vanguardia que elige como una cuestión de elección, el plástico, el vehículo del compromiso ecológico y el social. Su primera producción, más tradicional, consiste en los años '80, en torno al tema de la Agenda: las emociones, las sensaciones, los" eventos del día " se han escrito de el jet en el lienzo, con frases a menudo de lo contrario, o fragmentado, debido a que intencionalmente se coloca en el espacio entre el explícito y el oculto. Pertenece a este periodo, el trabajo que aquí se presenta. En los años siguientes a la escritura se hace cargo, la tridimensionalidad y entran en juego nuevos materiales - madera, objetos encontrados, películas transparentes. Toda su obra artística se centra en la búsqueda de nuevas formas de expresión mediada por los materiales que son siempre nuevos, el último de los cuales, el plexiglás.

Antonio Stagnoli

La cara

Técnica mixta sobre lienzo de la junta. Firmado en la parte inferior izquierda de la página. La cara de una figura popular, fuertemente marcada por la edad y la vida, que parece ser un payaso. Antonio Stagnoli fue un pintor de origen de brescia, pero que se formó artísticamente en Milán. Tuvo una infancia de sufrir una discapacidad y una condición difícil de la familia, lo que le llevó a vivir desde que él era pequeño en el Pio Istituto Pavoni de Brescia; él era el director de este Instituto, que él descubrió y que quería ayudar a su habilidad en la pintura, el envío de Milán, en la Academia de Brera de arte. Aquí, incluso en las dificultades económicas de la vida cotidiana, compensado por la venta de sus primeras pinturas, Antonio Stagnoli fue capaz de ponerse en contacto con los protagonistas de la Nueva Figuración en italia, lo que dejará una huella en su producción. Regresó a Brescia en la final de la Academia, el pintor mantuvo en el Instituto hasta la edad de cuarenta y cinco años, a partir, sin embargo, para exponer en el primer locales de espectáculos y conseguir notado por los críticos. A partir de la siguiente década fue una sucesión de presencias decisivo, Milán, Venecia, Roma, sino también en el extranjero. Sus temas recurrentes son aquellos relacionados con el medio rural y el territorio montañoso de Bagolino (país de navidad), representado con una original capacidad para interpretar. El trabajo fue presentado en el marco.

Dibujo de Vladimir Velickovic

Sin título

Tinta sobre papel aplicado a panel de masonite.. Firmado y fechado 30 /3/1965 en la parte inferior izquierda de la página. Bocetos de las cabezas y los cuerpos humanos deformes. Nacido en Belgrado (Yugoslavia), y se graduó en Arquitectura en su ciudad, pronto se pasa a la pintura, la afirmación de sí mismo hasta el punto de convertirse en el representante de Yugoslavia en la Bienal de identificación de 1972 Venecia. Testigo en su propia infancia, de las atrocidades cometidas por los nazis en su país, y su pintura expresa el dolor y la violencia de estas memorias. la pintura de personas o animales (especialmente los ratones o perros), cuyos cuerpos se enfrentan con situaciones dramáticas y terroríficas, tratando de dejar "en primer lugar, una cicatriz" en la memoria del observador de su imagen.

Cioni Carpi

"3 nD",1971

Óleo sobre lienzo. En la parte de atrás está la firma; el frame de la firma, la fecha y el título completo de ""3 nD",modulada por las líneas". Cioni Carpi, artista de milán, comprometidos con el arte conceptual y minimalista, que produjo obras en las que la imaginación, la sensibilidad, la creatividad y expresivos fueron fundamentales. El trabajo en el marco.

Bernard Aubertin

Dessin de Feu (el pájaro de fuego), 2009

Técnica mixta sobre cartón. Aplicación de fósforos quemados en un pedazo de cartón, cubierto por la señal de la quema de la pintura. Pieza única, firmada y fechada en la parte inferior derecha. Aubertin es considerado el pintor "monocromo", que centró su investigación artística en el color rojo, como el fuego, la energía: a partir de 1958, comenzó a crear su famoso monocromo lienzos de color rojo, el llamado Tableaux-Feu (fuego final), creado con una variedad de artículos, los clavos (Tableau Clous), de alambre de hierro (Tableaux Fil de Fer), fósforos (Parcours d'Allumettes), y una variedad de materiales, de las velas, a las redes de hierro. En su metafísica de la pintura, a través de la red que pretende transponer en el lienzo de la energía del alma, el ser espiritual. A partir de los años '60 Aubertin, introdujo en su repertorio el fuego, la manifestación física de su color rojo. Producido tantas composiciones abstractas utilizando cerillas que, cuando se enciende, se creó una variación espontánea generada por la naturaleza de la llama. Entre los '80 y los '90, su producción artística, volvió a actuaciones en las que él mismo dio a las llamas los pianos y los automóviles, mientras que en los últimos años, el color rojo, el blanco y negro fue reemplazado por el blanco, negro y oro. El trabajo fue presentado en el marco.

