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Diseño de Gianni Colombo
ARTCON0000687

Diseño de Gianni Colombo

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Diseño de Gianni Colombo

Tinta sobre papel de plata. Firmado en la parte inferior derecha. El trabajo es acompañado por la auténtica fotos (recto y verso), emitido por la Comisión de Arte de la Gianni Colombo Archivo (Auténtico Nº 1333), que coloca el trabajo en la serie de obra gráfica "sin título", realizada por el artista aproximadamente alrededor de 1970. Gianni Colombo nació en Milán y se formó en la Academia de Bellas Artes de Brera, ha experimentado desde una edad temprana, los materiales, y diferentes idiomas, desde la cerámica a los gráficos, de la fotografía al cine; en 1959, fue uno de los fundadores del Grupo T cuyos eventos colectivos y personales teníamos un programa destinado a la recuperación de los temas de las vanguardias históricas, en particular, los futuristas, dadaístas y constructivistas), elaborados en función de los experimentos y de la investigación artística es más reciente, con el objetivo de la abolición de todas las fronteras, estática, entre la pintura, la escultura y la arquitectura. Por los años '60 experimentó con su primer cinética de las obras, en el que para superar la tradicional concepción de una obra de arte, se ha experimentado con nuevas estructuras de la percepción, a través del juego de la luz, a través del plexiglás, proyecciones de luz en los espejos colocados en la vibración, las formas y los movimientos de la virtual aparente, estructuras móviles, hasta la creación de entornos habitables, entre las cuales la más famosa es la elástica del Espacio, que representa el mayor resultado de su fase cinevisuale. La propuesta de trabajo que se presenta en el marco.

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Litografía de Andy Warhol
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ARARCO0106150

Litografía de Andy Warhol

Señoras y señores 1975

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Litografía de Andy Warhol

Señoras y señores 1975

Serigrafía a color sobre papel. Firmado abajo a la derecha. En el reverso hay un sello con el número de serie 133/150, citando "Andy Warhol. Del Manifiesto para la exposición en los" Diamantes "de Ferrara 1975. Edición especial. Edición limitada". El portafolio de serigrafías firmadas creado en 1975 por Andy Warhol, titulado Ladies and Gentlemen, es una serie de 10 lienzos realizados en una edición limitada de 150 ejemplares, por sugerencia del editor italiano Luciano Anselmino. Los protagonistas de esta serie son los rostros desconocidos de las drag queens afroamericanas. Warhol retrata sus rostros llenos de expresividad y provocación del cuello hacia arriba; los trazos amplios de color no respetan los perfiles de las figuras, más allá de las curvas de nivel, reflejan la transgresión de los personajes. En realidad, Wharol pretende plasmar con su polaroid la combinación de pompa y soledad de estas personalidades, entre la inocencia de una tierna niña y la confianza de un hombre viril. La exposición en el Palazzo dei Diamanti de Ferrara fue la primera presentación exclusiva de esta serie, pero también la primera vez que Wharol presentó obras en las que ya no inmortalizaba las estrellas, sino los desconocidos, los rostros de la calle, los "diferentes" de Noches de Nueva York. La obra se presenta en un marco.

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El trabajo de Arman
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ARTCON0000756

