PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN

Femme qui travaille

Crayon sur papier. Signé en bas à droite. Au dos se trouve une étiquette de la galerie d'art Cairola de Milan, sur laquelle figure le titre de l'œuvre. Marussig, artiste d'origine triestoise mais qui a longtemps vécu à Milan, dans le cadre de recherches post-impressionnistes et proche du groupe milanais Novecento, privilégie les thèmes picturaux sociaux, avec des scènes de vie bourgeoise ou des portraits de figures familiales. Le dessin est présenté dans un cadre.

Amharique (figures éthiopiennes) années 1930

Crayon sur papier. Signature, titre et localisation en bas à droite. Dans la seconde moitié des années 1930, Contardo Barbieri part comme volontaire pour la campagne en Afrique de l'Est. De cette période subsistent quelques œuvres qui proposent des sujets orientaux, comme ces personnages du peuple éthiopien appelés amhariques car originaires d'Amhara, une région du centre-nord de l'Éthiopie où se trouve la ville de Dessié. Dans le cadre.

Peinture à l'huile sur toile. L'identification de la sainte est donnée par la présence de la grande roue en bois, symbole de l'instrument de son martyre. Habituellement, la sainte est représentée avec une couronne sur la tête et vêtue de vêtements royaux pour souligner ses origines princières. Nous avons ici plutôt une représentation atypique d'elle, les cheveux détachés, recouverts uniquement d'un grand manteau rouge (couleur du sang, donc de l'humanité mortelle) qui tombe de ses épaules et l';oblige à couvrir ses seins avec ses mains ; son regard est tourné vers le haut, où le ciel s'ouvre et un ange descend, tenant d'une main la palme du martyre et de l'autre posant une couronne de fleurs sur sa tête, symbole de son mariage mystique avec le Christ. Il s'agit donc d'une représentation qui la voit au moment du passage à la vie éternelle, semblable à une Madeleine pénitente en adoration mystique, qui s'offre au Christ sans aucune reconnaissance humaine. Les choix chromatiques ressortent dans le tableau, qui sur un fond sombre et lugubre font ressortir le rouge du ciel ouvert et du manteau, et la blancheur de la chair, tant de la femme que de l'ange. La toile, déjà restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre travaillé de la fin du XIXème siècle, présentant quelques défauts.

Peinture à l'huile sur toile. Les personnages sacrés sont représentés dans la gloire, c'est-à-dire assis dans les cieux et entourés d'anges. Marie, couronnée d'étoiles, tient sur ses genoux l'Enfant Jésus, qui tend sa petite main vers le Saint agenouillé devant eux ; Catherine, vêtue de l'habit dominicain et avec la couronne d'épines sur la tête, tend à son tour sa main tenant le chapelet vers Jésus, pour le rejoindre dans un mariage mystique, que la Madone sanctionne avec la couronne de fleurs qu'elle veut placer. sur la tête de la mariée. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré du début des années 1900.

Les Neuf Muses

Tapisserie. Le mot Euterp apparaît en bas à droite. L'énorme jus d'herbe représente les neuf Muses, divinités grecques féminines, toutes sœurs, filles de Zeus et de Mnémosyne, et ayant le dieu Apollon pour guide. Ils représentaient l'idéal suprême de l'Art, compris comme la vérité du « Tout » ou la « magnificence éternelle du divin ». Initialement considérées de manière générique comme des divinités du chant et des danses joyeuses, chargées de mettre en musique et en vers des histoires telles que l'origine du monde, la naissance des dieux et des hommes, les exploits de Zeus, et souvent représentées accompagnées de divers instruments de musique. , à partir de l'époque hellénistique, toutes les expressions chantées et musicales y étaient associées, y compris les expressions tristes et funéraires, ainsi que d'autres arts comme le théâtre, et chacun d'eux était associé à un genre d'art spécifique, afin qu'ils puissent être invoqués individuellement. pour exercer leur inspiration et leur protection. Le mot « Euterp » fait référence au nom de l'un d'eux, Euterpe, muse de la poésie lyrique et de la musique, traditionnellement représentée avec une flûte ; mais le nom Euterpe signifie étymologiquement « Celle qui applaudit » qui apporte la joie, et on peut donc penser que le choix de ce nom pour titrer la tapisserie fait référence à la fonction la plus ancienne des Muses, celles d'apporter la joie à travers l'art. Dans cette présentation, les muses apparaissent dansantes, vêtues de voiles et de branchages fleuris ; dans leurs mains ou placés à côté d'eux apparaissent des instruments ou autres objets symbolisant l'art qu'ils inspirent (masques de théâtre tant tragiques que comiques, palette picturale, instruments de musique divers...). Le grand tableau présente des signes d'usure et des taches d'humidité.

Peinture à l'huile sur toile. École nord-européenne du XVIIIe siècle. La scène allégorique présente une femme légèrement vêtue assise sur les genoux d'un homme, près d'une table dressée avec une cruche, un gobelet, une tabatière et un cigare allumé. Les deux personnages sont dans une attitude de complicité ludique, tous deux décidés à fumer une longue pipe. Le fond offre un paysage verdoyant. Les personnages et objets font référence aux plaisirs matériels et charnels de la vie, fumer, boire, compagnie féminine ; les personnages rosés et rebondis rappellent aussi le plaisir de la bonne chère. Ces sujets étaient récurrents dans la peinture flamande ou plus généralement nordique, qui les proposait de manière ironique et séduisante. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Broderie sur tissu en coton. Japon, période Meiji (1868 -1912). Le grand panneau en tissu de coton brodé offre un sujet naturaliste : des aigles et autres oiseaux sont représentés parmi des montagnes stylisées, des branches de pins et de glycines. La broderie est présentée dans un cadre de style.

