Ecce Homo par Enrico Saroldi Bronze Doré Verre - Italie Années 1940

Peinture à l'huile sur toile. École toscane de la fin des années 1500 - début des années 1600. La toile fait partie d'une grande production sacrée, qui exaltait la gloire de Marie et des saints proches du client. Au centre, Marie est assise sur un trône avec son petit fils dans ses bras, tandis qu'au-dessus, du ciel ouvert, le Père Éternel la bénit, avec le globe terrestre dans ses mains, symbole de sa puissance sur le monde ; Il est flanqué de deux anges. De chaque côté du trône se trouvent deux saints : à gauche, San Domenico di Guzman, vêtu de l'habit dominicain et tenant un lys et un livre dans ses mains ; à droite, dans son habit caractéristique, saint François d'Assise, tenant la croix en forme de Tau et de livre, et sur les mains duquel on voit les signes des stigmates. L'ensemble de la scène est caractérisé par la nature statique des personnages encore typiques de la période de la Renaissance, par des couleurs vives et par des traits composés et délicats des visages. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Tableau doré

Technique mixte sur contreplaqué (peinture et feuilles de papier argenté). Au dos, authentique avec cachet et signature de la soeur de l'artiste. L'œuvre appartient à la série des Tableaux dorés, œuvres créées par l'artiste milanais Remo Bianco à partir des années 1950. Né et éduqué à Milan, Remo Bianco fut l'élève de De Pisis, dans l'atelier duquel il fréquenta les grands artistes italiens du XXe siècle (Carrà, Sironi, Savinio, Soffici, Soldati, Marini, Cantatore). Après l'intermède de la guerre (enrôlé, coulé avec son navire et fait prisonnier à Tunis), il reprend son activité artistique à Milan, participant au Mouvement Nucléaire et au Spatialisme, venant se détacher complètement de la peinture figurative pour créer des oeuvres faites de coups de pinceau purée de pommes de terre. Au début des années cinquante, il commence à créer des œuvres, picturales et sculpturales, avec différents matériaux et à expérimenter différents thèmes et techniques ; à cette production appartiennent les Tableaux dorés, composés de feuilles d'aluminium argentées ou dorées sur des bases peintes.

Tableau doré

Technique mixte sur contreplaqué (peinture et feuilles de papier argenté). Au dos, authentique avec cachet et signature de la soeur de l'artiste. L'œuvre appartient à la série des Tableaux dorés, œuvres créées par l'artiste milanais Remo Bianco à partir des années 1950. Né et formé à Milan, Remo Bianco fut l'élève de De Pisis, dans l'atelier duquel il fréquenta les grands artistes italiens du XXe siècle (Carrà, Sironi, Savinio, Soffici, Soldati, Marini, Cantatore). Après l'intermède de la guerre (enrôlé, coulé avec son navire et fait prisonnier à Tunis), il reprend son activité artistique à Milan, participant au Mouvement Nucléaire et au Spatialisme, venant se détacher complètement de la peinture figurative pour créer des oeuvres faites de coups de pinceau purée de pommes de terre. Au début des années cinquante, il commence à créer des œuvres, picturales et sculpturales, avec différents matériaux et à expérimenter différents thèmes et techniques ; à cette production appartiennent les Tableaux dorés, composés de feuilles d'aluminium argentées ou dorées sur des bases peintes. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Sans titre 1999

Technique mixte sur bois. Signé et daté au dos. Né à Magenta, Giovanni Sesia ne se définit pas comme un peintre ni même comme un sculpteur ou un photographe, mais un « artiste ». Il fréquente l'Académie Brera de Milan et aborde la peinture avec des tableaux au signe fort et aux couleurs vives. Après une première recherche artistique dans l'abstraction et la découverte de la photographie comme moyen technique à combiner avec l'expressivité picturale, Giovanni Sesia découvre à la fin des années 90 toute une archive photographique d'un hôpital psychiatrique abandonné : fasciné par les photographies anciennes, qui représentent des visages et lieux oubliés, l'artiste les agrandit et les réélabore en superposant fonds, retouches picturales et insertions calligraphiques, explorant le thème de la folie et mettant au jour des existences marquées par la douleur et la maladie, pour les soustraire au passage du temps et de l'oubli. Le sens de la tradition, les couleurs chaudes de la terre, les bruns, les ocres et la rouille, comme les écrits faits avec une écriture presque illisible, deviennent les traits personnels et indéniables même dans les œuvres qui représentent différents thèmes, tels que les objets domestiques, les paysages , la ville, le tout avec une matrice commune, l'être humain et la valeur de la mémoire. L'oeuvre est encadrée.

Peinture à l'huile sur toile. Il s'agit d'un portrait de deux personnages masculins à mi-corps, portant des manteaux et des chapeaux en forme de cône avec des plumes brillantes ; les expressions dures, sombres et sardoniques font penser à des brigands ou à des brigands, ou, pour la vivacité des vêtements, à des acteurs qui incarnent de telles figures. L'oeuvre est présentée dans un cadre doré de la fin du 19ème siècle, avec des manques.

