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6 cm 319 cm

12 cm 696 cm

2 cm 180 cm

17 cm 150 cm

35 cm 56 cm
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Retrato de Eleonora Lampugnani
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Retrato de Eleonora Lampugnani

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Retrato de Eleonora Lampugnani

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. La señora rica representada va acompañada de la inscripción identificativa en la parte superior derecha que dice "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478": se trata, por tanto, de Eleonora Lampugnani, esposa de Bartolomeo Del Corno. La familia Lampugnani es una antigua familia patricia de Milán (el nombre deriva del distrito de Lampugnano), con residencias en Legnano y Busto Arsizio, y a la que Filippo Maria Visconti (duque de Milán) asignó el feudo de Trecate en el siglo XV; el marido de la noble pertenecía en cambio a la noble familia piamontesa Corno (originalmente llamada Del Corno). La mujer noble está representada de pie, con un espléndido vestido ricamente bordado y adornado con encajes; apoya la mano en una preciosa caja con incrustaciones de marfil, probablemente una vitrina, símbolo de riqueza y poder, coronada por un jarrón con flores, más bien un símbolo de vanidad. La pintura tiene una restauración antigua en las manos, que son de menor calidad que la del rostro, la ropa, el frasco de vidrio. La pintura proviene de una antigua colección lombarda. La fecha 1478 reportada con la inscripción, no está muy en consonancia con la indumentaria del siglo XVI: según la historia de la familia de origen del cuadro, la fecha que apareció antes de la última restauración fue 1578, y por lo tanto sería un cambio realizado. por error del restaurador.

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Luigi Cavenaghi
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Luigi Cavenaghi

Virgen rezando

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Luigi Cavenaghi

Virgen rezando

Óleo sobre cartón. En el reverso, la indicación manuscrita "Bozzetto di Luigi Cavenaghi". Es probablemente un boceto preparatorio para un fresco por el famoso restaurador y pintor Luigi Cavenaghi: la Virgen rezando se inserta dentro de un arco de medio punto, sobre un fondo de oro, flanqueado por la inscripción latina "Ave María, gratia ..", incompleta porque justo incompleto. Luigi Cavenaghi, originario de Caravaggio (Bg), se formó artísticamente en Milán, primero como restaurador y luego como pintor. Considerado uno de los más importantes restauradores de pintura italiana, en su larga y exitosa carrera estuvo involucrado en la recuperación de importantes pinturas murales, a menudo asociadas con "descubrimientos". La culminación, tanto desde el punto de vista técnico como conceptual, fue la restauración de la Última Cena de Leonardo da Vinci en S. Maria delle Grazie en Milán, realizada en 1908 sin compensación como homenaje a Leonardo. Su producción pictórica estuvo ligada en gran medida a la actividad de restaurador, configurándose no tanto como una creación original, sino como una reconstrucción en el estilo, una restauración imaginativa, un cruce entre restauración y rehacer. La pintura que aquí se propone podría formar parte de esta producción. Se presentan los marcos de finales del siglo XIX y principios del XX.

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Caín y Abel
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Caín y Abel

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Caín y Abel

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del centro de Italia. De gran impacto escénico, la pintura narra el episodio del Libro del Génesis que tiene como protagonistas a los dos hermanos Caín y Abel, primeros hijos de Adán y Eva y por tanto primogénitos de lomos humanos. Caín, un agricultor, porque Dios había rechazado los frutos de su cosecha a favor de los corderos sacrificados por el pastor Abel, mata a su hermano. Los dos se convierten así, respectivamente, en Caín el primer hombre en nacer, Abel en el primero en morir y en el primer mártir de la historia sagrada. También se les considera como el arquetipo del fratricidio: es sobre todo en esta capacidad que su historia ha sido ampliamente contada tanto en la literatura como en el arte pictórico. En el cuadro que aquí se propone, que representa el momento culminante y trágico de la matanza, las dos figuras llenan la escena, como dos figuras contrastantes: Caín de pie, moreno de piel y cabello, la mirada sombría, animada por un intenso entusiasmo al levantar la cabeza. club listo para atacar; Abel en el suelo, tratando en vano de protegerse, pálido en su tez ya mortal, con los ojos muy abiertos en una expresión de terror. La particular efectividad de los rostros, especialmente la de Abel en el hábil escorzo, remite a las obras de Giuseppe Diamantini (1621-1705). Entre los dos cuerpos brilla la luz de la hoguera, que hace referencia a la pira de sacrificio más retrasada a la izquierda, de la que arde un fuego intenso, símbolo de la presencia divina de la que el acto de Caín no puede escapar. El renderizado de las cortinas que siguen los movimientos de los cuerpos también es eficaz. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco decorado con estilo.

