Paire de Cadres Renaissance Italie XVI Siècle

Huile sur ardoise. Peinte sur une épaisse dalle d'ardoise, la scène présente le moment dramatique où Marie, entourée d'un groupe de femmes pieuses, pleure sur le corps de son Fils descendu de la Croix : elle s'abandonne dramatiquement dans les bras des deux femmes derrière elle, tandis qu'au sein de son ventre repose le corps inerte du Fils, sur la main duquel pleure une troisième femme ; au-dessus, un groupe d'anges qui regardent du ciel ouvert, d'où jaillit la Lumière divine, participent à la lamentation. Marie est la seule figure qui porte des vêtements aux couleurs vives, qui contrastent avec la couleur cireuse du corps du Christ reposant sur ses genoux, tandis que les autres femmes portent des vêtements aux couleurs ternes, tout aussi neutres sont les corps des petits anges. Les figures sont placées sur un fond sombre, dans lequel l'ouverture du sépulcre est à peine visible : l'effet chromatique est rendu grâce également à la base picturale utilisée, l'ardoise, une pierre également connue sous le nom de "tableau noir", comme la plus d'importantes carrières d'ardoise sont situées près de la ville de Lavagna en Ligurie. La modalité picturale rappelle les oeuvres de Pietro Mera dit le Flamand, peintre originaire de Bruxelles qui vécut entre le XVIe et le XVIIe siècle : actif longtemps à Venise, travaillant de 1570 à 1603 au service du Cardinal d'Este, Mera a largement utilisé l'ardoise comme support pictural pour certaines de ses œuvres. Le matériau avec sa couleur sombre caractéristique a permis à l'artiste de créer des contrastes lumineux intenses et de mettre en valeur les personnages, représentés avec une gamme chromatique lumineuse et éclairés par des touches de lumière brillantes. En bon état, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Lamentation sur le Christ mort 1585

Gravure sur bois sur papier. En bas à gauche, il y a une inscription qui mentionne: "Raff. De Regg a inventé Andrea Andreani mant. Carver; à l'ill.mo et ecc.mo sig Don Giovanni Medici. 1585". Il s'agit donc d'une gravure sur bois réalisée d'après un dessin de Raffaello da Reggio par le graveur de Mantoue Andrea Andreani dont les œuvres ont remporté un grand succès pour la remarquable qualité d'exécution et de style. La gravure sur bois a été appliquée sur une feuille de papier, elle présente des manques et des cassures et nécessite une restauration. Cadre stylé.

Huile sur table. L'œuvre s'inspire d'une représentation graphique du Nouveau Continent largement répandue en Europe, suite à l'intérêt et à la curiosité suscités par le Nouveau Monde, qui rendit le sujet largement utilisé dans les productions art-littéraires des '500 et' 600. L'allégorie de l'Amérique a été conçue comme une figure féminine nue ornée d'une coiffe à plumes et tenant une lance. L'œuvre proposée ici est très proche dans la structure compositionnelle d'une estampe créée par Johannes I Sadeler (Bruxelles 1550-Venise 1600 ca.) qui place, comme dans cette œuvre, la figure allégorique à droite de la scène, tandis qu'à gauche un paysage fluvial avec d' autres personnages féminins habillés de la même manière. L'oeuvre présentée ici a fait l'objet d'une restauration avec parquetage de la table. Il est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. École lombarde. C'est le portrait debout d'un homme en armure, dans une attitude fière, presque en mouvement, la main posée sur la poignée de son épée; en haut à gauche un blason; en bas à droite un cartouche peint avec une longue écriture en latin, qui identifie l'homme. Il s'agit de Bartolomeo III Olevano, appartenant à la puissante famille des nobles Olevano, seigneurs féodaux de nombreuses villes de Pavie et de Lomellina (où leur château existe toujours), qui ont eu une grande voix dans les événements de Pavie et de sa campagne jusqu'au 18. siècle. Bartolomeo III, né en 1512, se consacra à l'art de la guerre pendant quarante ans, accomplissant de nombreux et très honorables actes, fut préfet de Mortara et Novara sous la domination de Charles Quint, maître des soldats et ambassadeur de Philippe II. Ses réalisations les plus importantes sont résumées dans le cartouche: une traduction du texte est disponible. Le blason représenté montre à gauche l'olivier dont la famille tire son nom. La peinture provient d'une importante collection historique familiale lombarde.