Bernard Aubertin

Dessin de Feu (el pájaro de fuego), 2009

Técnica mixta sobre cartón. Aplicación de fósforos quemados en un pedazo de cartón, cubierto por la señal de la quema de la pintura. Pieza única, firmada y fechada en la parte inferior derecha. Aubertin es considerado el pintor "monocromo", que centró su investigación artística en el color rojo, como el fuego, la energía: a partir de 1958, comenzó a crear su famoso monocromo lienzos de color rojo, el llamado Tableaux-Feu (fuego final), creado con una variedad de artículos, los clavos (Tableau Clous), de alambre de hierro (Tableaux Fil de Fer), fósforos (Parcours d'Allumettes), y una variedad de materiales, de las velas, a las redes de hierro. En su metafísica de la pintura, a través de la red que pretende transponer en el lienzo de la energía del alma, el ser espiritual. A partir de los años '60 Aubertin, introdujo en su repertorio el fuego, la manifestación física de su color rojo. Producido tantas composiciones abstractas utilizando cerillas que, cuando se enciende, se creó una variación espontánea generada por la naturaleza de la llama. Entre los '80 y los '90, su producción artística, volvió a actuaciones en las que él mismo dio a las llamas los pianos y los automóviles, mientras que en los últimos años, el color rojo, el blanco y negro fue reemplazado por el blanco, negro y oro. El trabajo fue presentado en el marco.

Bernard Aubertin

Dessin de feu,1974

Aplicación de fósforos quemados en un pedazo de cartón, de metal. En la parte de atrás hay una etiqueta de la Galería Centro de Brescia, con los datos de la obra y la firma del artista. Aubertin es considerado el pintor "monocromo", que centró su investigación artística en el color rojo, como el fuego, la energía: a partir de 1958, comenzó a crear su famoso monocromo lienzos de color rojo, el llamado Tableaux-Feu (fuego final), creado con una variedad de artículos, los clavos (Tableau Clous), de alambre de hierro (Tableaux Fil de Fer), fósforos (Parcours d'Allumettes), y una variedad de materiales, de las velas, a las redes de hierro. En su metafísica de la pintura, a través de la red que pretende transponer en el lienzo de la energía del alma, el ser espiritual. A partir de los años '60 Aubertin, introdujo en su repertorio el fuego, la manifestación física de su color rojo. Producido tantas composiciones abstractas utilizando cerillas que, cuando se enciende, se creó una variación espontánea generada por la naturaleza de la llama. Entre los '80 y los '90, su producción artística, volvió a actuaciones en las que él mismo dio a las llamas los pianos y los automóviles, mientras que en los últimos años, el color rojo, el blanco y negro fue reemplazado por el blanco, negro y oro. La obra se acompaña de Auténtico expedido por el Archivo de obras de Bernard Aubertin, Sin Almacenamiento DFEA47-1000237523.

Tapiz de Pablo Echaurren

Sin título

Tapiz. Firmado en la parte inferior derecha. Pintor ,dibujante y escritor italiano, nacido en Roma, pero el hijo de el arte del pintor surrealista chileno Roberto Matta, Pablo Echaurren da vida a una vasta producción desarrollados en el signo de la contaminación entre los géneros, entre el arte y las artes aplicadas, de acuerdo a un enfoque de diseño, manual y mental, típico de el laboratorio, de acuerdo con el concepto de que un artista es un inventor en todo el campo. La experiencia, por lo tanto, en la pintura, la cerámica, la ilustración, el cómic, la escritura, la de vídeo. La propuesta de trabajo, aún sin título, propone un naturalista de los sujetos, las mariposas en vuelo, las vistas, el estilo de la ilustración. El trabajo se presenta en un marco negro y labrado.

