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Pintura sobre el panel de la Anunciación, siglo XVI.
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Pintura sobre el panel de la Anunciación, siglo XVI.

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Pintura sobre el panel de la Anunciación, siglo XVI.

Óleo sobre la mesa. Escuela central italiana de la segunda mitad del siglo XVI. La escena sagrada de la Anunciación ve a las dos figuras protagonistas colocadas en primer plano en un interior que corresponde a la habitación de María. La joven está sentada frente a un pequeño escritorio de madera, sostenido por figuras de ángeles, sobre el que descansa el libro de oraciones y un pequeño jarrón con flores; a sus pies, el costurero. El cuerpo de María está parcialmente girado hacia atrás, en un movimiento retorcido, casi como si intentara escapar, como si quisiera alejarse de la otra figura, la del Arcángel Gabriel. Está de pie a la derecha, majestuoso y elegante, con una mano sosteniendo un lirio y la otra apuntando hacia arriba, sobre él, donde la paloma blanca, símbolo del Espíritu Santo, emerge de un hueco de luz. Al fondo, altas columnas con cortinas coronan la plataforma sobre la que descansa la cama de Mary. La composición remite, en el estilo figurativo y en las elecciones cromáticas, a la pintura ya manierista de las escuelas del centro de Italia: en particular, hay una fuerte concordancia de estilo y composición con algunas obras del mismo tema del pintor Bastiano Vini Detto. Bastiano Veronese (1525/1530 - 1602), que vivió y trabajó en Pistoia hacia 1540. Es en esta ciudad donde se encuentran algunas de sus Anunciaciones: en particular la de la Iglesia de Santa Maria delle Grazie (un retablo de más de dos metros de altura), muestra claras similitudes a nivel formal y compositivo con la que aquí se presenta. . Hay concordancia en la ambientación de la escena sagrada: una habitación, al fondo de la cual hay una cortina que cubre parcialmente una cama, amueblada con los elementos esenciales para la narración, el atril y la silla ricamente decoradas con cariátides de querubines o ángeles. que parecen tallados en la madera. El esquema compositivo se corresponde, aunque con ligeras variaciones, con las dos figuras dispuestas "a modo de friso" en el mismo plano de colocación, y también se corresponden los rasgos somáticos de la Virgen y el Arcángel. Sin embargo, difiere el suelo, que si bien en nuestra mesa es homogéneo, en Pistoia se presenta con colores alternados en forma de damero, pero parece que este diseño del suelo se añadió en una época posterior, con motivo de la reconstrucción de el altar en 1637 -1639, junto con el de otra obra del mismo Sebastiano Vini en la misma iglesia, una Conversación Sagrada. Por tanto, parece bastante seguro que nuestro panel fue pintado siguiendo la obra de Bastiano Veronese, probablemente por petición expresa del cliente, y antes del cambio de suelo, por lo que se remonta a la segunda mitad del siglo XVI. La pintura ha sido restaurada, con la aplicación de dos refuerzos en la parte posterior del panel. Se presenta en una ambientación de finales del siglo XIX. (Referencia del retablo de Pistoia: Catálogo del patrimonio cultural https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900035285)

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Capriccio Arquitectónico con Figuras
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Capriccio Arquitectónico con Figuras

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Capriccio Arquitectónico con Figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVIII. La escena, ubicada cerca del mar, está dominada por un gran complejo de ruinas arquitectónicas, con estatuas, arcos, jardines colgantes y animado por numerosas figurillas de plebeyos dedicados a diversas actividades. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

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Hieronymus III Francken
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Hieronymus III Francken

