Pareja de apliques Napoleón III

El Siglo XIX - 1800

opia de apliques de bronce cincelado, dos bustos de querubines emergen de dos rosetones en forma de hoja que sostienen una corona de flores en la que se insertan dos volutas. Bronce finamente cincelado en estilo neoclásico con figuras de putti bruñidas. Pequeñas restauraciones.

Par de apliques de restauración

El Siglo XIX - 1800

Copa de apliques en bronce dorado, se fijan a la pared mediante un rosetón de bronce bruñido decorado con dos frisos fitomórficos con espirales floridas e himnos, el rosetón sostiene un círculo en el que se enlazan los tres brazos portalámparas. Los brazos enriquecidos con hojas que sostienen las corolas que actúan como mentiras, terminan en una cabeza de cisne. Toda la superficie está finamente cincelada y dorada con mercurio a excepción del rosetón bruñido. Las velas, ahora electrificadas, están equipadas con una pantalla de latón perforada con tela. Pequeñas restauraciones.

Cómoda veneciana neoclásica

El Siglo XVIII - 1700

Cómoda veneciana neoclásica, sostenida por pies piramidales truncados, en la parte delantera tiene tres cajones. Enchapados en nogal, los cajones, laterales y tablero están decorados con hilos de arce y bois de rose, mientras que en el centro hay reservas incrustadas en arce y nogal con motivos geométricos, similares también en los pies; Los interiores son de pino.

Biblioteca del Imperio Francés

El Siglo XIX - 1800

Librería French Empire, sostenida por pies cuyos frontales tienen forma de tarro, en el frente tiene dos puertas paneladas coronadas por tantos cajones colocados en la banda bajo encimera, levantada abierta con perchero. Enchapado en caoba vidriada, está adornado con marcos enchapados en latón, los interiores son de roble.

Retrato de Eleonora Lampugnani

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. La señora rica representada va acompañada de la inscripción identificativa en la parte superior derecha que dice "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478": se trata, por tanto, de Eleonora Lampugnani, esposa de Bartolomeo Del Corno. La familia Lampugnani es una antigua familia patricia de Milán (el nombre deriva del distrito de Lampugnano), con residencias en Legnano y Busto Arsizio, y a la que Filippo Maria Visconti (duque de Milán) asignó el feudo de Trecate en el siglo XV; el marido de la noble pertenecía en cambio a la noble familia piamontesa Corno (originalmente llamada Del Corno). La mujer noble está representada de pie, con un espléndido vestido ricamente bordado y adornado con encajes; apoya la mano en una preciosa caja con incrustaciones de marfil, probablemente una vitrina, símbolo de riqueza y poder, coronada por un jarrón con flores, más bien un símbolo de vanidad. La pintura tiene una restauración antigua en las manos, que son de menor calidad que la del rostro, la ropa, el frasco de vidrio. La pintura proviene de una antigua colección lombarda. La fecha 1478 reportada con la inscripción, no está muy en consonancia con la indumentaria del siglo XVI: según la historia de la familia de origen del cuadro, la fecha que apareció antes de la última restauración fue 1578, y por lo tanto sería un cambio realizado. por error del restaurador.

Escultura de madera de Madonna

El Siglo XVIII - 1700

Escultura de madera tallada, lacada y dorada que representa a la Virgen con cabezas de cupido en la base. La Virgen viste una túnica larga y blanca que solo revela sus pies y una suntuosa capa que cubre su hombro derecho y su lado izquierdo. Las túnicas tienen una rica decoración de oro.

Luigi Cavenaghi

Virgen rezando

Óleo sobre cartón. En el reverso, la indicación manuscrita "Bozzetto di Luigi Cavenaghi". Es probablemente un boceto preparatorio para un fresco por el famoso restaurador y pintor Luigi Cavenaghi: la Virgen rezando se inserta dentro de un arco de medio punto, sobre un fondo de oro, flanqueado por la inscripción latina "Ave María, gratia ..", incompleta porque justo incompleto. Luigi Cavenaghi, originario de Caravaggio (Bg), se formó artísticamente en Milán, primero como restaurador y luego como pintor. Considerado uno de los más importantes restauradores de pintura italiana, en su larga y exitosa carrera estuvo involucrado en la recuperación de importantes pinturas murales, a menudo asociadas con "descubrimientos". La culminación, tanto desde el punto de vista técnico como conceptual, fue la restauración de la Última Cena de Leonardo da Vinci en S. Maria delle Grazie en Milán, realizada en 1908 sin compensación como homenaje a Leonardo. Su producción pictórica estuvo ligada en gran medida a la actividad de restaurador, configurándose no tanto como una creación original, sino como una reconstrucción en el estilo, una restauración imaginativa, un cruce entre restauración y rehacer. La pintura que aquí se propone podría formar parte de esta producción. Se presentan los marcos de finales del siglo XIX y principios del XX.

