Nature morte aux Fleurs Huile sur Toile - Italie XIX Siècle

Huile sur toile. Ecole lombarde du XIXe siècle. La composition en vase présente un bouquet de fleurs panachées aux délicates couleurs pastel, flanqué d'un vase en verre bleu fin et élégant contenant un seul iris ; les vases reposent sur une élégante console en bois avec miroir qui encadre la composition. L'œuvre non signée est très proche de la manière de Luigi Scrosati (1814-1869), le peintre milanais qui se distingua par les représentations de natures mortes florales. Le tableau est présenté dans un beau cadre doré contemporain, en bois et tablette modelée de frises.

Troupeau au repos

Huile sur toile. Signé en bas à gauche. Né à Milan en 1819, Salvatore Mazza est diplômé en droit à la demande de son père mais, commençant à fréquenter les milieux étudiants et patriotiques, il rencontre de nombreux artistes travaillant sur le front anti-autrichien, qui l'initie à la peinture et le pousse à abandonner son études de droit. En 1842, il expose pour la première fois à Brera, présentant cinq tableaux de genre ; dans le sillage de Domenico Induno, Mazza a d'abord proposé une peinture au sujet réaliste et moderne, avant tout des sujets d'histoire contemporaine et de scènes de décors populaires. Dans les mêmes années, il participa activement aux soulèvements anti-Hapsbourg, culminant avec les Cinq jours de Milan, qu'il raconta dans le récit autobiographique, qu'il illustra lui-même. Après la parenthèse révolutionnaire, il écrit et illustre un roman historique (Le mémorial de Fra 'Luca d'Avellino. Fantaisies artistiques et littéraires, 1850), contribuant au débat contemporain sur l'opportunité de doter les textes littéraires d'un appareil figuratif. Ce roman a été écourté pour la partie littéraire par la critique, mais a reçu l'approbation de la critique et du public pour les quelque 800 illustrations qui l'accompagnaient. Pendant ce temps, la production picturale a également repris, se tournant à nouveau vers des sujets historiques et littéraires, mais en 1856 Mazza a remporté le prix Mylius avec le tableau "Un troupeau au repos" (initialement conservé à la Pinacothèque de Brera à Milan mais maintenant introuvable), un la reconnaissance qui a conduit à la décision de limiter la production picturale de scènes de genre en faveur des paysages et peintures de milieu et de petits animaux, l'objet d' un intérêt croissant de la part de la bourgeoisie entrepreneuriale ambrosien. Tout au long de sa maturité artistique, Mazza a également soutenu la peinture avec une activité intense en tant que dessinateur et caricaturiste pour des journaux satiriques et a participé activement à la vie artistique milanaise, en tant qu'académicien de l'Académie de Brera et en tant que critique d'art. Salvatore Mazza est mort en 1886 à Milan. L'œuvre présentée ici fait partie de la production pastorale de Mazza et propose le même sujet avec lequel il a remporté le prix Brera. La scène se déroule dans un paysage montagneux accidenté, sous des sommets enneigés à la conformation résolument alpine. La partie centrale est occupée par un groupe d'hommes et d'animaux (vaches et chèvres) qui, pendant le repos, s'arrêtent en chemin, se serrent les uns contre les autres pour se réchauffer ; accroupi, le berger allume le feu de camp, flanqué d'un grand garçon. Au centre, sur le cheval, une maternité suggestive à saveur presque sacrée : une femme tient dans ses bras un nouveau-né, vêtue de vêtements qui, par le choix des couleurs - rouge et bleu - rappellent assez explicitement la représentation traditionnelle de la Vierge, et ils se démarquer chromatiquement dans le reste de la scène, dominée par des tons ocres bruns et de nuances de gris qui se transforme alors en blanc sale des neiges et des nuages. Il y a donc un sentiment d'attrait religieux dans une scène de genre très rurale et laïque. Le tableau, qui provient d'une collection privée milanaise, a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre doré de la fin du 19ème siècle.