Sans titre 2006

Technique mixte sur bois. Signé et daté au dos. Né à Magenta, Giovanni Sesia ne se définit pas comme un peintre ni même comme un sculpteur ou un photographe, mais un « artiste ». Il fréquente l'Académie Brera de Milan et aborde la peinture avec des tableaux au signe fort et aux couleurs vives. Après une première recherche artistique dans l'abstraction et la découverte de la photographie comme moyen technique à combiner avec l'expressivité picturale, Giovanni Sesia découvre à la fin des années 90 toute une archive photographique d'un hôpital psychiatrique abandonné : fasciné par les photographies anciennes, qui représentent des visages et lieux oubliés, l'artiste les agrandit et les réélabore en superposant fonds, retouches picturales et insertions calligraphiques, explorant le thème de la folie et mettant au jour des existences marquées par la douleur et la maladie, pour les soustraire au passage du temps et de l'oubli. Le sens de la tradition, les couleurs chaudes de la terre, les bruns, les ocres et la rouille, comme les écrits faits avec une écriture presque illisible, deviennent les traits personnels et indéniables même dans les œuvres qui représentent différents thèmes, tels que les objets domestiques, les paysages , la ville, le tout avec une matrice commune, l'être humain et la valeur de la mémoire. L'oeuvre est encadrée.

Récolte

Huile sur toile. Signé en bas à gauche. Au dos cette autre signature avec le titre et le cartouche de la galerie d'art Ardenza (un quartier de Livourne). Carlo Pupi est un artiste livournais né en 1939, qui s'occupe principalement de peintures de genre qu'il interprète avec un vif réalisme. Son style pictural, rapide et cursif, montre une certaine tendance impressionniste, dans la lignée de toute l'école de Labronica. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole française de la fin du XVIIIe siècle. Dans une atmosphère romantique, mise en valeur par les nuances bleu-rose du ciel, une campagne verdoyante est représentée, traversée par une petite rivière (qui coule vers la mer en arrière-plan et peuplée de villages sur ses rives), sur laquelle quelques figures masculines et féminines en tuniques classiques, elles engagent des conversations. La peinture a de petits trous et des gouttes de couleur (marqué cretto). Il est présenté dans un cadre élégant.

Fuite en Égypte 1991

Acryliques à bord. Accompagné d'une authentification sur photo dédicacée de l'auteur, avec cachet de la Galerie Verlato à Milan. L'œuvre présentée ici fait partie de la riche série d'œuvres appelées par l'artiste Cristalli, en raison de la référence aux géométries de ces minéraux, qu'il considère comme des réservoirs d'énergie et de lumière. Sur une planche de forme tridimensionnelle avec des pointes saillantes asymétriques, rappelant la structure d'un cristal, Jori peint des éléments qui émergent du fond, avec des choix chromatiques qui se réfèrent tous à la même gamme mais avec des nuances différentes, pour imiter les reflets de la lumière. Cette œuvre est composée de trois éléments, de tailles et de formes différentes, qui sont proposés horizontalement juxtaposés, mais sans se toucher : sur le fond noir, les formes de certaines formes géométriques émergent, dans des tons de gris de plus en plus clairs jusqu'au blanc, structures architecturales, évoquant des maisons le long d'une route, le chemin parcouru par la Sainte Famille dans la fuite en Égypte pour chercher le salut d'Hérode. L'œuvre provient d'une importante collection privée milanaise.

Huile sur table. Ecole anglaise de la fin du 19ème siècle. Agréable scène rurale, avec de nombreuses figurines de voyageurs et de bergers aux bêtes, disséminées dans les vastes prairies et sur le chemin qui mène à la rivière ; en arrière-plan un lac bleu, avec des ruines. La peinture a de légères pertes de couleur. Il est présenté dans un cadre élégant.

Aperçu de la mer avec les pêcheurs

Peinture à l'huile sur toile. Signé F. Pratella en bas à gauche. Dans le golfe de Naples, identifiable par le Vésuve en arrière-plan, sur une côte sablonneuse, un groupe de pêcheurs avec leurs femmes tirent les bateaux à terre. La lumière et les couleurs remplissent l'atmosphère de la scène. L'artiste napolitain Fausto Pratella, fils d'Attilio, a d'abord suivi le congé de son père, peignant des marines pleines de lumière et de mouvement, comme celle proposée ici, mais a rapidement voulu s'écarter du sillage d'Attilio, choisissant différents sujets et techniques, ce qui l'a amené à peindre les froids parcs périphériques de Milan, apportant dans ses toiles les visions évocatrices de ces verts, ces gris, ces bruns saturés de cette vacuité humide et brumeuse typiquement lombarde. Le tableau est présenté dans un cadre stylé.

Composition de fleurs et de fruits 1959

Huile sur table. Signé et daté en bas à droite. Des fleurs colorées dans un vase blanc et des fruits éparpillés sur la table sont rendus avec de grands coups de pinceau superposés, dans des couleurs vives sur un fond clair pour créer un effet lumineux et vibrant. Teonesto Deabate était un artiste turinois qui s'est consacré non seulement à la peinture, mais aussi à d'autres formes d'art appliqué : céramique, décoration intérieure, illustration. Sa production picturale appartient avant tout à l'après-guerre et se compose de paysages, de natures mortes mais aussi de figures, réalisées à l'huile d'aquarelle : la recherche des relations lumière-couleur y est fondamentale, pour créer des sensations de finesse et de sensibilité à travers de subtiles combinaisons de tons et d'élégantes arabesques. L'oeuvre est présentée dans un cadre.