Nu Féminin, 1912

Peinture à l'huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. Belle composition avec une figure féminine nue sur le lit, regardant une rose posée devant elle, un petit miroir à la main, un beau vase sur la petite table à côté. Il s'agit de l'œuvre du peintre hongrois Papp Bertalan, qui se consacra principalement aux portraits et aux natures mortes, et qui mourut jeune après avoir déjà obtenu un bon succès. Le tableau est présenté dans un cadre doré du milieu du XXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Il s'agit d'une petite copie de l'œuvre du Titien du même nom, réalisée vers 1532 et aujourd'hui conservé au musée du Louvre. À l'origine, on pensait que l'œuvre représentait Alphonse d'Avalos, marquis de Vasto, faisant ses adieux à sa femme avant d'aller combattre les Turcs. Il s’agit plutôt d’un prototype d’allégorie matrimoniale qui a connu un large succès à Venise. Les époux sont représentés sous les traits de Mars (en armure) et de Vénus, et sont accompagnés de Cupidon, divinité protectrice de l'amour, qui tient un faisceau de flèches, de Vesta, déesse du foyer domestique, couronnée de myrte, symbole de l'amour conjugal. fidélité, et par Hyménée, divinité des noces qui offre une corbeille de fruits et de fleurs. La femme tient une boule de cristal, comme si elle voulait regarder vers l’avenir. Les expressions mélancoliques des protagonistes ont été lues comme une référence à l'éventuel décès ou départ de l'un des deux époux. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. Le tableau représente le visage d'un saint âgé, tenant un lys, symbole de pureté, tout en lisant un grand livre, vraisemblablement un texte sacré. Il s'agit probablement d'une représentation de Saint Joseph : si la tradition le représente habituellement avec l'Enfant Jésus dans ses bras, à partir de la Renaissance, Joseph commença également à être représenté absorbé par la lecture d'un livre, sous les traits d'un « philosophe » ou d'un homme. qui a tiré la sagesse de savoir comment faire des choix justes et sages en lisant des textes sacrés. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Huile sur panneau. Le petit aperçu représente un aperçu boisé, verdoyant et ombragé, dans lequel diverses figurines se promènent et s'amusent. En bas au centre figure la signature AJ Garnier qui fait référence à l'artiste français Alfred Jean Garnier (1848 -1908), émailleur, peintre et graveur. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Les deux natures mortes proposent des compositions d'objets posés sur des tables en bois recouvertes de tissus damassés et surmontées de rideaux drapés. Parmi les objets représentés dans les deux scènes figurent des partitions musicales, dans un cas également une flûte, et des verres aux formes particulières, remplis de vin, flanqués de cruches en métal repoussé. Quelques livres, une grenade et un vase en cristal avec des fleurs dans un tableau apparaissent également ; une assiette de cerises avec une tasse en céramique, un citron et une branche de framboises dans l'autre toile. Les deux œuvres sont présentées dans des cadres dorés du début des années 1900.

Portraits d'Enfants 1930

Photographies retouchées aux pastels. Signé en bas à droite. Au dos de trois d'entre eux figure la date du 11 novembre 1930. On y voit une séquence photographique du portrait de trois enfants, qui changent légèrement de pose ou d'expression. Elles sont l'œuvre de la photographe britannique Eva Barrett qui, après une première expérience de peintre, a décidé de se consacrer à la photographie, pensant qu'« il valait mieux être une photographe de premier ordre qu'un [peintre] de second ordre. Ayant déménagé à Rome en 1913, elle y installe son laboratoire. Pictorialiste, dotée d'un petit appareil photo, Eva Barrett a créé sa propre méthode photographique qui n'est pas sans rappeler les croquis de dessin : elle a appliqué quelques coups de crayon très légers, parvenant à créer des images sobres mais avec des noirs particulièrement denses, conservant ainsi les caractéristiques de la photographie et des portraits. Il connaît ainsi un grand succès et sa carrière décolle. Eva Barrett a photographié la famille royale italienne, les épouses et les enfants des ambassadeurs étrangers, et a reçu de nombreuses commandes de la royauté européenne en Belgique, en Suède et en Grèce. Les quatre portraits sont présentés dans des cadres de style.

Peintures sur papier. Asie, première moitié du XXe siècle. Les miniatures représentent six personnages masculins, occupés à différentes activités, peints à l';imitation du style de Reza Abbasi, miniaturiste, peintre et calligraphe persan (1565 – 1635). Les personnages sont inscrits dans un cadre en papier appliqué et entourés de décorations monochromes de feuilles et de fleurs. Ils sont présentés dans des cadres élégants.

Huile sur toile. Portrait d'une femme d'âge moyen, entièrement vêtue de noir, peut-être pour le deuil. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. École française. En bas à gauche se trouvent la signature et la date écrites à l'envers ; la signature est lisible comme H. Faillade. En bas à droite se trouve l'écriture latine "Quando ex exilio redibit !!!" (Quand il reviendra d'exil !). Cet écrit souligne le lien de l'homme représenté avec le jeune général représenté dans le petit tableau qu'il tient à la main, probablement son parent et lié à la monarchie de Charles, dernier souverain de la dynastie Bourbon-France, absolutiste et anti- monarque libéral, renversé du trône et s'enfuit en exil en 1830 lors de la Révolution de Juillet, connue sous le nom de Seconde Révolution française. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.