Scène de siège

Huile sur toile. A l'extérieur des fortifications d'une ville, un chef, entouré de ses soldats, s'apprête à allumer la mèche du canon. L'armée défend la citadelle en dehors des murs et les soldats scrutent l'horizon à la recherche vers le bas: ce qui nous conduit à placer la scène sur les fortifications d'une ville, en particulier ceux de Gênes qui montent sur les montagnes derrière et à partir de laquelle les Génois défendait la ville des attaques de la mer; l'emplacement à Gênes est attesté par la bannière qui flotte au-dessus des murs, le drapeau Croce di San Giorgio (croix rouge sur fond blanc) de la République de Gênes. La forme de l'armure, des armes et des vêtements ferait référence au siège de Gênes en 1522. Il s'agit donc de la représentation au XIXe siècle d'un épisode historique, qui fait donc partie de cette production picturale répandue en Italie au XIXe siècle, inspirée par le nouveau roman historique proposé par la littérature. Au dos du cadre se trouve le nom G. Boni, accompagné d'un numéro faisant référence à la participation à une exposition officielle. Giovanni Boni fut un élève de l'Académie de Brera, en particulier un disciple de Giuseppe Sogni, un artiste qui, parmi les premiers, privilégiait la peinture historique dans ses déclinaisons romantiques innovantes. On ne sait pas grand-chose de Boni, ni du point de vue biographique ni de sa production. De son attribution certaine, nous ne connaissons que le Nu d'homme (académie peint) avec lequel il remporta le premier prix de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. L'œuvre exprime les figures et le pathétique de la scène avec une efficacité expressive ; les personnages au premier plan sont très bien caractérisés dans leurs poses, leurs expressions, dans les détails des vêtements et des armes, tandis que les autres personnages se fondent dans l'arrière-plan, suggérant la présence d'une grande armée. Le tableau, toujours sur la première toile, montre de petites gouttes diffuses de couleur. Il est présenté dans un cadre élégant.

Le Scribano

Huile sur carton Signé en bas à droite. Beau travail du peintre de Bergame, fils d'art, qui après avoir étudié à l'Académie de Carrare, animé par une grande passion pour le voyage, se déplace régulièrement en Italie et à l'étranger, en Afrique et à l'Est; Pendant la Seconde Guerre mondiale, il s’installa à Manille, aux Philippines, où il resta jusqu’à sa mort. Les œuvres de Romualdo Locatelli sont présentes dans des collections publiques et privées du monde entier, mais principalement en Orient où il a peut-être produit ses meilleures œuvres, dont le souvenir est le "célèbre Romualdo", et évidemment dans sa ville natale, Bergame. qui au fil des ans a consacré plusieurs expositions. L'œuvre présentée propose un sujet oriental, un personnage de la vie populaire des pays orientaux par l'artiste fréquenté. Présenté dans le cadre.

Huile sur ardoise. Peinte sur une épaisse dalle d'ardoise, la scène présente le moment dramatique où Marie, entourée d'un groupe de femmes pieuses, pleure sur le corps de son Fils descendu de la Croix : elle s'abandonne dramatiquement dans les bras des deux femmes derrière elle, tandis qu'au sein de son ventre repose le corps inerte du Fils, sur la main duquel pleure une troisième femme ; au-dessus, un groupe d'anges qui regardent du ciel ouvert, d'où jaillit la Lumière divine, participent à la lamentation. Marie est la seule figure qui porte des vêtements aux couleurs vives, qui contrastent avec la couleur cireuse du corps du Christ reposant sur ses genoux, tandis que les autres femmes portent des vêtements aux couleurs ternes, tout aussi neutres sont les corps des petits anges. Les figures sont placées sur un fond sombre, dans lequel l'ouverture du sépulcre est à peine visible : l'effet chromatique est rendu grâce également à la base picturale utilisée, l'ardoise, une pierre également connue sous le nom de "tableau noir", comme la plus d'importantes carrières d'ardoise sont situées près de la ville de Lavagna en Ligurie. La modalité picturale rappelle les oeuvres de Pietro Mera dit le Flamand, peintre originaire de Bruxelles qui vécut entre le XVIe et le XVIIe siècle : actif longtemps à Venise, travaillant de 1570 à 1603 au service du Cardinal d'Este, Mera a largement utilisé l'ardoise comme support pictural pour certaines de ses œuvres. Le matériau avec sa couleur sombre caractéristique a permis à l'artiste de créer des contrastes lumineux intenses et de mettre en valeur les personnages, représentés avec une gamme chromatique lumineuse et éclairés par des touches de lumière brillantes. En bon état, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. Dans un grand paysage vallonné plutôt aride, qui s'élargit et s'estompe vers la droite, se trouve un haut rocher, en forme d'arc, sous lequel se trouve saint Jérôme pénitent, représenté en acte de prière et d'adoration de la Croix. Conformément aux canons de la peinture des XVIIe-XVIIIe siècles, la figure du Saint, adaptée à l'iconographie dans ses vêtements et son attitude, s'insère cependant dans un paysage incohérent, proche de celui du peintre qui puisait dans la réalité paysagère connue de lui. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Ecole lombarde de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. La composition riche offre un grand bouquet de fleurs colorées dans un vase en relief, à côté de deux grandes citrouilles et de fruits mélangés (raisins et pêches) : avec différentes intensités de couleur, les différents éléments naturalistes émergent du fond complètement sombre, créant des effets de lumières et les ombres. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Ecole lombarde de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. La composition riche offre un grand bouquet de fleurs colorées dans un vase en relief, à côté d'un bol rempli de cèpes et d'une grappe de raisin : avec différentes intensités de couleur, les différents éléments naturalistes émergent du fond complètement sombre, créant des effets de lumières et les ombres. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIe-XVIIIe siècle. Au dos se trouve une étiquette de la galerie d'art Di Rosa, qui attribue l'œuvre à "l'école vénitienne de 1600". La grande scène, riche en figures et très animée dans l'entrelacement et la superposition des corps, raconte l'épisode de l'évangile de Jean dans lequel une femme surprise en adultère est amenée devant Jésus par des scribes et des pharisiens pour connaître son opinion sur la sa peine d'être lapidé. Jésus, tout en écrivant sur le sol avec son doigt, exhorte ses interlocuteurs à être miséricordieux avec la phrase "Que celui qui est sans péché jette la première pierre", sauvant ainsi la femme de la condamnation à mort et la laissant libre de partir, avec le exhortation à ne plus pécher. Le sujet a été largement re-proposé dans l'art, avec des points de vue différents sur les personnages. Dans ce tableau, la femme occupe une position centrale, mais tous les autres personnages qui l'entourent font converger le regard vers le bas, vers la main avec laquelle Jésus, accroupi, écrit par terre ; le visage et le bras droit de la femme sont pratiquement parallèles à ceux du Christ, comme s'ils suivaient et se conformaient à la direction que Jésus lui indique. Dans les autres nombreuses figures dominent la curiosité, l'intention de comprendre, la question que Jésus soulève avec sa question, représentée dans de multiples variantes expressives des visages et des corps ; curieux est le détail des lentilles - les lunettes du prêtre dont la tête sort derrière la femme et la loupe du personnage accroupi à gauche en arrière-plan - que deux personnages utilisent pour "mieux voir" ce qui se passe. Les modalités picturales et interprétatives de la peinture rappellent la production vénitienne proche de Girolamo Brusaferro (1677 - 1745), l'artiste vénitien dont la peinture représente la voie médiane entre la grande tradition de la peinture baroque tardive semblable à Luca Giordano et la sensibilité coloristique innovante typique de grâce du XVIIIe siècle. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre contemporain, en bois sculpté, stuqué et laqué.

Huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. Au dos cette étiquette de la Galerie d'Art avec l'indication "Ecole Vénitienne de 1600". L'épisode évangélique de la déposition du Christ de la croix est représenté. Le corps de Jésus, qui se détache blanc pour la pâleur de la mort mais aussi comme symbole de sa pureté, se détache au centre parmi les autres personnages, le seul inerte parmi les autres personnages. Ses bras encore ouverts alors qu'il est détaché de la Croix, constituent un lien entre les deux figures de Marie et Jean debout en dessous de lui, et le ciel. Autour de plusieurs figures qui créent en chorale du mouvement, des entrelacs, des formes et des couleurs. L'oeuvre restaurée et rentoilée est présentée dans un cadre contemporain, en bois sculpté, stuqué et laqué.

Huile sur toile. Les deux grandes toiles présentent les figures de deux divinités grecques, Vénus et Mercure, peintes à la manière de statues insérées dans une loggia, dans des tons presque monochromes rappelant le marbre, et sur un fond sombre. Mercure est reconnaissable au bâton au serpent enroulé, appelé le Bâton d'Asclépios, l'un des symboles du dieu ; Vénus est traditionnellement représentée dans une pose qui affiche sa nudité, c'est-à-dire sa beauté. Les deux panneaux sont conçus comme des éléments complémentaires d'un aménagement intérieur. Restaurés et rentoilés, ils sont encadrés de simples lamelles de bois.

Huile sur toile. Ecole italienne du XVIIe siècle. La grande scène représente les Trois Parques, ou les trois divinités de la mythologie romaine, appelées Moire dans la mythologie grecque, qui présidaient au destin de l'homme : la première filait le fil de la vie, la seconde dispensait des destinées, en attribuant une à chaque individu, établissant eux même la durée, la troisième, l'inexorable, coupent le fil de la vie à l'instant dite. Leurs décisions étaient immuables : même les dieux ne pouvaient les changer. Parfois représentées comme trois femmes âgées, d'autres comme jeunes, elles apparaissent dans ce tableau aux traits féminins de différentes étapes de la vie : au centre la déesse qui tourne est d'âge adulte, à droite se trouve une jeune déesse qui décide de la durée de le fil, ou la durée de la vie, à gauche une vieille femme qui s'apprête à couper le fil avec une pince. En réalité, à partir de ce travail, il ressort clairement comment les trois divinités travaillaient en symbiose et comment les trois tâches étaient effectivement partagées, car toutes trois représentaient ensemble le Destin, le Destin de l'homme. La toile, précédemment restaurée et rentoilée, nécessite une restauration supplémentaire en raison de petites gouttes de couleur diffuses et d'une patine de saleté. Il est présenté dans un cadre relaqué contemporain.