Adoration de l'Enfant Jésus Huile sur Toile XVII Siècle

Huile sur toile. La Vièrge est représentée en gloire, debout dans les cieux et entourée d'anges. L'œuvre, encore en première toile, a été appliquée sur un cadre moderne : ce fait, ainsi que la figure incomplète de Marie, suggère que le tableau faisait partie d'une toile plus grande. Le tableau est présenté dans un cadre stylisé.

Huile sur toile. École du sud de l'Italie, XVIIe-XVIIIe siècle. La scène, pleine de personnages, voit au centre la figure d'un condottiere, bien défini dans les détails de l'armure, du cimier et de l'anatomie, qui accompagne avec bienveillance, d'un mouvement des bras, un homme agenouillé qui, avec sa compagne, rend hommage à un empereur, tout en montrant de sa main tendue le groupe de six enfants, tenus à droite par des soldats. L'empereur s'est levé de son trône, à gauche, et va à la rencontre du couple prosterné, mais lui aussi semble presque dans une attitude de révérence à l'égard du chef central. La scène semble faire référence à un épisode historique de clémence d'un condottiere qui, par son âge, ses traits et le type d'armure qu'il porte, pourrait être Alexandre le Grand, un personnage qu'il est cependant difficile de faire correspondre à l'autre figure couronnée de laurier qui descend de son trône dans le somptueux palais. L'épisode (historique ou légendaire ?) de référence ne peut donc être identifié précisément. On peut cependant apprécier la richesse compositionnelle de la scène, avec de nombreux personnages bien détaillés et des couleurs vives qui en soulignent le dynamisme. L'œuvre, restaurée et réencadrée, est présentée dans un cadre ancien.

Disciple de Peter Paul Rubens

Huile sur toile. Le tableau dérive de l'œuvre de Rubens (1577 -1640) conservée au musée du Prado à Madrid, reproduite comme contrepartie dans la gravure de Paulus Pontius (1603 -1658), qui apparaît également dans cette version. Au centre de la scène, à la verticale, se trouve la figure de Marie, dont le visage est inspiré de celui d'Isabel Brandt, la première épouse du peintre flamand, décédée en 1626 à l'âge de 35 ans. La Vierge tient dans ses bras l'Enfant Jésus, qui la regarde tendrement mais gravement dans les yeux, tandis qu'une petite main se pose sur le sein découvert de sa mère, dont il vient d'être nourri ; derrière, debout, sainte Anne entoure les épaules de sa fille et de son petit-fils d'une étreinte tendre et protectrice, en souriant avec complaisance : Sur le côté gauche, un peu à l'écart et dans l'obscurité, Joseph observe, pensif et inquiet : c'est la seule figure humaine qui ne s'intègre pas dans la lumière émanant du visage de l'Enfant, rayonnant sur celui de Marie et, par réflexion, également sur celui de Sainte Anne. Par rapport à l'œuvre du maître, la composition des figures est respectée, mais plusieurs détails varient, notamment dans les vêtements de sainte Anne, de Marie et dans la draperie qui entoure les hanches de l'Enfant, ce qui renforce l'hypothèse qu'il s'agit de l'œuvre d'un suiveur du maître flamand. La peinture, restaurée et reteinte, est en bon état, avec seulement une éraflure dans la couleur en haut au centre.

Huile sur toile. École d'Italie centrale du XVIIe siècle. Cette représentation inhabituelle et particulière présente à gauche les trois personnages de la Sainte Famille, avec Jésus déjà enfant, assis à table et bénissant le simple repas qu'ils s'apprêtent à prendre (composé de fruits et de pain). La scène, un sujet représenté plutôt rarement et habituellement avec un caractère plus sacré en raison de la présence d'anges servant la nourriture à la famille, a ici plutôt la saveur d'une intimité domestique très normale et très simple. D'autre part, tout autour de la Sainte Famille se détache majestueusement un aperçu d'une ville de la Renaissance, avec de hauts bâtiments dotés de loggias et de colonnades, présentés dans un bel effet de perspective qui mène, à l'extrême droite, au mur d'entrée d'une ville richement touffue, probablement Jérusalem. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Attr. à Domenico Lupini

Huile sur toile. Le tableau représente un épisode de la mythologie romaine relatif à la jeune héroïne romaine Clélia, qui fut donnée en otage, avec d'autres jeunes filles, au roi étrusque Porsenna lors de négociations de paix avec la cité ; Clélia réussit cependant à s'échapper en traversant le Tibre à la nage. Porsenna exigea qu'elle soit rendue aux Romains, qui acceptèrent, mais admirant son héroïsme, il décida de la libérer en lui permettant d'emmener avec elle d'autres prisonnières, que Clélia choisit parmi les plus jeunes. Le moment représenté dans le tableau est celui de la traversée du fleuve, dont la personnification se trouve au premier plan à droite, dans la figure du vieillard canin, accompagné d'une jeune femme avec une corne d'abondance. La scène est très dynamique : Clélia et les autres jeunes filles forment un groupe dense et animé autour du cheval monté par le protagoniste, comme le rappellent certaines versions de l'histoire ; derrière elles se trouvent les tentes du camp du roi étrusque avec quelques soldats. De l'autre côté du fleuve, un autre groupe de femmes a déjà effectué la traversée, tandis qu'à l'arrière-plan se dessine la ville capitoline à l'aspect classique. L'œuvre, comme l'atteste un petit cartouche, est attribuée à Domenico Lupini, un artiste dont on ne sait pas grand-chose mais dont on peut supposer qu'il a exercé son activité entre Bergame et Venise. Les deux seules œuvres signées sont une "Madeleine convertie" et une "Annonciation", mais d'autres œuvres lui ont été attribuées par l'érudite Federica Nurchis et ont été placées dans le monastère de Santa Chiara à Bergame. Le tableau présente un chromatisme chaud et raffiné qui, avec l'élégance des personnages et le mode de composition, suggère le séjour vénitien de Lucini, qui semble rappeler les atmosphères du Tintoret, de Véronèse et de Palma il Giovane. La peinture présente des signes de restauration et de retouche.