La negación de Pedro

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Hieronymus III Francken

La negación de Pedro

Óleo sobre tabla de roble, procedente de una importante colección histórica florentina. La colección fue iniciada por un antepasado de la familia que estuvo en Viena en 1798 y luego en Würzburg hasta 1813, como compañero en el exilio del gran duque de Toscana Fernando III. La colección fue trasladada a Florencia tras la caída de Napoleón, y de su importancia tenemos prueba mediante una copia de un inventario realizado en 1881. En el número 14 del mismo (correspondiente al que figura en el rollo del reverso de la plancha) tenemos la descripción del compilador: "...cuadro de madera de dos pies y cuatro pulgadas y media de largo y un pie y ocho pulgadas y media de alto, que representa a Pedro negando a Jesucristo a la muchacha en casa del sumo sacerdote Anás. El Salvador es visto de lejos conducido ante aquel pontífice para ser interrogado, en medio de una multitud de chusma y soldados". En la década de 1960 se negó una atribución inicial a Bruegel y se remonta a Francken. La composición evidentemente tuvo éxito porque se conocen otras versiones de taller (ver, por ejemplo, un óleo sobre cobre de idéntico tema y tamaño vendido en la subasta de Koller el 18/09/2015). En la parte posterior del panel está grabado el escudo de armas del municipio de Amberes: un castillo coronado por dos manos. El castillo coronado por dos manos. Esta marca atestiguaba la aprobación de los trabajos de construcción de la mesa, correctamente realizados según las normas del gremio y de la propia ciudad. Presentado en un marco de época reutilizado.

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Moisés y las hijas de Jetro
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Moisés y las hijas de Jetro

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Moisés y las hijas de Jetro

Temple sobre papel, aplicado sobre tableros duros. El episodio bíblico narrado en el libro del Éxodo cuenta cómo el joven Moisés, todavía en la corte del faraón de Egipto, defiende a las siete hijas del sacerdote Jetro, molestadas por unos pastores madianitas mientras sacan agua del bien. Tras esta intervención, Moisés recibirá como esposa a una de las hijas de Jetro, Sefora. Sujeto ampliamente replanteado en el arte, se presenta aquí con especial atención al componente del retrato, con una particular exacerbación de los rasgos expresivos, tanto en los rostros como en las poses, de los personajes. La escena es muy viva, con la figura de Moisés en el centro, vigorosa y combativa, que divide el campo en dos: a su izquierda las siete muchachas, cada una caracterizada por un comportamiento diferente; a la derecha los pastores importunos, que sufren la ira de Moisés. Al fondo, un paisaje típico de las producciones del siglo XVIII, con una ruina arquitectónica detrás del pozo. La obra se presenta en un marco de estilo.

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Retrato de Bartolomeo De Olevano
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Retrato de Bartolomeo De Olevano

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Retrato de Bartolomeo De Olevano

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. Es el retrato de pie de un hombre con armadura, en actitud orgullosa, casi en movimiento, con la mano apoyada en la empuñadura de su espada; arriba a la izquierda un escudo de armas; en la parte inferior derecha un cartucho pintado con una larga escritura en latín, que identifica al hombre. Se trata de Bartolomeo III Olevano, perteneciente a la poderosa familia de los nobles Olevano, señores feudales de numerosos pueblos de Pavía y Lomellina (donde aún existe su castillo), que tuvo una gran voz en los acontecimientos de Pavía y su campo hasta el siglo XVIII siglo. Bartolomeo III, nacido en 1512, se dedicó al arte de la guerra durante cuarenta años, realizando numerosas y honradas hazañas, fue prefecto de Mortara y Novara durante la dominación de Carlos V, maestro de soldados y embajador de Felipe II. Sus logros más importantes se resumen en el cartucho: una traducción del texto está disponible. El escudo de armas representado muestra a la izquierda el olivo del que la familia tomó su nombre. La pintura proviene de una importante colección histórica familiar lombarda.

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Retrato de un monarca escocés
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Retrato de un monarca escocés

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Retrato de un monarca escocés

Pintura al óleo sobre lienzo. Intenso y de calidad, el cuadro representa a un monarca de la casa real de Escocia. Alrededor del retrato, en un marco ovalado pintado, hay algunas escrituras: el nombre Rober (t) aparece en la parte superior izquierda, el título Rex en la parte inferior izquierda y la abreviatura Scot a la derecha, que significa Scotorum; la escritura en la parte superior derecha no es identificable, pero parece ser un acrónimo. El hombre retratado viste un sombrero y una chaqueta adornada con piel de armiño, considerada la piel más noble reservada a la realeza. Lleva un colgante de oro alrededor del cuello, que representa dos hojas con el fruto del cardo, que en heráldica simboliza Escocia. Por tanto, la escritura y el colgante se refieren a un Roberto de Escocia, probablemente de la dinastía que reinó en el siglo XIV. El retrato también se realizó en el período romántico del siglo XIX, probablemente utilizando algunos grabados antiguos como inspiración. Restaurado y revestido, se presenta en un marco de época.

