Portée Attilio Pratella de

Vue côtière de la baie de Naples

Peinture à l'huile sur toile. Signé Att. Pratella en bas à droite. Au dos, déclaration d'attribution à l'architecte paysagiste napolitain. Le sujet est très proche de la production de Pratella, qui a préféré les marinas de la baie de Naples, sa ville natale. Il fait également partie de ce grand nombre de tableaux dont l'attribution est incertaine, en raison d'une qualité stylistique non conforme à la main de Pratella. Cependant de bonne qualité et agréable dans l'ambiance, le tableau est présenté dans un cadre.

Grand Tapa de Nouvelle-Guinée

Tissu en écorce et décoré. Splendide exemple d'art-artisanat, qui fait référence à l'une des méthodes les plus anciennes pour obtenir des vêtements sans recourir au tissage ou au tissage, mais en utilisant l'écorce interne de certaines espèces d'arbres. C'est une méthode qui a été pratiquée en Afrique centrale, en Asie du Sud-Est, au Japon, en Amérique du Nord et de la Méso-Amérique aux Andes, en Amazonie et dans les régions du Gran Chaco. Le terme Tapa désigne notamment tous les tissus d'écorce d'Océanie, mais en réalité c'est un mot originaire des îles Fidji. En fonction de la zone dans laquelle ces tissus d'écorce sont produits, différentes espèces d'arbres sont utilisées: alors qu'en Afrique le figuier est utilisé, en Indonésie et les îles du Pacifique le plus écorce utilisée est celle de l'arbre de mûriers de papier, dont le plus haut Des tissus de qualité sont produits, qui restent blancs et peuvent être décorés de différentes manières. Si autrefois le tissu d'écorce était porté quotidiennement, même simplement enroulé autour du corps, il a été remplacé au fil des siècles par du coton, mais encore aujourd'hui il est préféré aux tissus occidentaux pour les occasions rituelles et cérémonielles; surtout, ces tissus continuent d'être d'importants échanges, cadeaux de valeur lors de naissances, anniversaires, mariages (avec échanges entre les parents du marié et ceux de la mariée), funérailles et cérémonies à la famille royale. A cela s'ajoute la production alimentée par le marché touristique florissant de ce tissu. La tapa présentée ici est décorée de motifs géométriques répétés, qui évoquent les cabanes et la rue du village. Le bord supérieur n'est pas droit, mais formé de grandes franges triangulaires. Il est présenté monté sur un panneau et fermé dans un boîtier en plexiglas.

Madonna of Divine Love, copie par Raphael

Peinture à l'huile sur toile. Il s'agit d'une copie à échelle réduite du célèbre tableau de Raffaello Sanzio. datable vers 1516 et conservé au Musée national de Capodimonte à Naples. Si le modèle iconographique du tableau est sans aucun doute celui du groupe "Sainte Famille avec sainte Élisabeth et saint Jean", le nom sous lequel le panneau est connu aujourd'hui ne date que de 1824 et dérive du titre de la lithographie de Friedrich Rehberg, publié dans son "Rafael Sanzio aus Urbino". La dénomination de Madonna del Divino Amore dans l'iconographie est normalement attribuée à la représentation de la Vierge intronisée avec l'enfant sur le bras droit, deux anges sur les côtés, au-dessus de la colombe du Saint-Esprit d'où les sept rayons des dons de la l'esprit émanent. Bien qu'il s'agisse d'un exemplaire, le tableau de bonne qualité reproduit l'extraordinaire et innovant arrangement diagonal de la composition, avec lequel Raphaël avait bouleversé la présentation pyramidale traditionnelle de ce groupe sacré. Restaurée et regarnie, l'œuvre est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Portrait d'une jeune fille 1924

Peinture à l'huile sur toile. Signature et date non identifiées en bas à droite. Portrait d'une jeune femme ordinaire dans une pose et un regard provocants et espiègles, avec une rousse dans la bouche, de la même couleur que le foulard. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.

Lorenzo D'Andrea

Sans titre 1972

Peinture à l'huile sur toile. Signé et daté en haut à droite. Lorenzo D'Andrea est un peintre et sculpteur. Né à Lucques, promotion 1943, il a étudié à l'École des Beaux-Arts de Carrare puis à l'École polytechnique de Milan. Il commence à exposer en 1961. Ses œuvres arrivent dans les galeries et musées de Milan, Rome, Amsterdam, Paris, Lucerne, Bonn, Cracovie, Nice. Ses portraits sont célèbres: il a peint ceux de saint Jean-Paul II, du pape François, de Giulio Andreotti, d'Andrea Bocelli, de Renato Guttuso, de Gerry Scotti, de Pietro Cascella. Ses sculptures monumentales sont exposées à Lido di Camaiore, Sondrio, Portofino, Olbia, Golfo Aranci. Jusqu'aux années 1970, D'Andrea a été engagé dans une recherche figurative expressionniste informel: dans une couleur vive, dense et peinture matériel, des personnages similaires à stele statues ont été empilés les uns sur les autres, où la leçon semblait mélanger par. Picasso avec des influences d'un certain art médiéval typique de la région de Lucques, patrie du peintre. À partir de 1977, D'Andrea s'engagera dans un chemin qui le mènera à des résultats très différents. Œuvre présentée dans le cadre.