Caín y Abel

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del centro de Italia. De gran impacto escénico, la pintura narra el episodio del Libro del Génesis que tiene como protagonistas a los dos hermanos Caín y Abel, primeros hijos de Adán y Eva y por tanto primogénitos de lomos humanos. Caín, un agricultor, porque Dios había rechazado los frutos de su cosecha a favor de los corderos sacrificados por el pastor Abel, mata a su hermano. Los dos se convierten así, respectivamente, en Caín el primer hombre en nacer, Abel en el primero en morir y en el primer mártir de la historia sagrada. También se les considera como el arquetipo del fratricidio: es sobre todo en esta capacidad que su historia ha sido ampliamente contada tanto en la literatura como en el arte pictórico. En el cuadro que aquí se propone, que representa el momento culminante y trágico de la matanza, las dos figuras llenan la escena, como dos figuras contrastantes: Caín de pie, moreno de piel y cabello, la mirada sombría, animada por un intenso entusiasmo al levantar la cabeza. club listo para atacar; Abel en el suelo, tratando en vano de protegerse, pálido en su tez ya mortal, con los ojos muy abiertos en una expresión de terror. La particular efectividad de los rostros, especialmente la de Abel en el hábil escorzo, remite a las obras de Giuseppe Diamantini (1621-1705). Entre los dos cuerpos brilla la luz de la hoguera, que hace referencia a la pira de sacrificio más retrasada a la izquierda, de la que arde un fuego intenso, símbolo de la presencia divina de la que el acto de Caín no puede escapar. El renderizado de las cortinas que siguen los movimientos de los cuerpos también es eficaz. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco decorado con estilo.

Francesco Mantovano

Guirnalda de flores con anuncio a los pastores

Pintura al óleo sobre lienzo. De refinada calidad y en excelente estado, el cuadro representa una guirnalda de flores multicolores que enmarca la escena evangélica de la Anunciación a los pastores. El trabajo va acompañado de la experiencia del dr. Gianluca Bocchi, quien lo atribuye a la producción de Francesco Caldei, conocido como el Mantovano de su ciudad natal. Mantovano se formó artísticamente en Roma, donde permaneció entre 1613 y 1625, adquiriendo una formación floreciente. De hecho, su producción consiste principalmente en jarrones con flores. Tras trasladarse a Venecia, donde permaneció hasta su muerte, Il Mantovano importó a la ciudad los cánones pictóricos romanos que había adquirido, en particular el fracaso de las representaciones botánicas, pero también la tipología de la guirnalda, que los artistas romanos habían extraído. la tradición flamenca. La producción de guirnaldas incluyó la inclusión de escenas de figuras, con un tema mitológico o sagrado, a menudo realizadas en colaboración con pintores de figuras, a las que ni siquiera los mantosos desdeñaron recurrir. La escena del Anuncio a los pastores en este cuadro remite con bastante fidelidad a la obra homónima de Jacopo da Bassano (1515-1592), cuya bucólica producción tuvo tanto éxito que fue replanteada en numerosas copias por los hijos del mismo artista. y en numerosos grabados que circulan por toda Europa, lo que permitió a varios otros artistas se inspiran en ellos, como probablemente el Mantovano hizo. Por tanto, se puede concluir que la obra que aquí se presenta es una pintura de Francesco Mantovano realizada en Venecia hacia 1640-1650. La pintura se revistió en la antigüedad. Se presenta en un marco del siglo XVIII que ha sido adaptado y rehecho. En el reverso hay etiquetas que documentan el paso de la obra en el mercado francés del siglo XIX.

Cómoda francesa Restauración

El Siglo XIX - 1800

Cajonera francesa restaurada, en el frente tiene tres cajones enmarcados entre dos pilastras que sostienen la banda bajo encimera ligeramente saliente, en la que se esconde otro cajón. Enchapado en pluma de caoba, está adornado con aplicaciones de bronce dorado con mercurio en los respiraderos, con la característica forma de antemium, en las bases y capiteles de las pilastras, donde se representan dos rostros femeninos. Los interiores son de roble, la tapa de mármol gris fósil fue reemplazada más tarde.