El trabajo de Arman

10000 Cendrillons

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El trabajo de Arman

10000 Cendrillons

Técnica mixta sobre lienzo. Armand Fernandez, alias Arman, nació en Niza en 1928. Es recordado como uno de los exponentes más significativos e influyentes del movimiento artístico “Nouveau Réalisme”, la decadencia europea del New Dada americano. El Nouveau Réalisme se desarrolló en la década de 1960 en Francia en torno a la figura del crítico Pierre Restany. Representa una forma de hacer arte anticonvencional, que retoma muchos aspectos de las vanguardias de principios de siglo, como la relegación de la pintura y la escultura a técnicas de segundo orden. Por otro lado, se da valor artístico a los objetos de uso común, pertenecientes a la esfera cotidiana, que se presentan en las obras exactamente en su objetividad, sin la acción descontextualizadora que caracterizaba al ready-mades de Duchamp. La posguerra, caracterizada por cambios radicales desde el punto de vista social y económico, está representada por los exponentes del Nouveau Réalisme de manera provocativa y crítica a través de sus productos: objetos sobreabundantes, residuos, residuos inconvenientes, etc. Cada artista expresa esta filosofía de forma personal y original; Arman es conocido por sus acumulaciones rayanas en lo obsesivo. Su trabajo parte de las calles, donde recoge lo que se tira, se olvida. Los objetos en desuso, lo que se considera basura, se convierten en protagonistas de sus "esculturas", induciendo al público a reflexionar sobre las implicaciones de la sociedad de consumo. La obra en cuestión es una composición irónica titulada 10000 Cendrillons o 10000 Cinderella. Consta de seis pares de zapatos Prada cortados por la mitad, montados en lona y cubiertos de charol. La obra es conceptual y su interpretación está vinculada a la comprensión de la filosofía del artista y del período histórico en el que trabajó. Representa una visión personal y crítica, iluminada por el título burlón, del consumismo desenfrenado. Arman lleva a cabo la “profanación” de un objeto, el zapato de Prada, que se considera un simulacro en el mundo de la moda, un objeto de deseo. Con su trabajo demuestra cómo básicamente, un zapato de diseñador al que atribuimos el valor de un símbolo de estatus, no es más que un zapato y en definitiva un simple objeto que, como cualquier otro, se convertirá en un desperdicio. El trabajo proviene del estudio del artista en Nueva York y está autenticado por correo electrónico de la Fondation A.R.M.A.N. que muestra el número de archivo. La Fundación A.R.M.AN. Actualmente es la única institución con derecho a emitir certificaciones para las obras de Arman. También se adjunta una fotografía de la obra firmada por el artista indicando el número de archivo, título, medidas y técnica. En el reverso de la fotografía se encuentra el sello de la Galería de Arte Dante Vecchiato, que a principios de la década de 2000 fue el punto de referencia para la distribución de las obras de Arman en Italia. El producto, debido al desgaste de los materiales utilizados, presenta signos de deterioro (desmoronamiento de los tacones de los zapatos), que requieren restauración y restauración.

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Xavier Bueno
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ARARCO0093033

Xavier Bueno

Chico, 1966

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Xavier Bueno

Chico, 1966

Óleo sobre lienzo cartón. Firmado en la parte inferior izquierda. Firma adicional, fecha y título en el reverso. Después de su infancia transcurrió en España, su país natal, Ginebra y París, en 1940 Xavier Bueno trasladó a Italia, en Florencia, donde se unió al grupo de "Pintores Modernos de la Realidad" con su hermano Antonio, Pietro Annigoni y Gregorio Sciltian., cuyo manifiesto proponía una observación "objetiva" de la verdad, de la naturaleza y su reproducción fiel posible. La experiencia de la guerra civil española primero y luego la italiana orientó cada vez más al artista hacia un realismo ligado a razones de fuerte contenido social. 1953 supuso un importante punto de inflexión en la carrera de Xavier: fue el año de su adhesión explícita a la poética del realismo socialista, adhesión que llegó después de un itinerario personal que lo vio practicar la pintura "comprometida" desde la preguerra, con un claro avance en el arte de la izquierda italiana. Otra etapa fundamental en la carrera de Xavier fue el viaje a Brasil en 1954: el artista regresó de esta experiencia lleno de entusiasmo y con una serie de tintas cuyos principales protagonistas son niños, adolescentes, obreros. A partir de ese momento, el tema de la infancia se volvió cada vez más recurrente, poco a poco los personajes fueron representados inmóviles, en una especie de niebla irreal, desprovista de incluso profundidad, de rigor de perspectiva, en la que emergen como evocados. El trabajo aquí presentado pertenece a esta producción. Entre 1959 y 1964 Xavier creó el ciclo de "Niños", imágenes sufrientes y melancólicas obras simbólicas de una humanidad humillada y oprimida, que el artista presentó en la exposición "España libre". Su técnica también sufrió una evolución, que le llevó a buscar un espesamiento del material, espesado por la adición de arena a la pintura; el uso del collage, ya experimentado por él en naturalezas muertas, se hizo patente también en el campo del retrato figurativo. El material de sus pinturas llegó a ser tal que llegó a definirlas como "fresco sobre lienzo". Obra presentada en marco.