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Francesco Mantovano
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Francesco Mantovano

Guirnalda de flores con anuncio a los pastores

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Francesco Mantovano

Guirnalda de flores con anuncio a los pastores

Pintura al óleo sobre lienzo. De refinada calidad y en excelente estado, el cuadro representa una guirnalda de flores multicolores que enmarca la escena evangélica de la Anunciación a los pastores. El trabajo va acompañado de la experiencia del dr. Gianluca Bocchi, quien lo atribuye a la producción de Francesco Caldei, conocido como el Mantovano de su ciudad natal. Mantovano se formó artísticamente en Roma, donde permaneció entre 1613 y 1625, adquiriendo una formación floreciente. De hecho, su producción consiste principalmente en jarrones con flores. Tras trasladarse a Venecia, donde permaneció hasta su muerte, Il Mantovano importó a la ciudad los cánones pictóricos romanos que había adquirido, en particular el fracaso de las representaciones botánicas, pero también la tipología de la guirnalda, que los artistas romanos habían extraído. la tradición flamenca. La producción de guirnaldas incluyó la inclusión de escenas de figuras, con un tema mitológico o sagrado, a menudo realizadas en colaboración con pintores de figuras, a las que ni siquiera los mantosos desdeñaron recurrir. La escena del Anuncio a los pastores en este cuadro remite con bastante fidelidad a la obra homónima de Jacopo da Bassano (1515-1592), cuya bucólica producción tuvo tanto éxito que fue replanteada en numerosas copias por los hijos del mismo artista. y en numerosos grabados que circulan por toda Europa, lo que permitió a varios otros artistas se inspiran en ellos, como probablemente el Mantovano hizo. Por tanto, se puede concluir que la obra que aquí se presenta es una pintura de Francesco Mantovano realizada en Venecia hacia 1640-1650. La pintura se revistió en la antigüedad. Se presenta en un marco del siglo XVIII que ha sido adaptado y rehecho. En el reverso hay etiquetas que documentan el paso de la obra en el mercado francés del siglo XIX.

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Xavier Bueno
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Xavier Bueno

Chico, 1966

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Xavier Bueno

Chico, 1966

Óleo sobre lienzo cartón. Firmado en la parte inferior izquierda. Firma adicional, fecha y título en el reverso. Tras su infancia en España, su país natal, Ginebra y París, en 1940 Xavier Bueno se trasladó a Italia, en Fiesole, donde se unió a su hermano Antonio, Pietro Annigoni y Gregorio Sciltian. al grupo de "Pintores Modernos de la Realidad", cuyo manifiesto proponía una observación "objetiva" de la verdad, de la naturaleza y su fiel reproducción posible. La experiencia de la guerra civil española primero y luego la italiana orientó cada vez más al artista hacia un realismo ligado a razones de fuerte contenido social. 1953 supuso un importante punto de inflexión en la carrera de Xavier: fue el año de su adhesión explícita a la poética del realismo socialista, adhesión que llegó después de un itinerario personal que lo vio practicar la pintura "comprometida" desde la preguerra, con un claro avance en el arte de la izquierda italiana. Otra etapa fundamental en la carrera de Xavier fue el viaje a Brasil en 1954: el artista regresó de esta experiencia lleno de entusiasmo y con una serie de tintas cuyos principales protagonistas son niños, adolescentes, obreros. A partir de este momento, el tema de la infancia se volvió cada vez más recurrente, poco a poco los personajes fueron retratados inmóviles, en una especie de niebla irreal, desprovista de profundidad, de rigor de perspectiva, en la que emergen como evocados. El trabajo aquí presentado pertenece a esta producción. Entre 1959 y 1964 Xavier creó el ciclo de "Niños", imágenes sufrientes y melancólicas obras simbólicas de una humanidad humillada y oprimida, que el artista presentó en la exposición "España libre". Su técnica también sufrió una evolución, que le llevó a buscar un espesamiento del material, espesado por la adición de arena a la pintura; el uso del collage, ya experimentado por él en naturalezas muertas, se hizo patente también en el campo del retrato figurativo. El material de sus pinturas llegó a ser tal que las definió como "fresco sobre lienzo". Obra presentada en marco.

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