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Adoración del Niño Jesús
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Adoración del Niño Jesús

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Adoración del Niño Jesús

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. La representación de la Natividad se ve aquí como un momento contemplativo del Santo Niño, por María y José, acompañados de angelitos. Los caminos pictóricos retoman los de modelos ampliamente replicados, partiendo de Correggio, de Barocci, para llegar a las numerosas versiones de Gherardo delle notte, o del pintor flamenco Gerard Von Honthorst, representante del tenebrismo, corriente pictórica que jugaba con fuertes contrastes de tinieblas. y la luz, la luz y la oscuridad. También en esta obra, la luz irradiada por el Niño Jesús ilumina las figuras que lo rodean y las hace emerger de la oscuridad circundante. La obra restaurada y revestida se presenta en un marco del siglo XIX.

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Pintura atribuida a Thomas Heeremans
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Pintura atribuida a Thomas Heeremans

Paisaje invernal con figuras sobre hielo

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Pintura atribuida a Thomas Heeremans

Paisaje invernal con figuras sobre hielo

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela flamenca del siglo XVII-XVIII. En el marco hay una etiqueta que atribuye a Thomas Heeremans (pero con fecha incorrecta). La gran escena ofrece un paisaje invernal propio del territorio holandés, ya que se caracteriza por un canal helado, cerca de un pueblo, poblado por numerosas figuras de patinadores, absortos en sus actividades cotidianas: el trineo tirado por caballos para el transporte de personas, el hombre el que empuja la "carretilla" llena de leña, el niño que se empuja a sí mismo en su cajita; otras figuras pasan por el terraplén a lo largo del canal. El cielo gris y frío de un día de invierno se cierne sobre todo. El tema fue recurrente en la producción del pintor holandés Thomas Heeremans, quien pintó principalmente paisajes invernales de su tierra, replicándolos en varias ocasiones debido al éxito obtenido, e induciendo a numerosos otros artistas a imitarlo; por lo tanto, se cree que este trabajo se remonta a un imitador de los Heereman, en lugar de a él directamente. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

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Cuadro de Paisaje con Figuras y Rebaños
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Cuadro de Paisaje con Figuras y Rebaños

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Cuadro de Paisaje con Figuras y Rebaños

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Dentro de un paisaje bastante árido, con ruinas arquitectónicas a la izquierda y picos nevados al fondo a la derecha, por el camino pasan unos pastores, conduciendo sus rebaños de vacas, ovejas y cabras. En el paisaje nórdico, la tonalidad rosácea del cielo y el carácter pastoril de la escena dan esa atmósfera idealista propia del paisajismo del siglo XVIII, en el que primaba la satisfacción del sentimiento por encima de la intención de transposición realista. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

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Gran cuadro de tema mitológico
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Gran cuadro de tema mitológico

El cuento de Apolo y Marsyas

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Gran cuadro de tema mitológico

El cuento de Apolo y Marsyas

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. El gran lienzo deriva de un grabado de 1562 del veneciano Giulio Sanuto, quien reprodujo fielmente la obra homónima de Bronzino (1503-1572), actualmente conservada en el Hermitage; respecto al original, el grabado añade el grupo de Musas y modifica el fondo del paisaje introduciendo vistas de los pueblos. La obra se divide en cuatro escenas, que hay que leer de derecha a izquierda. La primera escena representa el concurso musical entre Apolo y Silenus Marsyas, quien tocaba la flauta tan bien que era considerado superior al mismo dios; los dos contendientes están actuando, el dios con la lira y el sileno con la flauta incluso boca abajo (para aumentar la dificultad de la empresa), frente al rey Midas y la diosa Minerva, reconocible por sus atributos, el casco, la lanza y el escudo. En la segunda escena, Apolo intenta desollar a Marsyas para castigarlo por haber ganado el concurso musical; apoyarse en el suelo junto a él, su capa y su lira. En la tercera escena, es el rey Midas el que es castigado por el dios por haber preferido a Marsyas a él: Apolo le pone las orejas de burro a Midas, mientras Minerva observa. Finalmente, la cuarta escena, en primer plano a la izquierda, se caracteriza por una figura particular, identificada en el fiel sirviente y barbero del rey: ya que Midas le había ordenado guardar el secreto en sus orejas de burro, no pudiendo dejar de lo contrario, aliviado, cavó un hoyo en el suelo y gritó allí su secreto; en ese lugar, sin embargo, cuenta la leyenda que creció un matorral de juncos que con el viento susurró "El rey midas tiene orejas de burro", revelando así el temido secreto. La pintura ha sido previamente restaurada y rebasada, pero actualmente necesita más recuperación de color. En el reverso a lápiz hay una antigua atribución a la escuela de Ferrara ("Ercole da Ferrara"). Se presenta en un marco de estilo de finales del siglo XIX.