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Bernard Aubertin
ARTCON0000820

Bernard Aubertin

Dessin de feu,1974

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Bernard Aubertin

Dessin de feu,1974

Aplicación de fósforos quemados en un pedazo de cartón, de metal. En la parte de atrás hay una etiqueta de la Galería Centro de Brescia, con los datos de la obra y la firma del artista. Aubertin es considerado el pintor "monocromo", que centró su investigación artística en el color rojo, como el fuego, la energía: a partir de 1958, comenzó a crear su famoso monocromo lienzos de color rojo, el llamado Tableaux-Feu (fuego final), creado con una variedad de artículos, los clavos (Tableau Clous), de alambre de hierro (Tableaux Fil de Fer), fósforos (Parcours d'Allumettes), y una variedad de materiales, de las velas, a las redes de hierro. En su metafísica de la pintura, a través de la red que pretende transponer en el lienzo de la energía del alma, el ser espiritual. A partir de los años '60 Aubertin, introdujo en su repertorio el fuego, la manifestación física de su color rojo. Producido tantas composiciones abstractas utilizando cerillas que, cuando se enciende, se creó una variación espontánea generada por la naturaleza de la llama. Entre los '80 y los '90, su producción artística, volvió a actuaciones en las que él mismo dio a las llamas los pianos y los automóviles, mientras que en los últimos años, el color rojo, el blanco y negro fue reemplazado por el blanco, negro y oro. La obra se acompaña de Auténtico expedido por el Archivo de obras de Bernard Aubertin, Sin Almacenamiento DFEA47-1000237523.

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2.800,00€

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Daniele Galliano
ARARCO0106144

Daniele Galliano

Los soldados de Jesús 2008

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Daniele Galliano

Los soldados de Jesús 2008

Óleo y esmaltes sobre lienzo. Título, fecha y firma al dorso. Daniele Galliano, originario de Pinerolo, autodidacta de formación, comienza a exponer en Turín, donde vive y trabaja, a principios de los años 90, ganando rápidamente un lugar destacado dentro de esa nueva escena pictórica italiana que se mueve su primer pase en el finales de los 80. Su técnica pictórica pertenece al llamado “realismo fotográfico”, que implica el paso de la fotografía a la pintura, cambiando el estado de la imagen que ofrece el artista con una mirada nueva y personal. Los mismos títulos colocados en las obras dan una lectura absolutamente no neutral de las escenas, pero que expresa bien el pensamiento obligatorio del artista. Sus imágenes reinterpretadas de lugares y personas llegan al público italiano y extranjero y le permiten participar en importantes exposiciones individuales y colectivas en Europa y Estados Unidos. La obra aquí presentada ofrece una interpretación de un momento litúrgico tradicional: la foto de grupo de una Primera Comunión es transformada por Galliano en una declaración absoluta de poder en el centro, con las figuras en blanco y negro de los niños - el yin y el yang - y el púrpura del universo de fondo. La obra va acompañada de la autenticación en la foto y el catálogo de la exposición individual de Galliano "Todo lo bueno", realizada en el estudio de arte Raffaelli en Trento en 2008, en la que se exhibió la obra.

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6.000,00€

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Sin título por Arman
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ARTCON0000755