Christ au jardin des oliviers

Peinture à l'huile sur toile. L'événement tragique évangélique, qui commence la Passion du Christ, est rendu avec intensité, souligné par les contrastes de couleurs: au centre la figure de Jésus, agenouillée dans sa prière ardente de supplication au Père, se distingue par la robe rouge qui émerge fortement de l'obscurité de la scène environnante, où les ombres des soldats qui viennent l'arrêter se déplacer en arrière - plan à droite; la figure du Christ est projetée en diagonale vers le haut, où dans le ciel ouvert, entouré de lumière, apparaît l'ange portant la croix et le calice, signes de la Passion à laquelle Jésus est sur le point d'affronter. Restauré et regarni, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Sérigraphie par Luca Alinari

Billard 1990

Sérigraphie sur papier. Signé en bas à droite; numéro de série 57/125 en bas à gauche. L'artiste florentin Luca Alinari a développé sa production artistique, à la fois picturale et graphique, sur une recherche à proximité de la combinaison libre d'objets et de figures dans des atmosphères fantastiques et suspendues, sur la suggestion de Neo-Dada et Pop recherche Art. Techniques de peinture, dans laquelle il couleurs fluorescentes combinées, décalcomanie, collage, transpositions photographiques. Il a exposé dans toute l'Italie et dans le monde. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Xavier Bueno

Filles

Huile sur carton toile. Signé en bas à gauche. Après son enfance passée en Espagne, son pays natal, Genève et Paris, Xavier Bueno s'installe en Italie en 1940, à Fiesole, où il rejoint son frère Antonio, Pietro Annigoni et Gregorio Sciltian. au groupe des «Peintres modernes de la réalité», dont le manifeste proposait une observation «objective» de la vérité, de la nature et de sa reproduction fidèle que possible. L'expérience de la guerre civile espagnole d'abord, puis italienne, oriente de plus en plus l'artiste vers un réalisme lié à des raisons de fort contenu social. 1953 marque un tournant important pour la carrière de Xavier: c'est l'année de l'adhésion explicite à la poétique du réalisme socialiste, adhésion qui vient après un parcours personnel qui le voit pratiquer la peinture «engagée» depuis l'avant-guerre, avec une nette avancée art de la gauche italienne. Autre étape fondamentale de la carrière de Xavier, le voyage au Brésil en 1954: l'artiste revient de cette expérience plein d'enthousiasme et avec une série d'encres dont les principaux protagonistes sont des enfants, des adolescents, des ouvriers. A partir de ce moment, le thème de l'enfance est devenu de plus en plus récurrent, peu à peu les personnages ont été représentés immobiles, dans une sorte de brouillard irréel, dépourvu de profondeur uniforme, de rigueur de perspective, dans lequel ils émergent comme évoqués. Le travail présenté ici fait partie de cette production. Entre 1959 et 1964, Xavier crée le cycle des «Enfants», images souffrantes et œuvres symboliques mélancoliques d'une humanité humiliée et opprimée, que l'artiste présente à l'exposition «España libre». Sa technique a également subi une évolution, qui l'a conduit à rechercher un épaississement de la matière, épaissie par l'ajout de sable à la peinture; l'utilisation du collage, déjà expérimenté par lui dans les natures mortes, se fait également remarquer dans le domaine du portrait figuratif. La matière de ses peintures est devenue telle qu'elle en est venue à les définir «fresque sur toile». Œuvre présentée dans le cadre.

Sérigraphie par Luca Alinari

Sans titre 1990

Sérigraphie couleur sur papier. Signé en bas à droite; initiales PdA (preuve de l'auteur) en bas à gauche. L'artiste florentin Luca Alinari a développé sa production artistique, à la fois picturale et graphique, sur une recherche à proximité de la combinaison libre d'objets et de figures dans des atmosphères fantastiques et suspendues, sur la suggestion de Neo-Dada et Pop recherche Art. Techniques de peinture, dans laquelle il couleurs fluorescentes combinées, décalcomanie, collage, transpositions photographiques. Il a exposé dans toute l'Italie et dans le monde. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Portée Attilio Pratella de

Marina avec bateaux

Louis Papaluca

M. Y. VIVA II R.T.Y.C.

Gouache sur papier. Signé en bas à droite. Sur la gauche le nom du navire. L'abréviation R.T.Y.C. définit son appartenance à la Royal Thames Yacht Club comme le plus ancien club de voile en Grande - Bretagne, fondée en 1775, bien qu'il a pris son nom actuel qu'en 1830, et dont le « commodore », ou le président du club, est traditionnellement un membre du famille royale. Luca Papaluca s'est distingué pour ses portraits (notamment à la gouache) d'importants yachts, bateaux à vapeur en navigation, souvent situés dans le golfe de Naples, où il a vécu et travaillé, avec le Vésuve en arrière-plan. L'œuvre est présentée dans un cadre.