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Grupo de cuatro cuadros con escenas de Orlando Furioso
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Grupo de cuatro cuadros con escenas de Orlando Furioso

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Grupo de cuatro cuadros con escenas de Orlando Furioso

Pintura al óleo sobre lienzo. Zona lombarda de finales del siglo XVIII. Los cuatro lienzos muestran escenas de Orlando Furioso, el famoso poema épico escrito por Ludovico Ariosto y publicado por primera vez en 1516. En el marco, en el reverso, hay escritos manuscritos en italiano antiguo, que dicen el título de la escena y dan la referencia de la canción y la estrofa. Las cuatro escenas representan episodios tomados de las dos primeras canciones del poema y parecen ser secuenciales. Los títulos atributivos son los siguientes: 1- “Esta pintura representa a aquel paladín galiardo (Rinaldo) hijo de Amone sig. di Monte Albano, que describe a Ariosto en el canto 1 al verso 12 ”: representa el momento en que Rinaldo, a pie de su caballo Baiardo, ve a Angélica escapar del campamento de Namo di Baviera en el bosque. 2- "Este cuadro representa a Angélica y Ferraù cuando ella acude en su ayuda, lo que Ariosto describe en el canto 1 verso 14": Angélica huyendo de Rinaldo, se encuentra en el bosque con Ferraù, un noble caballero sarraceno que también está enamorado de la muchacha, quien ayuda a escapar oponiéndose al caballero cristiano. 3- “Este cuadro representa a Rinaldo y Sacripante que caen, Angélica huye de su furia. Ariosto lo describe en el Canto 2 verso 10”: Rinaldo y Sacripante pelean para competir por el amor de Angélica, quien entretanto se da a la fuga. 4- “Esta pintura representa a Rinaldo y Sacripante en el acto en el que se enamoraron de Angélica y fueron detenidos por un espíritu en forma de Valetto. Ariosto lo describe en el canto 2 verso 15”: mientras los dos caballeros luchan, Angélica se encuentra con un ermitaño, quien, con un hechizo, evoca un espíritu con apariencia de lacayo, que interrumpe el duelo entre los dos contendientes. Las pinturas pertenecen, por tanto, a un único ciclo pictórico, atribuible a finales del siglo XVIII y que, de acuerdo con el gusto neoclásico, representa a los personajes con ropajes clásicos -guerreros vestidos de antiguos soldados, Angélica vestida con túnica romana, zapatos y pulsera - , pero insertada en un paisaje del norte de Italia, un bosque umbrío y denso. El Orlando Furioso tuvo la particularidad de proponer el tema bélico asociado al amoroso (en particular se prefirió la historia de amor entre Angélica y Medoro, que se convirtió en tema de numerosas obras de artistas de todos los siglos) y obtuvo gran popularidad y éxito: numerosos fueron sus representaciones en todas las gamas del arte pictórico visual, en elegantes frescos, pinturas, cerámicas, hasta jarros de boticario, copas, medallas, péndulos, candelabros. Comenzó en la tierra emiliana, patria del poema creado por Ariosto para el cardenal Ludovico D'Este, para llegar a las cortes de los Medici, en Lombardía, donde más tarde se desarrollaron los ciclos pictóricos de Ariosto en numerosos palacios y casas señoriales. Los lienzos se presentan en marcos de estilo dorado.