Bernard Aubertin

Alvéoles,1990

Cartón pintado sobre la mesa. El cartón, pintadas de rojo, se trabajó para evocar las celdas de una colmena; se aplica a una tabla pintada de negro. A la parte trasera de la firma, el título y la fecha de la obra. Aubertin es considerado el pintor "monocromo", que centró su investigación artística en el color rojo, como el fuego, la energía: a partir de 1958, comenzó a crear su famoso monocromo lienzos de color rojo, el llamado Tableaux-Feu (fuego final), creado con una variedad de artículos, los clavos (Tableau Clous), de alambre de hierro (Tableaux Fil de Fer), fósforos (Parcours d'Allumettes), y una variedad de materiales, de las velas, a las redes de hierro. En su metafísica de la pintura, a través de la red que pretende transponer en el lienzo de la energía del alma, el ser espiritual. A partir de los años '60 Aubertin, introdujo en su repertorio el fuego, la manifestación física de su color rojo. Producido tantas composiciones abstractas utilizando cerillas que, cuando se enciende, se creó una variación espontánea generada por la naturaleza de la llama. Entre los '80 y los '90, su producción artística, volvió a actuaciones en las que él mismo dio a las llamas los pianos y los automóviles, mientras que en los últimos años, el color rojo, el blanco y negro fue reemplazado por el blanco, negro y oro. La obra se acompaña de auténtico expedido por el Archivo de obras, Benard Aubertin, N. Almacenamiento MAR09-1000230523

La obra de Paolo Masi

Sin título, el de los '90

Esmaltes en madera. Firma y fecha en la parte posterior. Paolo Masi nació en Florencia, a partir de los años Cincuenta, participa en la elaboración de la nueva experimentales tendencias artísticas en su ciudad se caracteriza, con una fractura profunda y nunca más rimarginabile vis-à-vis el pasado como la liberación de las reglas del formalismo y el academicismo que se persigue con la intensidad y consistencia. La Masi va de las primeras experiencias de la pintura informal y el arte abstracto en términos concretos a cualquier otro articulado, complejas y diversas técnicas, el lenguaje. Su intensa actividad de los premios, tanto en Italia como en el extranjero.

Francesco Pogliaghi, Podría Ser Inaugurado

Composición abstracta

Técnica mixta sobre placa de metal (del piso al estante de metal). Un gran central inscripción "Naturaleza", aplicado al collage, está precedida por una carta del accidente cerebrovascular, que convierte a la palabra "Snature", y está rodeado por las palabras, pintado y grabado en color. Nació en Madrid y luego se mudó a menudo con su familia a lo largo de Europa, gracias a los nómadas de la familia de este joven pintor y un artista de la calle ha sido capaz de ponerse en contacto con el primer europeo manifestaciones de arte público. La reunión con el graffiti se remonta a 1996 y se cayó en el amor a primera vista: los jóvenes pogliaghi, podría ser inaugurado asiste a convenciones al entrar en el contacto con los más prestigiosos representantes, tanto italianos como extranjeros. Su graffiti evolucionar a partir de un año a otro, a desarrollar de forma gráfica y contaminar más y más de las producciones creativas de la artista. Pogliaghi, podría ser inaugurado, se involucra, sin embargo, con las más diversas técnicas expresivas, adquirir una amplia y un conocimiento específico del procesamiento de los materiales utilizados en su producción no son ilustraciones, escultura, obra del material, y los estudios de las estructuras, la metafísica, el color de los experimentos. Motivo dominante de sus producciones es siempre el signo urbano que hace de diseño: el signo, la caligrafía, la "etiqueta", de hecho, se convierte en una imagen, una figura, un dibujo, un concepto.

La escultura en Metal

En el estilo de Tomonori Toyofuku

La fundición en metal. La original estructura del resumen de la obra -una razón para ovoide repetido en infinidad de variantes - se refiere al estilo del escultor y diseñador japonés Tomonori Toyofuku, cuyas obras se encuentran en importantes colecciones públicas y privadas en el mundo, desde el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio, en la Albright-Knox Art Gallery en Buffalo y en la Galleria d'arte Moderna de Roma. Se dedicó a la creación de grandes monumentos públicos y de la joyería, la creación de la que tomó el patrimonio artístico de la hija, Natsuko, cuyo taller está todavía activo en Milán. Toyofuku se trasladó en 1960 en Milán, donde permaneció durante más de cuarenta años, antes de regresar a Japón.