Sin título por Arman

Jeté

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Sin título por Arman

Jeté

Técnica mixta sobre lienzo. Armand Fernández, en el arte, Arman nació en Niza en el año 1928. Él es recordado como uno de los líderes más importantes e influyentes del movimiento artístico "Nouveau Réalisme", la declinación de los europeo-americanos de Nueva Dada. El Nouveau Réalisme desarrollado en los años '60 en Francia en torno a la figura del crítico Pierre Restany. Es una forma de hacer arte, anti-convencional, que incorpora muchos de los aspectos de las vanguardias de principios de siglo, como por ejemplo el relegamento de la pintura y la escultura técnicas de segundo orden. Por contra se da valor artístico de los objetos ordinarios, de la esfera de la vida cotidiana, que se presentan en las obras exactamente en su objetividad, sin la acción decontestualizzante que caracteriza a los ready-mades de Duchamp. El período de la posguerra, que se caracteriza por cambios radicales desde el punto de vista de la social y la económica está representada por los exponentes de la Nouveau Réalisme provocadoramente, y la crítica a través de sus productos: los objetos en la sobre-abundancia, productos de desecho, residuos torpe, y así sucesivamente. Cada artista declina esta filosofía en una forma personal y original; Arman es conocida por sus acumulaciones hasta el límite de la obsesión. Su trabajo se lleva a los movimientos de las calles, donde se recoge lo que se tira, olvidado. Los objetos que no están en uso, lo que se considera basura se convierte en el protagonista de sus "esculturas", induciendo al público a una reflexión sobre las implicaciones de la sociedad de consumo. La obra en cuestión se compone de un violín corte está montado sobre un lienzo se ponen en la mesa con restos de la mezcla de colores. El título es Jeté, en italiano, "Arrojado", la referencia al mundo de los desechos es directa e inmediata. Parte de la serie "Colères," operaciones "dissemblage", es decir, la destrucción de los instrumentos musicales de la tradición burguesa: violines, violas, trompetas, y los pianos que son descuartizados, quemados, o disecados. En este ciclo de obras revela el impulso destructivo. El gesto es importante, central en la filosofía de la Nouveau Réalisme. Como dijo el mismo Arman "yo Creo que en la acción de la destrucción hay un deseo de detener el tiempo, la suspensión de los eventos de pegar, juntos en el poliéster..." El trabajo que viene desde el estudio del artista en Nueva York y es autenticado por el correo electrónico de la Fundación A. R. M. A. N. devuelve el número del archivo. La Fundación A. R. M. A. N. es actualmente la única institución autorizada para emitir la certificación de las obras de Arman. Adjunto también una foto de la obra firmado por el artista, indicando el número del archivo, el título, el tamaño y la técnica. En la parte de atrás de la fotografía es el sello de la Galería de Dante Vecchiato, que en los primeros años de 2000, ha sido el punto de referencia para la distribución de obras por Arman en Italia.

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5.200,00€

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Jenny Watson
ARARCO0106145

Jenny Watson

Sin titulo

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Jenny Watson

Sin titulo

Técnica mixta sobre retazos de tela, con elementos añadidos de diversos materiales. El lienzo cuadrado dibujado al óleo presenta la figura de una mujer a caballo; la cola de caballo, que se aplica en la parte superior, está hecha de pelo sintético luego acompañando al cuadro, propuesto al lado, un pequeño lienzo rectangular sobre el que está escrito un texto en inglés, a modo de extracto de una carta, y un cenicero de cerámica en forma de caballo. Jenny Watson es una artista australiana (nacida y formada en Melbourne) que ha adoptado diferentes enfoques estilísticos para su pintura, utilizando una gama de diferentes materiales y telas, como elementos de terciopelo y collages, y a menudo combinando imágenes y palabras. Los temas que proponía siempre han tendido a ser autobiográficos: a partir de inspiraciones punk y feministas, Jenny Watson recrea un diario íntimo en el que figuras y palabras se entrelazan para componer breves narrativas cotidianas. Su iconografía personal está formada por autorretratos (la pelirroja no es otra que la propia artista), caballos, gatos, interiores domésticos y rotulación, renderizados con pinceladas muy frescas que dejan mucho espacio a la imaginación, incluso Si se aprovechan las figuras. de una manera muy rígida y fija, como para denunciar la ausencia de movimiento social, especialmente hacia las mujeres. Sus obras suelen ir acompañadas de pequeños lienzos de colores que recuerdan las descripciones poéticas de su obra, haciendo que el proceso de identificación del espectador sea inmediato. El trabajo propuesto aquí fue presentado en una exposición individual de Jenny Watson celebrada en 2018 en Trento, en el Raffaelli Art Studio, titulada "Jenny en el mundo". Se acompaña de fotografías que muestran cómo se llevó a cabo su presentación en esta exposición y también se adjunta la tarjeta de invitación a la exposición de los compradores de la obra. También se adjunta un pequeño catálogo de la exposición del artista celebrada en 1993 en Como.

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2.800,00€

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