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Domenico Gargiulo atribuido a
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Domenico Gargiulo atribuido a

Paisaje con Arquitectura y Figuras

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Domenico Gargiulo atribuido a

Paisaje con Arquitectura y Figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. El gran paisaje está dominado por una imponente estructura arquitectónica con columnas que miran al mar, que ocupa toda la parte central del lienzo, mientras que a la derecha se perfila una fortaleza. La escena es animada luego por numerosas figuras de plebeyos dedicados a las actividades cotidianas: en primer plano a la izquierda, en el muelle, un grupo de hombres espera la carga de numerosos cajones y baúles. El monograma D.G. Esta abreviatura, junto con la modalidad estilística barroca, hace referencia a la atribución a Domenico Gargiulo, nombre artístico del pintor napolitano Micco Spadaro (1609/1612 - 1675). Activo principalmente en Nápoles, especialmente en las dos décadas comprendidas entre mediados del siglo XVII, el Gargiulo se consagró principalmente como paisajista y sobre todo por haber documentado los tumultuosos acontecimientos de Nápoles en el siglo XVII (erupciones, epidemias, la revuelta de Masaniello ). La progresiva especialización en la representación de paisajes o escenas de la ciudad, llena de figuritas presentados con breves descripciones minuto y con la atención a la realidad social popular, hecho que a su comisión era principalmente de naturaleza privada, que recibe encargos de numerosos notables napolitanos, regidores, caballeros y hallazgo sus obras en todas las colecciones napolitanas más importantes de la época. Entre sus principales clientes se encontraba también el gran coleccionista flamenco Gaspare Roomer, a quien el Gargiulo debía su fortuna. Gargiulo a menudo insertaba sus abreviaturas en sus obras, pero rara vez las fechaba; sólo fue posible establecer la datación de su producción gracias a la realización de una serie de obras para los monjes de la Certosa di S. Martino, que tuvo lugar entre 1638 y 1646, entre las pocas obras religiosas que realizó pero las únicas en ser documentado con cierta exactitud. El gran lienzo propuesto aquí se presenta en un marco elegante.

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Cuadro de Paisaje con Arcoiris
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Cuadro de Paisaje con Arcoiris

Copia de Peter Paul Rubens

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Cuadro de Paisaje con Arcoiris

Copia de Peter Paul Rubens

Pintura al óleo sobre lienzo. Se trata de una copia del famoso cuadro de Peter Paul Rubens, realizado entre 1632 y 1635, actualmente conservado en el Museo del Hermitage. La gran escena bucólica presenta un amplio paisaje que empuja la mirada hacia la lejana costa del mar; en él el cielo se va abriendo paulatinamente, revelando destellos de azul a la izquierda, mientras que a la derecha, entre las nubes más oscuras que quedaron de la tormenta, se revela un gran arco iris. En primer plano, un grupo de pastores y pastoras disfrutan de juegos amorosos, discretos y festivos, en medio de sus rebaños, que descansan y beben del cercano arroyo. Toda la escena está animada por una dimensión de gozosa relajación y refrigerio, como si el arco iris hubiera devuelto la serenidad al ambiente, trayendo luz y con ella serenidad al mundo. En comparación con la pintura de Rubens, algunos detalles han cambiado aquí, en particular el arco iris que aquí está desplazado hacia la derecha en lugar de ser central; y las dimensiones también son mayores que las de la obra original. En el marco hay una etiqueta que atribuye a Jacob Joardens, pintor flamenco seguidor de Rubens, pero la atribución no está validada. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de época.

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Pintado con escena de mar tormentoso
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Pintado con escena de mar tormentoso

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Pintado con escena de mar tormentoso

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela flamenca del siglo XVII. Ya atribuida a Jan Peeters (1624 -1677), la pintura se enmarca plenamente en el estilo y el género del autor que, trabajando en el taller de su padre y luego en el de su hermano Bonaventura, se especializó en la marina, sobre todo en la "Fortune di mare". , es decir, los accidentes debidos al mar, y a cualquier otro suceso causado en el mar por hechos fortuitos u obstáculos insalvables, que por tanto en la pintura se convierten en representaciones de tempestades con barcos y tripulaciones a merced de los acontecimientos. Precisamente de eso trata la pintura que aquí se propone: unas naves, llenas de hombres, están a merced de las altas olas de una tormenta nocturna, cerca de la costa que, con sus salientes rocosos, ya ha provocado el naufragio de algunas pequeñas embarcaciones. . Se percibe la lucha de los hombres, pequeños e indefensos, contra las fuerzas de la naturaleza, dominante, violenta, lúgubre y hostil, que domina y ataca a las embarcaciones tanto desde el mar como desde el cielo, oscuro y negro. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

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Cuadro del siglo XVII con Escena de la Captura de Santo Tomás de Aquino
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Cuadro del siglo XVII con Escena de la Captura de Santo Tomás de Aquino

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Cuadro del siglo XVII con Escena de la Captura de Santo Tomás de Aquino