Jarrón De Sèvres

De estilo neoclásico

Buque biansato de porcelana, muy bien decorado todo con motivos vegetales y pan de oro. La marca de la fabricación debajo de la base.

Gran Marco Barroco

El Siglo XVII - 1600

Gran marco en madera de tilo con calado, tallado y dorado. El marco tiene un articulado en la sucesión de los pergaminos fogliacee atado en los centros de los cuatro lados, desde el que se desarrollan por medio de las reuniones en las esquinas. El dorado gouache.

Grupo de Cuatro Sillas de Música

El Siglo XIX - 1800

Sillas de concierto apoyados por balaustre dado vuelta las piernas descansando sobre tres Terminal Central se mueve y coronado por la punta. Ronda de asientos y respaldos acolchados con soporte contorneado y Cruz por día. Asiento y respaldo en cuero repujado y dorado con escudo de armas napoleónica que representa el águila coronado. Algunos cueros fueron substituidos en los 800 finales reproducen el emblema de pertenencia, que es el testimonio original de una.

Xavier Bueno

Chico, 1966

Óleo sobre lienzo cartón. Firmado en la parte inferior izquierda. Firma adicional, fecha y título en el reverso. Tras su infancia en España, su país natal, Ginebra y París, en 1940 Xavier Bueno se trasladó a Italia, en Fiesole, donde se unió a su hermano Antonio, Pietro Annigoni y Gregorio Sciltian. al grupo de "Pintores Modernos de la Realidad", cuyo manifiesto proponía una observación "objetiva" de la verdad, de la naturaleza y su fiel reproducción posible. La experiencia de la guerra civil española primero y luego la italiana orientó cada vez más al artista hacia un realismo ligado a razones de fuerte contenido social. 1953 supuso un importante punto de inflexión en la carrera de Xavier: fue el año de su adhesión explícita a la poética del realismo socialista, adhesión que llegó después de un itinerario personal que lo vio practicar la pintura "comprometida" desde la preguerra, con un claro avance en el arte de la izquierda italiana. Otra etapa fundamental en la carrera de Xavier fue el viaje a Brasil en 1954: el artista regresó de esta experiencia lleno de entusiasmo y con una serie de tintas cuyos principales protagonistas son niños, adolescentes, obreros. A partir de este momento, el tema de la infancia se volvió cada vez más recurrente, poco a poco los personajes fueron retratados inmóviles, en una especie de niebla irreal, desprovista de profundidad, de rigor de perspectiva, en la que emergen como evocados. El trabajo aquí presentado pertenece a esta producción. Entre 1959 y 1964 Xavier creó el ciclo de "Niños", imágenes sufrientes y melancólicas obras simbólicas de una humanidad humillada y oprimida, que el artista presentó en la exposición "España libre". Su técnica también sufrió una evolución, que le llevó a buscar un espesamiento del material, espesado por la adición de arena a la pintura; el uso del collage, ya experimentado por él en naturalezas muertas, se hizo patente también en el campo del retrato figurativo. El material de sus pinturas llegó a ser tal que las definió como "fresco sobre lienzo". Obra presentada en marco.

Chimenea barroca lombarda

El Siglo XVIII - 1700, El Siglo XVII - 1600

Chimenea barroca lombarda con frente ondulado y marcos tallados ondulados; en mármol gris antiguo.

Bandeja en Madera Lacada

El Siglo XVIII - 1700

Bandeja grande de madera lacada sobre fondo rojo con adornos dorados e inserciones de nácar. Las pinturas se refieren a dignatarios chinos.

Aparador años 60

Aparador con puertas batientes y abatibles, cajones a la vista. Madera chapada en teca, asas especiales y patas en aluminio.

Stand reloj

El Siglo XIX - 1800

Reloj de mesa de bronce dorado con inserciones de porcelana finamente pintada con querubines alados dentro de reservas y arreglos florales. Amplia base en bronce dorado y cincelado con decoraciones en relieve con motivos vegetales y en el centro una panoplia con instrumentos musicales. El reloj está coronado por dos cupidos que juegan con mariposas. Expositor de metal esmaltado con horas en números romanos y minutos en números arábigos con la firma Bollotte ft de bronzes, en el centro rue Vivienne 33. Mecanismo marcado Japy Fils medailles d'argent 1844-1849.

Willy Rizzo móvil

Mueble buffet con puertas batientes en los laterales, solapa central, cajones a la vista, madera lacada, perfiles y tiradores en aluminio cromado.