Huile sur toile. École italienne du XVIIe siècle. La grande composition présente divers aliments sur une table de cuisine : à gauche, un grand panier en osier rempli de légumes, surmonté d'un groupe de poissons suspendus ; d'autres légumes sont placés sur le plateau de la table, à côté d'une assiette de cerises, l'un avec une miche de pain, et plus loin un autre avec des crevettes ; à droite, un vase rempli de fleurs multicolores et, assis sur le haut d'une armoire, un chat noir qui se lèche tranquillement la patte. La netteté des couleurs ressort, renforcée par les reflets de la lumière sur certains aliments, comme les cerises ou les crevettes, et sur la cruche en cuivre devant les fleurs. Le tableau, restauré et retouché, est présenté dans un cadre en lattis.

Attr. à Domenico Lupini

Huile sur toile. Le modèle provient d'une gravure de Marcantonio Raimondi d'après un dessin de Raphaël, spécialement réalisé pour l'œuvre graphique, et dérivé d'une peinture de la Stanza della Segnatura (1513-1515) des Musées du Vatican. Ce modèle a ensuite été repris et varié dans des œuvres peintes ainsi que dans d'autres gravures, en particulier dans la gravure de Raphaël Sadeler de 1589, aujourd'hui conservée au Cabinet des dessins et des estampes de l'Accademia Carrara de Bergame : la peinture présentée ici présente en effet les mêmes modifications que celles apportées à l'original de Raphaël. Au centre de la scène mythologique située dans un paysage naturel se trouvent les trois déesses qui se disputent le titre de la plus belle : Junon avec le paon, son animal symbolique, Vénus accompagnée de Cupidon, et Minerve à côté de laquelle se trouvent le casque, la lance et le bouclier. Paris, de dos, remet à la déesse de l'amour, sous le regard du juge Mercure, la pomme d'or qui désigne le vainqueur. Deux putti voltigent autour des protagonistes, tandis qu'au premier plan, toujours de dos, se trouve une figure masculine. Dans la prairie située derrière, un pensionnat rural est en cours. L'œuvre, comme l'atteste un petit cartouche, est attribuée à Domenico Lupini, un artiste dont on ne sait pas grand-chose mais dont on peut supposer qu'il a exercé son activité entre Bergame et Venise. Les deux seules œuvres signées sont une "Madeleine convertie" et une "Annonciation", mais d'autres œuvres lui ont été attribuées par l'érudite Federica Nurchis et ont été placées au monastère de Santa Chiara à Bergame. Le tableau présente un chromatisme chaud et raffiné qui, avec l'élégance des personnages et le mode de composition, suggère le séjour vénitien de Lucini, qui semble rappeler les atmosphères du Tintoret, de Véronèse et de Palma il Giovane. La peinture présente des signes de restauration et de retouche.

Huile sur toile. École toscane du 17e siècle. Selon la tradition chrétienne, sainte Véronique est la "femme pieuse" qui, voyant la passion de Jésus portant la croix et son visage maculé de sueur et de sang, l'essuya avec un linge, sur lequel restait l'empreinte du visage de Jésus. Véronique apparaît également au centre du tableau, tandis que deux anges sur les côtés tiennent le linge sur lequel est imprimé le visage du Christ, couronné d'épines ; en dessous, un calice recueille symboliquement le sang divin, tandis qu'au-dessus du théta de la sainte plane l'Esprit Saint. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. La composition présente au centre un lièvre suspendu, flanqué de quelques cailles et d'un pigeon ; sur le côté droit, un panier en osier contenant des châtaignes et des branches de pin ; sur le côté gauche une botte d'asperges et un vase de fleurs colorées, dont les couleurs vives et vives créent un contraste chromatique avec les autres éléments, le tout dans des tons marron et gris. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre réutilisé du XIXe siècle.

Nature Morte avec Poissons

Huile sur toile. La scène, plutôt sombre, se déroule dans un intérieur de cuisine rustique, avec des casseroles en cuivre posées sur une table, ainsi que deux poissons et quelques légumes. Le tableau rappelle par son style et son sujet Felice Boselli, peintre émilien connu surtout pour ses natures mortes, dont il a produit une centaine d'œuvres représentant principalement du gibier, des poissons et des animaux de la basse-cour. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre ancien réaménagé.

Nature Morte avec Chasse

Huile sur toile. La scène, plutôt sombre et se déroulant en plein air, comme en témoignent les silhouettes des arbres à l'arrière-plan, montre plusieurs oiseaux de chasse posés sur le sol ou suspendus par les pattes aux branches. Le tableau rappelle par son style et son sujet Felice Boselli, peintre émilien connu surtout pour ses natures mortes, dont il a produit une centaine d'œuvres représentant principalement du gibier, des poissons et des animaux de basse-cour. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre ancien réaménagé.