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. Vástago de un antiguo linaje longobardo de Aquino (en la provincia de Frosinone), Tommaso (nacido hacia 1226) fue a estudiar a Nápoles, en 1243 ingresó en la orden de los predicadores dominicos en contra de los deseos de sus parientes, pero durante el viaje a la El norteño fue arrestado por sus hermanos y estuvo preso durante aproximadamente un año. En la escena, el joven santo del centro, ya vestido con el hábito dominico, está rodeado por ambos lados por cuatro figuras ricamente ataviadas, precisamente sus familiares, entre ellos probablemente su madre, que lo sostienen amablemente, casi abrazándolo, mientras con gestos de las manos y las miradas afligidas y amorosas tratan de convencerlo, casi rogándole. Las figuras también están ubicadas en una prisión, como lo indican las rejas en la ventana de la derecha, para subrayar la acción coercitiva realizada. Ricos y detallados son los detalles de la vestimenta de los personajes, con colores vivos que contrastan con el vestido de Tommaso, movimientos plásticos propiamente del gusto barroco. Ya restaurada y rebasada, la pintura se encuentra en buen estado, con evidentes cuarteaduras. Se presenta en marco antiguo re-lacado y re-dorado.

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Pintado con Escena Mitológica
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ARARPI0183429
Pintado con Escena Mitológica

Amor y Psique

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Pintado con Escena Mitológica

Amor y Psique

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. La escena se refiere, con algunas variantes pero de tamaño muy cercano, a una parte del gran fresco titulado "Banchetto degli dei" en la Cámara de Cupido (o Cámara de Cupido y Psique) del Palacio Té en Mantua, una gran representación de más de nueve metros realizados por Giulio Romano con su taller en el siglo XVI. La escena propuesta (que en Mantua se ubica a la derecha del gran banquete) muestra a Cupido y Psique acostados en un triclinio, mientras una pequeña figura alada los corona de laurel y dos ninfas le lavan la mano a Cupido; al fondo, a la derecha, un grupo de sátiros sacrifica una cabra al altar de una deidad, mientras que en el centro, a lo lejos, arde una ciudad. El banquete de los dioses es el momento final del mito de los dos amantes que, tras muchas pruebas y vicisitudes, obtienen el permiso de Venus para casarse. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo.

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Carlos Antonio Crespi
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ARARPI0141146
Carlos Antonio Crespi

bodegón con flores frutas un loro y juego

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Carlos Antonio Crespi

bodegón con flores frutas un loro y juego

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran composición es rica en numerosos elementos diferentes: en el centro destaca una gran composición floral, de múltiples variedades en vivos colores; a la izquierda de las flores, descansando sobre un capitel dórico, hay un periquito de vivos colores que contrastan con los apagados de los pájaros que yacen en el suelo, junto a unas calabazas y un jarrón de peltre. Según el experto en arte dr. Gianluca Bocchi (cuya experiencia se adjunta), la obra se remonta a la producción de Carlo Antonio Crespi, pintor activo en Como a mediados del siglo XVIII, de la misma familia Crespi a la que también pertenece el homónimo boloñés. A Crespi de Como le encantaba crear composiciones con los productos de la fértil tierra de Po, en compañía de pequeños animales, cerámica o cestas de mimbre, floreros, todo en el contexto de elementos arquitectónicos barrocos o clásicos. Sus lienzos, a menudo de gran tamaño, remiten al mundo de las villas y palacios de la campiña lombarda del siglo XVIII. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época. Procede de una importante colección (en el reverso se menciona al Commendatore Arturo Stucchi, empresario de Como).

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Cuadro con escena de género.
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Cuadro con escena de género.

El almuerzo de Fraticelli

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Cuadro con escena de género.