La femme au chien, 1924

Aquatinte en couleurs. Signé en bas à gauche et à droite au crayon ; numéro de série 160/200 en bas à gauche. Pierre Bonnard, peintre, graveur et photographe français, a commencé à peindre pendant ses études de droit à Paris, mais a rapidement abandonné l'art de la médecine légale pour se consacrer uniquement à la peinture. En 1888, à l'Académie Julian à Paris, Pierre Bonnard fonde avec Paul Sérusier, Maurice Denis et Paul Ranson, le groupe de peintres Nabis (Prophètes), groupe qui s'inspire des œuvres et de la poétique de Paul Gauguin dans leurs idéaux esthétiques., pour le dépassement du naturalisme impressionniste par un retour à l'art primitif et japonais. En 1891, Pierre Bonnard crée sa première étiquette pour une entreprise viticole, des lithographies pour "La Revue Blanche" (où les Nabis se sont rencontrés) et conçoit également des projets de mobilier et de décoration de paravents impliquant Toulouse-Lautrec avec la qualité décorative de ses peintures et sa personnalité personnelle. utilisation de la couleur. En 1892, il expose certains de ses panneaux décoratifs au Salon des Indépendants, commençant à intéresser les critiques d'art. Peu à peu, le peintre abandonne les tons gris académiques et expérimente avec enthousiasme la rencontre de l'art avec le monde des choses banales colorées. Ses œuvres, bientôt reconnaissables aux couleurs irisées, aux lignes lumineuses et à la perspective ouverte, furent largement appréciées. En 1896, il organise sa première exposition personnelle et sa renommée s'étend à l'Europe avec des expositions en Suède et en Norvège. Passé sous l'influence du courant de l'Art nouveau, Bonnard s'est intéressé aux estampes japonaises, très en vogue dans le monde artistique parisien à la fin du XIXe siècle, au point d'en porter quelques traits dans ses toiles : Bonnard sera surnommé le " Nabi japonais". Avec son ami Edouard Vuillard, il développe également un nouvel intérêt pour les scènes d'intérieurs domestiques intimistes, un genre qui deviendra connu sous le nom d'"Intimisme" et qui propose le monde parisien dans les années précédant la Première Guerre mondiale. En 1910, Pierre Bonnard découvre le sud de la France et commence ainsi à peindre des paysages lumineux. Au cours des vingt dernières années de sa carrière artistique, il a continué à peindre, allant dans tous les sujets et dans toutes les techniques qui lui plaisaient, créant des peintures décoratives mais aussi de nombreux croquis et dessins, des œuvres lithographiques en couleurs ou en noir et blanc, des affiches, des illustrations pour livres et magazines qui ont influencé l'art moderne. L'aquatinte présentée ici fait partie d'une importante production des années 1920 de ce sujet, la "femme au chien", proposé dans de nombreuses variantes. Il est présenté dans un cadre.

Visage féminin 2001

Huile sur toile. Daté et signé au dos. Né à Seregno, Danilo Martinis a été formé avec Osvaldo Minotti. Peintre et designer, il a meublé des résidences prestigieuses dans le monde entier, ses oeuvres sont particulièrement appréciées aux Emirats Arabes Unis et en Russie. Il aime exprimer ses pensées à travers des images graphiques-figuratives rendues par des effets géométriques et des jeux chromatiques, utilisant principalement des figures féminines comme interprètes. Dans cette oeuvre il propose un gros plan d'un visage féminin, valorisant son expressivité par le jeu des couleurs dans les gammes du jaune.

France Fin du XIXe siècle Début du XXe siècle

Statue en bronze représentant une figure féminine avec un bouquet de fleurs. La statue repose sur un socle circulaire en bronze doré et ciselé à motifs végétaux et soutenu par trois pieds à volutes feuillagées. La sculpture porte la signature de la manufacture incussa "Moreau".

Yeux 1995

Huile sur toile. Daté et signé au dos. Né à Seregno, Danilo Martinis a été formé avec Osvaldo Minotti. Peintre et designer, il a meublé des résidences prestigieuses dans le monde entier, ses oeuvres sont particulièrement appréciées aux Emirats Arabes Unis et en Russie. Il aime exprimer ses pensées à travers des images graphiques-figuratives rendues par des effets géométriques et des jeux chromatiques, utilisant principalement des figures féminines comme interprètes. Dans cette oeuvre il propose un très gros plan d'un visage féminin, encadrant notamment les yeux.

Il y a une heure 2000

Huile sur table. Au verso se trouve une étiquette de la Galleria Marescalchi de Bologne avec le titre, la date, les données techniques de l'œuvre et le numéro de catalogue (cat. 91). Né à Viareggio, Alessandro Tofanelli est d'abord diplômé de l'institut d'art de Lucca, puis a déménagé de 1977 à 1980 à Milan pour fréquenter l'Académie Brera de Milan, collaborant ces années-là en tant qu'illustrateur pour plusieurs magazines publiés par Rizzoli et Mondadori. Il a immédiatement commencé à s'imposer, remportant des prix nationaux; ses œuvres picturales sont exposées dans d'importantes galeries d'art italiennes et étrangères et font partie d'importantes collections privées et publiques, nationales et internationales. Tofanelli a toujours combiné son activité picturale de photographe professionnel et de documentariste vidéo. Nombreux sont en effet ses travaux vidéo diffusés par les réseaux RAI, ainsi que ses prestations photographiques hébergées dans des publications spécialisées. Dans toutes ses formes artistiques, Tofanelli exprime le lien fort avec la nature : immergé en elle, une nature bienveillante, il la vit, la respire, la fait sienne, l'interprète en lui donnant voix et la peint, la transformant en poésie et la représentant en a un monde qui semble imaginaire, mais qui est plutôt un monde qui fut, un monde en soi, une réalité à la limite du rêve, un Eden où la vie est simple et marquée par le rythme lent des gestes quotidiens, et s'identifie aux objets du quotidien vie dans laquelle la présence de l'Homme peut être perçue, racontant sa vie et son histoire sans jamais le représenter. L'oeuvre est présentée dans un cadre.