El almuerzo de Fraticelli

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela genovesa del siglo XVIII. Dentro de una gran sala con ventanas arqueadas que dan a la calle, un grupo de frailes sentados en el suelo comparten una comida sencilla, colocada sobre un paño blanco. La escena hace referencia a la esfera de Alessandro Magnasco conocido como Lissandrino (1667-1749), artista genovés considerado uno de los pintores más originales del siglo XVIII italiano, que se distinguió en la pintura de género popular y, en particular, en la producción de escenas de la vida de capuchino o frailes Camaldolese participan en las actividades más variadas, desde el estudio en la biblioteca a la confesión, a partir del trabajo de los sacapuntas o carpinteros en los talleres convento para el recuerdo simple en torno al fuego: en estas obras se puede apreciar todo la libertad expresiva del pincel del artista. se desplaza sobre el lienzo con toques rápidos para describir las llamas, chimeneas, gatos, libros, perros, cuencos pobres, lentes, libros, pobres ropas remendadas, sillas y taburetes, en definitiva, un mundo al día toda la gestos y cosas construidas con una técnica muy especial e inconfundible, constituidos por una mezcla de colores vivos y casi todos jugados en blanco y negro, en el que unos pocos trazos, hábiles de descenso de luz para dar forma y consis tencia a las huesudas figuras de los monjes. El autor de la obra aquí propuesta ciertamente se formó en el contexto de Magnasco y se inspiró en su estilo, aunque más sosegado, sin los destellos y la libertad interpretativa, muchas veces irreverentes o irónicas, hacia las figuras de los frailes; supo retomar el juego de claroscuro, luces y sombras, que fluyen de un monocromo en tonos marrones, creando aún una obra de excelente calidad pictórica. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

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Cristo coronado de espinas
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ARARPI0159197
Cristo coronado de espinas

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Cristo coronado de espinas

Pintura al óleo sobre lienzo. Se trata de una copia de época del grabado del mismo nombre realizado por Annibale Carracci (1560-1609), que tuvo un éxito inmediato y dio lugar a una serie de réplicas impresas y copias pintadas. Presenta el momento de la Pasión en el que Cristo es coronado con la corona de espinas, objeto de tortura, símbolo denigrante de su proclamación como Rey de Reyes.El acto está protagonizado por dos figuras, el soldado romano y el judío, que representan las dos personas que tomaron parte en la sentencia de muerte de Cristo. Las figuras, vigorosas y sanguíneas, las de los dos verdugos más pálidas e inertes que la víctima, crean una composición de cuerpos entrelazados, uniendo a los otros dos el del Jesús central, uniéndolos en la corresponsabilidad de lo que hacen; colocado de lado, Jesús tiene la cabeza inclinada a la fuerza hacia la izquierda por el soldado que le impone la corona de espinas, mientras que el judío de la derecha coloca la caña de bambú en su mano, reemplazando el cetro. La escena está dominada por colores lúgubres y oscuros, entre los que destaca únicamente el rojo vivo del manto de Cristo, símbolo de su humanidad doliente. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un bello marco coetáneo, con carencias.

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Lamento por Cristo muerto
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ARARPI0160106
Lamento por Cristo muerto

ARARPI0160106
Lamento por Cristo muerto

Óleo sobre pizarra. Pintada sobre una gruesa losa de pizarra, la escena presenta el momento dramático en el que María, rodeada de un grupo de piadosas mujeres, llora sobre el cuerpo de su Hijo bajado de la Cruz: se abandona dramáticamente en los brazos de las dos mujeres. detrás de ella, mientras en su vientre descansa el cuerpo inerte del Hijo, en cuya mano llora una tercera mujer; arriba, un grupo de ángeles que asoman desde el cielo abierto, de donde brota la Luz divina, participan del lamento. María es la única figura que viste ropas de colores vivos, que contrastan con el color ceroso del cuerpo de Cristo que descansa sobre su regazo, mientras que las demás mujeres visten ropas de colores apagados, igual de neutros son los cuerpos de los angelitos. Las figuras se sitúan sobre un fondo oscuro, en el que apenas se aprecia la abertura del sepulcro: el efecto cromático se consigue gracias también al soporte pictórico utilizado, la pizarra, piedra también conocida como "pizarra", como la más importantes canteras de pizarra se encuentran cerca de la ciudad de Lavagna en Liguria. La modalidad pictórica recuerda las obras de Pietro Mera conocido como el flamenco, pintor originario de Bruselas que vivió entre los siglos XVI y XVII: activo durante mucho tiempo en Venecia, trabajando desde 1570 hasta 1603 al servicio del cardenal d'Este, Mera hizo un amplio uso de la pizarra como soporte pictórico de algunas de sus obras. El material con su característico color oscuro permitió al artista crear intensos contrastes lumínicos y realzar las figuras, representadas con una brillante gama cromática e iluminadas por brillantes toques de luz. En buen estado, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

En la Cesta

5.840,00€

Envío a Italia: Gratis
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